闪光少女

看这部电影，我只花了一桶老坛酸菜牛肉面的钱。

是的，点映场的影院会员价只要3块9。

出于一个观众的基本修养，我还是在影片结束后问自己：这电影能值回票价吗？

答案是：当然！

在我心里它至少值39！

下面来谈谈我不太正经还算客观的观后感。

————————————————————————————————————————————如果以国产青春电影的三宝准则来看，《闪光少女》无疑是独树一帜了。

没有堕胎车祸难到老，没有初吻早恋闺蜜撕逼，有的是“二次元 民乐”这两个小众领域的跨界冲击，出人意料不乏惊喜。

不知道你们有没有注意到，这两年我们看到“二次元”的频次越来越高了。

一部分原因是很多有眼光的三次元壕们，发现年轻人才是捞金的主战场，他们开始投资年轻人感兴趣的二次元创业公司，动画、漫展、声优、COS、网游层出不穷。

是的，二次元越来越主流了。

《闪光少女》这部电影的诞生，可以说是应时应景应势吧。

它拓宽了青春电影的题材，单是这一点，就已经是很不错的尝试和创新。

当然，题材所给的惊喜有很大一部分是编剧的功劳。

编剧鲍鲸鲸(《失恋33天》《等风来》编剧)不算高产，对于剧本节奏的拿捏和人物台词的把握倒是不错。

比如《失恋33天》就是笑料频出：“起来吃点东西吧，没吃饭还那么沉，邪了门了”，“我们两个人在一起，这叫互补，你懂吗?行了，别置气了，我去给你倒一杯夏日特饮-凉白开”，王小贱的贱样儿很难让人不喜欢。

《闪光少女》也是，女主(神经)和男主(油渣)的性格差异颇大，女主神经大条敢爱敢恨还敢于为受欺凌的同学仗义出头甚至和校长对峙礼堂，男主卑微怯懦存在感低一心一意当女主的备胎俨然是犬系男友杰出代表。

演员对白轻松逗趣，“你们这不叫乐队吧？

最多算个戏台班子”“大神，我先献上我的膝盖”“你把我叫到这儿来，一定收了蚊子不少好处吧”，虽然这些对白没能触及我的笑点，但我真的听到前排的俩大妈笑成了猪叫。

你看，二次元X民乐的小众题材电影不只是给年轻人看的，大妈也可以看得很开心。

剧本别太于正，演员别太鲜肉，导演别太黄磊，基本上一部电影就算没有惊喜，也不会太差。

我承认这部电影是有惊喜的，不是“ACG”“扬琴”“编钟”“古风”这些能百度到的知识点，而在于它本质上在给“小众的热爱，是不是就没必要存在？

”这道命题一个答案。

看个青春题材的电影都要思考人生，是有病还是闲的？

大概都是。

故事设定在以西洋乐出名的学校，于是民乐就成了不受重视甚至被忽视被鄙视的小众。

而“奇装异服”的二次元代表们，则成了这个学校的异类。

“小众”和“异类”，都遭受着不公。

弹钢琴的帅哥(也没多帅)学长嫌弃学扬琴的女主，校长宣布新学期民乐班不再继续招生，女主组建乐队却找不到场地排练，女二趾高气昂地笑话女主的乐队是戏台班子，二次元乐队古筝演奏者被父母训斥“你看看你穿的都是什么”......小众，往往被区别于大众，这就是让人无奈的现实。

大多数人是用右手写字的，用左手写字的人被称为左撇子。

大多数人毕业后不是工作就是升学，那些gap year的探索者被人说不知天高地厚。

大多数人恋爱的对象是异性，于是喜欢男生的男生被划分到了一个分不清褒贬的专属群体gay。

“少数派”所遭受的区别对待，真是太多了。

很高兴这部电影让“少数派”成功逆袭了，让正在遭受不公平对待的“小众”群体看到希望，看到故事的结局也有可能按照鸡汤的套路水到渠成：西洋乐和民乐的较量中民乐赢了，于是那道碍眼的铁门也拆了；民乐班又招新生了，文化局主任(陈奕迅)的女儿成了女主的师妹；2.5次元乐队亮相公演，音乐会整个燃炸了；铁打的备胎也是可以转正的，男主油渣就在蚊子们的见证下表白成功了，尽管并没有得到女主的香吻......至于二次元X民乐到底是怎么玩儿的，不如自己去影院感受吧。

愿再小众的热爱，都能闪光地存在。

PS：最后感谢《闪光少女》，让我看到了一个发量惊人的陈奕迅。

比心。

《闪光少女》上映，让一首神曲又火了一把。

它就是洛天依演唱的《权御天下》。

《权御天下》就是《闪光少女》电影中千指大人用古筝弹的火爆弹幕网站的那一首，也是油渣跪下来膜拜的那一首，是2015年2月18日由“没有龟壳的乌龟”上传至B站的原创Vocaloid中文曲，由洛天依演唱，立时火爆，截止现在已经在B站点击超过400W，是国内二次元、古风和虚拟偶像爱好者们都知道的一首名作。

说是名作，但相信一定出现了很多你听不懂的词语，比如Vocaloid，比如古风，比如二次元、比如洛天依……别急，顺着《权御天下》来一一为你解答。

VOCALOID和初音未来在介绍演唱者洛天依之前要先说一下初音未来。

初音未来并不是真实存在的人，而是一个由VOCALOID程序开发出的“虚拟角色”。

那什么是VOCALOID呢？

VOCALOID是由 YAMAHA 集团发行的歌声合成器技术。

简单来说就是一种声音合成技术，使用VOCALOID就可以不需要录制任何新的声音资料就能模拟合成出歌曲和人声。

而YAMAHA推广这种技术的方法非常的日本特色，技术本是没有形象且枯燥无趣的，所以他们创造了全新的虚拟偶像初音未来，赋予她外形和性格，并给她演唱的机会，同时让她成为VOCALOID的代言人。

如此痴迷技术和音乐，又如此的热爱少女偶像，于是1+1后就诞生了初音未来。

随着技术的发展，初音的成功极大程度上改变了电子音乐人对于音乐业的认知和整个行业的格局。

而今年也是初音10周年的纪念日，这个虚拟形象并不仅仅是一个动画形象，而是一个“真正意义”上的世界级女歌手，她的代表作如《甩葱歌》、《千本樱》等都具有全球影响力。

“中国的初音”洛天依初音未来的成功在这十年让VOCALOID技术大为传播，也由此诞生了VOCALOID家族众多虚拟偶像，同时在韩国和中国都有各自的地区偶像。

此处由于家族成员太多，小编一时也学习不全，就只说中国洛天依为代表的VO中文家族。

洛天依12年7月12日正式出道，16年2月登上湖南卫视小年夜春晚，与杨钰莹合唱《花儿纳吉》，成为首位打破次元壁登上中国主流电视媒体的虚拟歌手。

代表作有《普通DISCO》《权御天下》《一半一半》。

而此次在《闪光少女》中洛天依也有特别出演，也算是电影出道了吧。

《权御天下》和古风初音和洛天依分别有一首VOCALOID名曲，就是《千本樱》和《权御天下》。

《千本樱》是“黒うさP”于2011年9月17日投稿至Niconico动画的单曲作品，是初音的代表曲目之一。

歌曲以大正时代为背景，歌颂了大正时代的日本的清新风气与大正天皇的严明。

2016年该曲的播放量已经突破1000W，是众多二次元粉丝心中的神曲。

《权御天下》不仅诞生和《千本樱》相似，在词创作上也和《千本樱》一样使用了历史元素，讲述的是三国时期东吴孙权争霸，霸气的曲风和浓重的古风气氛让《权御天下》为很多人喜爱。

《千本樱》和《权御天下》最吸引人的地方除了VO家虚拟偶像独有的快节奏曲风外，还因为歌曲的霸气古风容易带动人的情绪波动，不自觉的“燃”起来。

而为了让这首曲子具感染力，《闪光少女》中的“千指大人”苦学历史的用功可见一斑。

而所谓古风如字面意思，是指古代文化在现代的一种呈现形式，魏晋南北朝，唐宋元明清，如今流行的古风文化比如汉服的流行，也比如古风歌曲，像《权御天下》相同歌词上都是近似诗词的韵味。

最火的版本却是古筝版在《闪光少女》中，刘泳希饰演的“千指大人”最擅长的曲子就是《权御天下》，因为原曲节奏很快，古筝指法尽管相当炫酷，也是民乐乐器演奏者实力的展现。

而电影来源于生活，B站上《权御天下》相关播放量最好的视频其实并不是已经400W的洛天依的原唱视频，而是墨韵弹奏的古筝和鼓合奏的纯曲版，已经有接近500W的播放。

民乐乐器版的流行更稳固了《权御天下》在国产古风神曲中的地位，而使用民乐乐器演奏现代的流行歌曲也更为常见，一如《权御天下》也有唢呐等不同版本。

人类，二次元没毛病仅仅关于一首《权御天下》就可以延伸出这么多的二次元亚文化介绍，《闪光少女》的出现可以说是中国电影开掘出的一个新的领域。

二次元，词源来源于日本，原本是指二维世界，与三次元指的三维世界对立，但在流行文化的延伸中已经拓展为动漫的虚拟世界和我们存在的现实世界对比。

而塑造二次元世界的文化支柱便是ACG，即漫画，动画和游戏。

二次元的文化中有着其独有的语言体系，更有种许多不同于现实世界的行为模式，比如《闪光少女》中的一宿舍“怪胎”。

但二次元作为一种文化与音乐、文学和电影的交融越来越密切，也加速了其流行程度。

人都很难拒绝流行的东西的，流行具有不能仅用价值观阻挡的无形的力量。

年轻人喜欢流行文化这点，只要你是人类，就肯定没毛病。

为啥拒绝胡萝卜？

（关注公众号：拒绝胡萝卜）TA说：因为我更爱吃西红柿TA也说：因为我更爱吃茄子最后一个TA说：因为我更爱吃秋葵

最庆幸的是昨天被安利后看了片段太动心今天马上去看了这部快要下架的电影每当遇到一部喜欢又戳中心事的好片子就想赖在电影院不走好好哭一场知道自己喜欢什么，了解你喜欢的东西，知道你为什么喜欢它。

现实中，梦想总会落空，青春不可能永远热血，会失败，会破灭，会受到很多很多的不解，像电影里一样，即使在外面多酷样子，还是会有脆弱时刻，被身边的人，朋友，家人不解。

这些我也一样遇到过，被说不务正业，mm说丢人现眼，不过真好，电影中他们还可以保持原来样子，他们还在继续坚持梦想。

不过就算落空，就算破灭，又怎样呢。

还可以像电影里的门卫爷爷一样啊，老了一样兴致勃勃继续着自己爱好，一样可以梦想着自己在舞台上闪闪发光啊。

不说抖腿的旋律，不提燃炸的场景……民乐，传统文化，二次元，多文化的融合碰撞，亚文化需要被理解包容关注，优秀传统文化在今天尤其需要重视复兴……这些我日常感兴趣的话题，通通暂不提，先说说我头上满绕着的粉红泡泡，未来几天可能都持续这种状态了被男主圈住，我为这个人设打call，喜欢这种青涩但暖到炸裂的纯情。

真诚又勇敢，贴心又温柔，苏死了好吗当然，我这种颜狗😋我承认我是被油渣说等一下后甩掉外套和眼镜后的变身秒到。

舞台上的人会发光，认真起来的男孩子帅的人晕头转向。

一直期待着的千指大人出场时，惊艳惊艳，帅到没朋友啊，酷到被掰弯，第一反应就是我我我我要都拍下来留在相册里，但油渣变身后，天呐，太帅了，拍什么拍，手机碰都不碰一下，眼睛眨也不眨，我要把这样子深深刻在我心里。

但是，我是那种为了看脸而看脸的简单颜狗吗?不，并不是，我是那种因为人设而花痴的颜狗。

一直在她身边，见过她所有邋遢的样子，陪她胡闹，帮她实现梦想，这个梦想甚至包括她要去追别人……看着喜欢的人去追别人时，不伤心吗，不痛心吗，心都碎了好不啦，看看小狗一样趴在一旁满眼只有她的眼神，都快哭出来了啊，但当她被超恶地拒绝受到伤害时，蜡烛倏一下燃起大火时，所有人都惊慌失措时，是他第一个拿着灭火器冲上来救她；平时连自己喜欢宅文化都不敢承认的他，在她丢脸难堪的时候，会马上冲出来红着眼睛护她；在她要当英雄帮扶弱小时，就在一旁默契演出全力配合她……

还有公车上扶头那个场景，简直苏到炸裂好吗！

被伙伴们发现时，不是被撞破秘密的惊慌失措，而是生怕一个呼吸都会惊醒她的小心翼翼。

太开心剧情最后完全没狗血，没有什么💩男神回心转意，你终于看到了身边那个他，泪目那个青涩无比的表白，多少次欲言又止，望眼欲穿，最后还是说不出口，居然采取面对面微信……可这不就是少年时的青涩吗，欲语还休天呐，对于这种小细节我真的毫无招架之力啊，分分钟玛丽苏附体，少女心爆棚，我有什么办法呢

还有这部电影剧情之外的，编剧和导演是夫妻档，一个人把故事写下来，另一个拍出来，这真是我能想象到的灵魂cp最好样子

编剧真是长得就一副二次元样子，瞪着眼睛，鼓鼓的腮帮子😂我搞不懂对这部电影的那些差评，但是它的确get到了我所有的点，太喜欢，真挚安利，第一次看完电影豆瓣评分，全五星好评，还有一百分在心里

不知道是不是直男的原因，看不惯二次元，女性还可以，男性真的受不了，有点gay gay 的感觉。。。

（个人感受，求轻拍）Ps：我总之是想不通，为啥豆瓣评分能超过7分，这是我在电影院看过最烂的电影，没有之一！

里面的画风、演技、拍摄。。。

不要太烂，从电影角度出发真的很差劲～不知道是不是二次元的粉丝太多，在做情怀评分

终于用爱奇艺vip看了闪光少女，太无聊所以分了几次才看完。

节奏差，风格土，和二十年前的国产电视剧差不多，人物塑造很拙劣，也没有像样的细节，空洞，做作，情绪走向简直比情节走向更生硬。

因为节奏差，所以小人物抬头的励志感无法get，甚至千指这种人物应有的炫技高潮都没出现过。

作为音乐为主题的电影，配乐居然很次，但斗乐的地方还是有少少激动，鼻子发酸，这似乎挑动了某种本能反应（青春期的群架向往？

），却只持续了几秒钟。

实际上，千指作为王牌出战，对方忍不住回击，如果是日本漫画或者影视剧中，该是多热血多中二的桥段啊，却被这部电影处理得温吞夹生。

很多地方，乐音和奏乐的画面有脱节感，奏乐的群演中则出现了完全不像学生的大姐，显得粗制滥造。

有没有优点呢，几乎没有吧，也许某些二次元扮相还算养眼，但二次元和主旋律简直是同归于尽的组合，还不如只玩古风，以免贪多嚼不烂。

其实民乐怎么能跟西洋乐比呢，前者没什么像样的发展，后者已成体系，根本不在一个高度上，这是无论怎么意淫都改变不了的。

爱情部分难堪至极，女主的神态和姿势都像足了大妈，在浪漫高峰的萤火虫一幕更是丑出了新高度。

值得一提的是，这是几乎所有大电影公号都交口称赞的一部电影，却未能挽回它的票房败绩，倒是从侧面说明，微信公号的流量被严重高估了，那些10万加能影响到的票房其实有限。

在说正题之前，先听一段莫扎特歌剧《魔笛》（Die Zauberflöte, 1791）夜后的经典唱段“我心中燃烧着复仇的火焰”（"Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen"）。

据说夜后被认为是西洋歌剧花腔女高音技巧第二难的角色——第一难的花腔女高音角色是多尼采蒂（Gaetano Donizetti）歌剧《拉美摩尔的露琪亚》（Lucia di Lammermoor, 1835）里的露琪亚——。

夜后这个角色的难度来源有二：快速的琶音，最高音为high F，音高太高了，非常难唱准；除此之外，《魔笛》是一部用德语演唱的歌剧，德语的发音方法与美声的发声方法相互不太适合（相对来说意大利语更适合美声的发声方法），唱惯了意大利语的歌剧演员在演出德语歌剧的时候都或多或少会感到嗓子不舒服。

Diana Damrau - 复仇的火焰在我心中燃烧 《魔笛》夜后咏叹调 中文字幕版 《闪光少女》开场第一个在琴房里练长笛的女孩吹的是长笛“反串版”的“我心中燃烧着复仇的火焰”。

影片后面还有一段“反串”，西乐和民乐斗琴的时候，有个弹竖琴的弹的是德彪西的《阿拉伯风格曲第一首》（Première Arabesque, 1888）。

有观众看完本片不太理解故事的核心矛盾：学西乐的有那么看不起学民乐的么？

答案是肯定的。

作为一个从小被父母逼着学西乐的二把刀，我周围一起学琴的孩子没有一个不“鄙视”民乐的。

我自己也“鄙视”学民乐的。

先来讲个故事：中国著名作曲家吴祖强在文革期间，会同另外两位作曲家王燕樵、刘德海合写了琵琶协奏曲《草原小姐妹》。

所谓琵琶协奏曲指的是琵琶独奏，西洋管弦乐队伴奏。

曲子写好了，吴祖强找了琵琶演奏家和（可能是）中央交响乐团一起排练，第一次合练之后，初试民乐与西乐搭配的吴祖强心里没底，找乐团的人问感想，得到的答复是：听着挺好听的，就是感觉有一股碎木头音。

“碎木头音”——这就是当年搞西乐的专业乐团对琵琶独奏声音的评价。

但是这里面有两个概念要搞清：什么是“西乐”、什么是“民乐”？

《闪光少女》讲的西乐民乐之争，并不是“外国的音乐”“中国的音乐”这么概括的概念，而是在欧洲兴起、发展了500年的标准化乐队音乐，与在中国的田间地头兴起、在中国的音乐手艺人群体间流传了上千年、极大程度保留原生态属性的民族乐器音乐之争。

海顿西洋音乐界普遍认为奥地利作曲家海顿（Franz Joseph Haydn, 1732-1809）为“交响乐之父”。

在海顿之前，西洋音乐处在巴洛克时期，这个时期是西洋音乐标准化的萌芽阶段，当时的音乐家已经开始有意识地把欧洲各国不同种类的乐器进行归类、改良，并搭配成适合放在一起演奏的一组乐器，比如当时的小提琴已经从12世纪的两根琴弦（当时的名字叫拜占庭里拉Byzantine lyra，从中亚经拜占庭帝国传到欧洲的）、到16世纪初的三根弦，演变为现在普遍的四根弦。

拜占庭里拉然而当时的乐队音乐听上去仍然比较原始，特别是乐器搭配比较自由，比如巴洛克时期代表人物巴赫的《勃兰登堡协奏曲》（Brandenburgische Konzerte, 1721），一共有六首，每首的配器数量和种类五花八门：第一号：全部弦乐器另加一把高音小提琴，2支圆号，3支双簧管，1支大管，通奏低音。

第二号：直笛，双簧管，小提琴，1支高音小号，弦乐器，通奏低音。

第三号：3把小提琴，3把中提琴，3把大提琴，通奏低音（1把低音提琴和1架羽管键琴）。

第四号：1把小提琴，2支直笛，弦乐队，通奏低音。

第五号：小提琴，长笛，羽管键琴，弦乐器，通奏低音。

第六号：2把中提琴，2把低音维奥尔琴，1把大提琴，通奏低音（1把低音提琴和1架羽管键琴）。

上面说的很多乐器可能大家都没听说过。

高音小号在巴赫去世之后就从主流西洋音乐界消失了。

巴洛克时期之后是西洋音乐的维也纳古典时期，海顿、莫扎特、贝多芬、舒伯特这几个经常在维也纳活动的人物是这一时期的代表。

从海顿开始，交响音乐的演出模式开始被标准化，巴洛克时期常用的乐器在海顿时期基本被改良到了定型的阶段，适应了合奏的音响需要。

海顿创作的交响音乐基本上由弦乐（第一、第二小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴）、木管（长、短笛，单、双簧管，大管）、铜管（圆号、小号）、打击乐组成，这是西洋管弦乐队标准化的开始，莫扎特的交响乐也基本沿袭了这个配置。

贝多芬将古典时期交响乐的模式发展到极致，在贝多芬的交响乐里出现了长号。

在随后的交响乐作品中，大号加入管弦乐队大家庭，作为铜管的通奏低音成为了标准化乐队的一部分。

西洋管弦乐队标准化配置古典时期之后，欧洲音乐界进入了浪漫时期，19世纪是浪漫时期最兴盛的时期，该时期涌现出一大批著名古典音乐作曲家，《闪光少女》中徐璐暗恋的师兄在琴房弹奏钢琴曲的作者肖邦、《阿拉伯风格曲》的作者德彪西、“野蜂飞舞”的作者尼古拉·里姆斯基-科萨科夫（Nikolai Andreyevich Rimsky-Korsakov, 1844-1908，“野蜂飞舞”选自他的歌剧《撒旦王的故事》）都属于这个时期。

这个时期的管弦乐队乐器已经完全定型，有所改动的是演奏者数量，和少数为了适应个别曲风需要而临时加进来的非标准化乐器，比如小约翰·施特劳斯《维也纳森林的故事》里临时加入作为独奏的齐特琴（Zither）。

齐特琴进入20世纪之后，古典音乐的发展开始走向多元化，电子合成器的运用越来越多，古典音乐和流行音乐的界限越来越模糊。

然而作为古典音乐标准化的产物——西洋管弦乐队的基本配置已经固定下来了。

也就是说，古典音乐的500年是音乐、乐器标准化的过程。

在这个过程中，能被这个标准化系统吸纳的就成为了交响乐队的一部分，不能被吸纳的就成为了历史（比如巴赫时期的高音小号），或者只能进行独奏（比如《维也纳森林的故事》里的齐特琴）。

民乐的乐器在几千年来也经历了不断改良、不断适应民族管弦乐队合奏的过程，然而囿于各种原因，民族管弦乐队的标准化程度和西洋管弦乐队并不处在同一量级，根本不是同一级别的概念，所以其实二者没什么好争的。

你觉得工业革命大机器流水线和小作坊驴拉石磨耕牛犁地有可能争得起来吗？

我这么说倒是没想打压民乐，流水线有流水线的优势，小作坊能做出流水线做不出的特色产品；只是如果民乐真的要争，适合跟它正面争夺的也应该是齐特琴这种奥地利民族乐器，而不是一套高度标准化的乐队。

尽管《闪光少女》把学西乐的孩子黑到夸张的程度，大多数学西乐的都不会这么过分，然而我觉得鲍鲸鲸把学西乐的鄙视学民乐的精髓抓得很准。

片中钢琴帅师兄说的“扬琴小打小闹不是正经乐器”，这些话我和小伙伴练琴的时候都说，而且是变着花样地说。

都是学音乐的，为什么学西乐的在学民乐的面前这么装逼？

我觉得原因有三：大部分民乐乐器音量太小，回声效果差。

西洋乐器的一大特点就是回声效果很好，弦乐器的音箱、管乐器的管道都能起到特别好的回声效果。

西洋音乐都很在意回声，唱歌剧的不需要话筒就可以让整个音乐厅的人听清楚。

民乐乐器回声最大的就是扬琴，就这点音量根本比不上西洋乐器。

可能有人想拿唢呐和笙反驳我。

我觉得唢呐那个叫穿透力强，不叫音量大。

笙太吵了，听着有点烦。

中国民族乐器没有低音声部。

中国的民族管弦乐团是需要大提琴、低音提琴作为通奏低音的，否则声音听上去非常飘，不厚实。

因为大提琴、低音提琴回声效果比民乐器更好，他们和民乐队合奏的时候都要故意拉得弱一点。

最重要的一点：中国民族音乐没有和声。

巴赫作为西洋音乐的“音乐之父”，最拿手的就是多声部的复调音乐，西洋音乐的起源就是多声部音乐，以单一旋律为主的主调音乐是后来才发展起来的。

中国的绝大多数民族音乐都没有和声，只有单一旋律，所以听上去不如西洋音乐厚实、有层次感。

前几年侗族大歌被发现的时候，中国民族音乐界一片叫好，认为自己甩掉了西方人给我们扣的“中国民族音乐没有和声”的帽子。

然而我不以为然，我觉得这种说法只是顺应了“中国民族音乐不比欧洲的差”“侗族是中国多民族大家庭的一员”的双重政治正确，非常牵强，实质重于形式地说，中国大部分民族音乐没有和声。

可能上面这些看上去还是太像一个学西乐的在鄙视民乐。

我个人觉得陈钢、何占豪把民族音乐融入西洋音乐体裁的《梁祝》，殷承宗等人把黄河改编为钢琴协奏曲，吴祖强创作琵琶协奏曲，丁善德等人的二泉映月，良宵，鲍元恺的炎黄风情，《闪光少女》中提到的李焕之的《春节序曲》（结果片子里错误地说成了《节日序曲》，《节日序曲》是施万春创作的，也是西洋管弦音乐体裁的中国音乐作品），都是非常好的中西搭配的尝试。

所谓西乐和民乐本来就没什么可争的，不如像上面几个前辈那样取长补短，既丰富了西洋标准化音乐的曲库，也借此宣传了我们的民族音乐，一举两得。

P.S.片中学校西洋乐队演奏莫扎特的钢琴协奏曲的时候配了一个指挥。

实际上那个年代的协奏曲演出是没有指挥的，独奏家起到了指挥的作用，乐队成员都根据独奏家的动作掌握演奏进度。

这部电影的背景设定在音乐学校，围绕中西乐器之争，讲述了一群民乐及二次元爱好者逆袭西洋乐器的故事。

其间还穿插着一些若有若无的爱情故事，却也显得相当自然。

表面看来这或许只是一部无脑的校园青春片，不可否认，当我的朋友给我推荐这部电影的时候我内心是拒绝的，特别是在看了这部电影的海报之后。

没有想到，抱着可能会被骗的心态，鼓足勇气去电影院贡献了票房之后，我意识到这次尝试是非常值得的。

因此，虽然对二次元世界完全不了解，但这依然无法阻止我对这部电影的推荐。

记得前不久的葛兆光在批评大陆新儒家的时候用了一个比喻：“就是如今世界像一部宏大的交响乐，中国是要加入这个交响乐乐队，用自己的政治和文化给这部乐曲增加复调、丰富声部，使它显得更丰富和更华丽？

还是用不和谐的节奏、韵律甚至音量，压倒它并且取代它？

”在看到这个问题的时候，我并没有理所应当地选择看似很有道理的前者，而是在想，我们有我们自己的音乐吗？

我们有自己的政治和文化吗？

换句话说，我们所谓的“自己的政治和文化”，我们自己信吗？

这是一个非常严肃的问题，非常恰当地反映在了这部电影里。

这不一定是导演想要讨论的，却是我们自己应当思考的。

一、用阶级划分音乐？

电影中有一句台词非常让人痛心，那就是在女主角“神经”给帅气的王师兄表白失败后，王师兄在剑拔弩张的对峙中喊出：“音乐是有阶级的！

”本来对于这个人设我始终保持着一定程度的期望，但是在那一刻这个人设在我心中完全崩塌了。

回头想一想，这样的认识又何尝不是存在于我们大多数人的心中的呢。

此处反映出的音乐“阶级”，即学习西洋乐器的同学看不起学习民族乐器的同学的现象，可以说是非常真实的，电影中把背景设定在音乐学校以放大这样的冲突，其实这样的冲突和歧视在真实社会中有过之而无不及。

作为一个学习了十二年小提琴的人，不得不承认我对民族乐器存在一定程度的偏见。

在心目中我觉得民族音乐就是难听、土气、喧闹。

我甚至会默默在心中为不同的音乐种类排序，古典、民谣、爵士、摇滚、乡村、电音、金属、新世纪、雷鬼、嘻哈、轻音乐。

但是我根本想不起还有“民族”这个分类。

在虾米音乐的分类中，民族被冠以“中国特色”的名称。

如果要排序，我很难保证不把民族排到最后一位。

最为可悲的是，在口头上我会坚持着政治正确，认为我们应该多了解民族音乐，多听民族音乐，但是其实我很难爱上民族音乐。

音乐本不应该有阶级区分，但是我们每个人都在私底下进行着阶级区分，这背后的原因又是为何呢？

简单来说，多半还是能够将原因追溯于音乐背后的金钱竞争。

在这个资本话语的世界里，每当我们提起西洋音乐（或者是古典音乐），映入脑海的是昂贵的钢琴和小提琴、高端大气的音乐厅、庄严尊贵的燕尾服、昂贵的演出门票。

但是换做民族音乐呢？

街头拉二胡的残疾人？

公园里的大爷大妈？

丧葬仪式中的唢呐？

新店开业的腰鼓？

在电影里双方争执的时候，首先想到的就是将“天桥卖艺”作为惩罚方式，也反映了民乐带给人的第一印象。

客观的社会因素造成了我们根本没办法静下心来欣赏音乐本身的艺术性，映入脑海的一系列意象模糊了我们的判断力。

这一系列意象反过来不断强化我们的认知，在这之后资本的竞争赤裸裸地显现了出来，西洋音乐在乐器、表演场地、服装等等各个方面都普遍比民族音乐昂贵许多这或许是不争的事实（或许有人会反驳其实民族乐器也有非常贵的，但是很不幸的是总体而言，至少对于大多数不太了解的人而言，西洋乐器肯定是贵于民族乐器的），这让人们认为，“啊，能学西洋音乐的都是富人，学民族音乐的都是穷鬼”。

功利世界的价值观、用金钱区分一切的价值观，在此刻被自然而然地附着在音乐之上，习惯于用数字丈量一切的“大人们”，为每种乐器标价，同时试图通过这个标价为自己的孩子涨价。

本应该遗世独立的音乐被拖进了世俗的资本泥潭，如果要说没有阶级反而是很可笑的了。

这也是影片中人物说出“音乐是有阶级的”这句话后，全场陷入尴尬和无奈气氛的原因所在。

二、音乐背后的中西之争，同时也是古今之争音乐背后的中西之争不仅仅是资本的角逐，同时也是文化的一争高下。

对“西方文化”的推崇其来有自，粗略地说应当是来自百年前的五四传统。

历经两次鸦片战争、甲午中日海战、八国联军侵华的中国，发现“中体西用”救不了中国、洋务运动救不了中国、维新变法救不了中国、甚至连辛亥革命都救不了中国。

这个时候我们求助于德先生和赛先生，仿佛他们能够救得了中国。

于是一场对于传统文化的全面清算拉开了帷幕，在50年前的文革达到了高潮。

五四和文革的余毒至今未解，同时也反映在我们对民乐的鄙夷以及对西方古典音乐的吹捧上。

“现在根本没有人写新的民乐作品了”，这句话在电影中的出现显得如此的无奈而孤独。

同样的困境也体现在思想上。

和音乐分类中“民族”与“西洋”显得格格不入一样，“国学”概念在现代的学科分类中也显得非常另类，与此同时也与“西学”产生了对抗。

人们把“国学”定义为“一国所有之学”，这个其大无外、其小无内的概念反而造成了更多的困惑。

一切“中国”特色的东西都被划归进“国学”的范畴，诸如武术、气功、中医等等说不清道不明的学问一旦被放进了“国学”的大概念之下，一系列装模作样装神弄鬼的所谓“大师”简直层出不穷。

各种各样的丑闻屡见诸报端，自然也就模糊了“国学”作为一种学术的纯正性。

国学领域的混乱在民乐的分类中也同样有着体现，“中国特色”的音乐之下，包含着民乐、京剧、红歌、佛家音乐等等种类，这样的不伦不类无疑也为民族音乐带来了相当大的困扰——和“国学”一样，他们自己也没办法给自己下一个准确的定义。

中西之争不仅仅存在于横向的平面世界，同时也体现了纵向的古今之争。

在人们的脑海中，中国的就是传统的，西方的就是现代的，这样的叙事逻辑扎根在我们从小就熟悉的宏观叙事的历史中。

历史在我们眼中被塑造为进步的、上升的、发展的，因此古典世界必然的原始的、落后的、乡土的，而现代世界是文明的、先进的、城市的，本来只是作为一种时间判断的“新与旧”的区分，变成了带有价值判断的“好与坏”的差别，新的就是好的，旧的就是坏的，这似乎是一个无可置疑的事实。

没有人曾想到过，经历了轴心突破以后，人类精神世界到底有着怎样的所谓“进步”与“发展”？

对于民主的普世追求消解了人们独立思考的能力，“所有事情都可以投票”的民主预设拒绝冷静头脑的思考。

信息的膨胀使得极端的思想更加容易传播，这让整个时代化为乌合之众的狂欢，让全部世界成为群氓之族的盛宴。

因此，所谓“民族性”的丧失其实是我们的自掘坟墓，鸟尽弓藏，兔死狗烹，由《诗经》延续而下的礼乐传统，由北宋士大夫发扬光大的士人文化，最终被我们埋葬在自己的手中。

钟鼓悲鸣，琴瑟喑哑。

就像影片中的的铁门一样，这扇门并不是洋人给我们修的，而是我们自己建了起来。

连我们自己都不再珍惜传统的遗珠，何来走出国门、走向世界的底气？

好在影片为我们提供了一个气势恢宏的结尾，民族音乐与二次元的结合可谓燃爆全场。

同样都是不为主流接受的亚文化，一方的失落来自背后沉重的历史，另一方的失落来自不怀好意的现实。

谁又能想到两者的结合能够迸发出如此的张力呢？

对二次元毫不了解，就不在此做出评价了。

不得不说的是，影片虽然在好几处黑了二次元一把，但是总体上的处理是非常棒的，一点不让人感到抵触。

在这个可悲的逐渐趋同的世界里，保留一点不一样的颜色，难道不是一件非常棒的事情吗。

-27.JULY.2017点映场看的《闪光少女》，七月末三伏天工作日的下午场，没几个人。

影片开场五分钟左右，一段长镜头以中西音乐学生之间的矛盾作始，不起眼的扬琴少女陈惊和不起眼的伪·跟班、真·大唐鼓学习者李由以及蜡打般闪耀着的钢琴学长王文做中段承接，立少女遥不可及却一见倾心的恋爱心情结尾。

我原以为凭这几分钟就看穿结尾的电影，却有些老套又不是那么狗血的展开新的故事线，像打着RPG游戏，突然发现某个偏线角色也可以攻略。

一个失败的暗恋故事是怎么转到愤愤不平的战斗故事的？

那些所谓的理由似乎都站不住脚，有着明显的戏剧夸张，但转念，那句“可以出现早恋，但不许成功”的禁令还悬在头顶，剧情设定下未满18岁的少女是注定得不到爱情了。

那，大好青春放着浪费吗？

不来BATTLE吗？

可笑的理由变得凿凿。

两方学生们开始煞有介事地准备、战斗，赌注是败者天桥卖艺。

别说，不管是哪方，我都很期待那种带着“屈辱”的集体卖艺和之后的反击。

可惜。

最终，笑也笑过，燃点也被点燃，少女心思也被小心翼翼地戳到，但整场看完也就这样了，走出影厅隐约记得歌不错，气氛挺有趣也可爱，我国民乐超有韵味一点儿都不土。

后来和朋友说起这部电影。

他说，看到少女开始怀疑自己学习乐器初衷的片段时，他联想起自己。

作为艺术生，曾经也是一天天在画室里磨，磨铅笔、磨技艺、磨耐心，画作一幅幅如愿地越来越好，在画室的时间枯燥又快乐。

回到普通高中，反而少了那种感觉。

学考压力下的青少年多少带刺且敏感，缺了一段并肩作战就仿佛不再是战友，各怀心事，无意识伤人，不情愿释怀。

如果矛盾真的激化，像影片里那样借某种介质来“决斗”也不是不可能。

但依然偏向荷尔蒙作用太强的解释，谁愿意无故和朋友翻脸。

他又切回话题说，那种怀疑自己的迷茫心情历历在目，究竟是因为喜欢所以才学，还是因为需要学习而在进步中慢慢喜欢上所学的东西，到现在也说不清，已经没有答案了。

这让我想起父母常说的一句话：“你要学就要好好学，不要三分钟热度地过两天就不学了啊。

”真要说哪样才艺不是一时脑子发热决定要学的，到我这儿是不存在的。

父母的那些要求全都信誓旦旦地答应，过些时日再心虚地反悔。

所谓三分钟热度，也就是低配的热爱，等价的新鲜感。

面对那些乏味的重复练习，单薄的新鲜感能支持多久，总之还是“过两天就不学了”。

再想想自己断断续续学过的画、练过的琴，好像不转做艺术生的话这些技艺都只能归为“兴趣爱好”，在学考压力下那简直就是几只小蚂蚁，说不学也就不学了。

对于普通高考考生来说，有什么能比文化课重要啊。

说实话，在对话的当时，我不能完全理解艺术生朋友当初对自己的那份怀疑，我仅剩的几分技艺点早被我渣渣的文化课成绩压得不成形，我来不及去怀疑自己。

虽然至今仍热爱色彩，喜欢音乐，但曾经迫切想学习的心情已经不见了，并情愿相信本人身体里没有那份名为创造的艺术细胞。

而在前几晚阖上理论书籍厚重的书页时，我心底冒出了“学这干什么啊”、“为谁啊这么辛苦”、“为学历还是想逃避工作”的小声质疑。

或许这就是他当初的困惑。

青春的犹疑、不解与自私，形状清晰地在身上长出脓包。

当影片中的母亲对少女放弃学习扬琴的决定表示究竟还学不学是你自己的事，少女条件反射般地感到愤怒。

其实她所说的不学，更像是某种杀敌一千自损八百的赌气战术，何况这敌我双方难分，全是自己。

母亲让少女再问一问扬琴同不同意她放弃。

少女回到房间，墙上的照片记录着她和她的琴，一个人的成长仿佛以这架琴为载体编织进了每根琴弦，琴竹就是记忆提取器。

若要放弃，则是和过去的自己彻底撕裂。

有的事并不是那么容易放下。

待一件事坚持得足够久，与其连带出的另外事件一起不知不觉就填充着生活中的时间空白，化为习惯。

这些片段长长短短零零碎碎，拼接而成一整个人。

期望习得的初衷反而变得没有那么重要了，习得本身就有很多细节需要体会。

若已习得，得耗费多少精力消化营养，这全部过程中又要几次咬牙的决心，也只有当事人才分明。

对于普通人来说，人极容易被惰性征服，继续本就是难事，坚持别人不看好的事情更是另一个等级的难度。

再细想来，前后不少完成事项着实全亏得一具年轻的身体和一颗青春的心在不断怂恿。

青春所给予的最好礼物便是勇敢，初生牛犊的那种勇敢。

头脑发热不全是坏事，它让思维活跃、身量轻盈，即使面对险境，提一提裤腰带也就这样过了。

就算所习的知识数量庞大，内容复杂，不过多借些时间，到底是可以达成目标。

富庶的时间观念让人更愿意相信和期待未来。

有什么难不难的，坐在扬琴前的少女勇敢地继续演奏，继续搞事，继续坚持民乐理想。

她眼底的那片青春正闪闪发光。

#本文整理收集于微信公众号“一瞧ONELOOK ”(onelooker44)，欢迎关注。

先说是不是，再说为什么。

即首先：学西洋乐器的同学是不是看不起学民乐的同学从而导致了互相敌对。

对这个问题我想答案是肯定的，即使学钢琴小提琴的同学远远不及片中人物那般飞扬跋扈，对民乐同学的蔑视至少在小范围人群中是存在的。

即使作为更大群体的音乐欣赏者，想起西洋乐脑中的图景都是金色大厅整齐有序的合奏，而想起民乐都是凉凉秋风中二胡那如泣如诉的声音，很可能前边还放了个破碗。

而实际上，这两种脑海景象的差异就提示了接下来的为什么：管弦乐组同学看不起民乐组的核心在于民乐直到今天，都是缺乏“工业体系”的。

工业体系是什么？

这就是西洋管弦乐的工业体系：

欧洲古典乐之所以到今天长盛不衰，在于通过巴赫、海顿等人其演奏形成了一套固定范式可复制的演出阵容。

“模式统一”、“可以复制"，这就是工业体系很重要的两点，也是给了西洋乐同学无穷信心的规整统一形象的来源。

海顿之所以成为交响乐之父，是因为西方管弦乐的这套体系自海顿起近于成熟。

把基本模式确定下来以后，摇滚祖师爷贝多芬闪亮登场，开启了维也纳古典乐派的辉煌时代。

往后古典天才莫扎特，浪漫派旋律大师柴可夫斯基，古典浪漫混合的勃拉姆斯，别出心裁的德彪西，直到今天，西方管弦音乐体系的基本配置都是上面那张图，不论时期和乐派。

当然，并不是说所有演奏都是一成不变的，针对有些作曲家的特别乐曲会加入特色乐器或增加某个声部的乐器数量，但基本构架是定型的。

这就构成了西洋乐器同学的信心，以及我们脑海中想起管弦乐组时的辉煌情景。

而民族乐虽自豪有着千年悠远历史，却至今未形成如此统一的演出形式，甚至在合奏乐器配置上都没有统一的说法。

这就造成了在西洋玩家心中，民乐小打小闹的也算是乐器？

也造成了大街小巷不见小提琴，却怜见瑟瑟秋风中古稀老人一曲惆怅《二泉映月》。

究其原因，就是民族音乐体系里，没有固定的合奏模式。

因此民乐艺人走上街头，自开门户；因此钢琴同学觉得民乐就是在小打小闹；而这种情况给民乐作曲也增加了困难，曲谱的匮乏反哺了民乐的日渐式微。

为什么民乐组难以形成统一的合奏模式呢？

其一在于民乐里没有通奏低音，即对应于大提琴(cello)、低音提琴(bass)的乐器。

浑厚的低音声部为合奏提供了坚实的基础与深刻的意蕴，而民族管弦乐组没有这个条件，民乐合奏时往往需要大提琴、低音提琴作为通奏低音。

也许低音在音乐演出里很少成为夺人眼球的“弄潮儿”那类，但低音相当于地基，整个和弦都是搭在作为低音的根音之上的，没有低音，乐队会垮，听觉感受就是音乐飘，不厚实，“没底”。

其二也是西方音乐与民乐很重要的分野：民乐没有和声。

巴赫作为西方近代音乐之父，其一在于整合了欧洲各国种类繁多的乐器，开创了管弦乐团标准化编制的雏形，其意义在上文有讲到；其二就在于娴熟使用了复调写作，极大增强了合奏的音乐表现力。

没有和声的民乐，乐器之间没有各声部的“合作”以共同实现某一音响效果，合奏也就失去了色彩。

由此可以看出，实际上就整体架势而言，民乐是没有竞争力的。

民乐的优势，在于其单个乐器极强的表现力与细腻的意境。

这两点可以就片中高潮情节“斗琴”来分析。

我觉得出于剧情需要，斗琴这一段西洋管弦乐组是放了水的。

只论输赢的话，西方的竞争力不在钢琴，在于那个一脸死相的妹子领衔的弦乐组。

也就是我上文说的，西方音乐体系的优势在于能构造丰富和声表现的规整弦乐组，而我们来看看片中他们是怎么做的：首先古筝女甩出了广陵散：

西洋组以德彪西相对：（阿拉伯风格曲第一首）

这一段算是分庭抗礼。

随后西方弦乐组上台，竟然来了一段野蜂飞舞：

我这个竟然是说：要想赢过民乐组，上野蜂飞舞意义是不大的。

野蜂飞舞无非是一个技巧的问题，虽然是基于西方乐器写的曲，对民乐是一个挑战，但其旋律重于和声，只要民乐玩家有能力，野蜂飞舞不是弄不出来的。

而实际上我们也看到，民乐人接住了：

最后西乐组这边派出了钢琴：

这是一个很鸡肋的战术。

钢琴虽贵为乐器之王，但演奏一段野蜂飞舞，在民乐面前很难说有竞争力。

钢琴的独特之处在于能同时构建和弦和旋律，民乐器里没有一件能做到这点，野蜂飞舞这一段发挥不出钢琴的这种优势。

就个体表现而言，多数西方乐器都难以与中国传统乐器匹敌，提琴干不过二胡，打击乐擂不过大唐鼓，更何况钢琴与扬琴是同宗的......所以民乐团搬出了扬琴：

接住野蜂飞舞的民乐团，最后上了唢呐：

唢呐是没得打的，百鸟朝凤一出，西方弦乐团完全接不上了。

他们想要赢的话，把野蜂飞舞换成随便一段巴赫的复调或贝多芬的交响，民乐是很难受的。

但由于本片宣传民乐的价值导向，他们并没有这么做，在唢呐高亢的鸣啭中不知所措地结束了。

其实可以想见，西方管弦乐长于和声演奏，胜在气势和共鸣；中国民乐团精于个体表现，能构造出奇丰富的旋律甚至模拟马嘶鸟鸣，其合作而互相成就的空间巨大，也远远好过对抗相争。

我们也经常能看到管弦乐与民乐合作演绎出非凡的音乐，民乐与西洋乐的矛盾，更像是也应该是马克思所表述的对立统一。

最后我想以类似《一代宗师》一段台词结束这篇文章：其实音乐之大，又何止中西。

无容相争，等于固步自封。

在你眼中，这是一段斗争，在我眼中，这是一个世界。

真爱音乐的话，中西何不是大同呢。

这两天大家都在朋友圈看到这张照片了吧？

所谓的《闪光少女》宣发团队集体下跪致歉。

说是致歉，说到底还是求排片、求票房。

什么时候下跪成了电影宣发的方式之一了？

上次跪的电影是《百鸟朝凤》，也是关于民乐。

但《闪光少女》更重要的是青春啊！

编剧鲍鲸鲸好不容易找到民乐＋古风这样的二次元入口，巧妙进入年轻人的世界。

电影中的民乐也不再是传统保守的演奏形式，变得热血而酷炫。

这一跪，真的把影片中少年们的青春、热情、傲气、天真、倔强……全都毁了。

而且上次跪的是《百鸟朝凤》义务宣发方负责人方励，还算个人行为。

或者也可以说是为已经去世的导演吴天明而跪。

但这次《闪光少女》宣发方让几个年轻员工跪是什么鬼？

替死鬼吗？

只想问那几个照片中下跪的年轻人（据说其实照片是P的）：你们看《闪光少女》了吗？

如果看过这部电影，看到“千指大人”在校长面前站上座位，质问说：“民乐招不到学生你们就不开班啦！

那不是更没有人学？

这不是死循环吗！

”看到“油渣”对学西洋乐的同学们说：“你们去国外学习，跟别人说我们自己的音乐也很厉害，来学习你们的是因为喜欢，这样子不是更酷吗？

”你们就绝不会轻易下跪！

我还注意到，下跪的有一人手中拿的纸上写着“片名我取的”。

骗子！

因为就在前些天，在无锡专访了《闪光少女》的编剧鲍鲸鲸和她老公、该片导演王冉，也问了大家都觉得不满意的海报和片名。

鲍鲸鲸说片名是她取的，“写剧本的时候就定了《闪光少女》这个名字，因为一直在听椎名林檎的《闪光少女》这首歌。

”

上一次见鲍鲸鲸还是《等风来》，她也是和导演滕华涛一起接受采访。

印象中她就是说话声音很小，很容易受惊的样子，感觉采访声音大了都能吓着她，脸上是永恒的少女小鹿受惊的表情。

几年后再见她，还是这样满满的少女感。

说话轻声细语，让人觉得要求她接受采访都是一种为难。

专访前，看到有人在为她补妆、整理妆容，以为是化妆师。

结果对方把手里的东西一放，转身也坐下来一起接受采访，才发现正是她老公王冉。

两个人的感情也是太好。

鲍鲸鲸说：“我们的生活状态（就是）每天看看漫画，玩玩游戏，看看电影什么的，所以对二次元就……一直在其中，不用去了解。

因为如果我不了解肯定不会去写嘛。

”王冉说鲍鲸鲸创作剧本的时候，他就在一边“学习”，“她写一段我就朗读一段，口气跟她想的不一样她就会立刻告诉我。

这样挺好的。

”之前鲍鲸鲸写过一部小说《我的盖世英熊》，男主角的职业是酒店门童。

王冉就去帮她体验生活，真去酒店当了一段时间门童。

但这次不需要了，“因为我本身就是学扬琴的”。

小时候家人觉得鲍鲸鲸应该学习一门乐器，就去问少年宫的馆长应该学什么？

馆长说：“我们民乐队缺个演奏扬琴的，那你就学扬琴吧！

”家长也就同意了。

鲍鲸鲸说她家人心都挺大的，尤其是她妈妈。

《闪光少女》中在琴房吃东西那些桥段都是鲍鲸鲸上学时候真实发生的，“我中学经常被处分，动不动就被处分，在琴房吃东西啊，藏饮料啊……然后老师老给家里打电话，说你孩子又怎么怎么样了。

”鲍鲸鲸的妈妈就问：“那要到被开除了吗？

”老师说：“快了！

”妈妈：“那到开除了再跟我说吧！

”就把电话挂了。

电影中用饮水机煮火锅是鲍鲸鲸看到报道有大学生这样干，然后她就跟王冉“也煮了一次”。

至于卷发棒烤肉，是“因为夹头发时候烫到过”。

都是来源自生活。

鲍鲸鲸学扬琴，“学到11岁考上了中央民族大学音乐学院附中，一直又学到17岁，去考了电影学院的文学系，之后就不学了。

”之后她开始做编剧。

放弃扬琴是因为她觉得自己音乐天赋不够。

虽然一旁的老公王冉表示，“她弹得已经很好了！

她弹的曲目都是十级曲目，虽然专业不分级，但弹的都是十级的曲目。

”

但鲍鲸鲸以一个学琴多年的专业眼光看自己觉得“还差一点点，我自己也很清楚差的那一点点是什么。

我有自己的师哥师姐，他们对音乐那个可以百分之百投入进去的感染力是不一样的。

”她这次写《闪光少女》，也是“想让我师哥、师弟、师姐大家以后都能有舞台。

”但电影中所谓弘扬民乐的做法却也并不令人反感，不空喊口号，不煽情，不苦情，不生硬，而是将民乐和现在年轻人喜欢的二次元文化结合在一起，找到了古风这个很好的切入点。

“其实古风已经在B站上面有了很长很长一段时间了，我自己也是默认的粉丝……确实古风中民乐的贡献是不容忽视的。

”

所以哪怕是刘泳希这样会弹奏民乐的，来演“千指大人”，进组后也要“转换到一个新的状态，演奏片里的民乐。

”

这部剧的年轻演员们，进组后第一件事情都是集训：“读剧本、器乐训练、形体训练、二次元普及……从发声方式，到怎么站怎么走，帮他们进入角色。

”饰演男主角“油渣”的彭昱畅练习打鼓，“鼓锤都打断了好几根。

”

电影中最大的冲突来自学习民乐和学习西洋乐的同学之间的Battle。

鲍鲸鲸说：“因为我生活也没有经历过什么大的波折，后来翻以前的日记觉得以前还挺遗憾这件事的。

”这件事便是当年学习民乐的自己没有和学习西洋乐的那些同学一起玩，一起经历过一些事情。

“（现实中）西洋乐和民乐的分歧没有这么火爆。

但大家会有隔阂，就是西洋乐的和西洋乐的同学一起玩，民乐和民乐的同学一起玩，也确实存在着一种歧视链。

”鲍鲸鲸在接受采访时说，多年之后，她终于用一部电影的方式为当年的自己小小地“复仇”。

电影中那些斗琴的场景，鲍鲸鲸写谁先出场谁后出场……“我们的音乐总监梁翘柏很给面子的，什么都没改，给这个做了配器。

”那首《权御天下》已经是B站镇站之歌，鲍鲸鲸将它写进剧本里，然后“梁（翘柏）老师帮我们重新编了下曲。

”另一个参与《闪光少女》的音乐人陈奕迅是一个大“彩蛋”！

他是鲍鲸鲸的偶像。

本来鲍鲸鲸写完剧本，就觉得自己编剧的工作完成了，现场完全交给王冉，“她飞出去玩了。

”但陈奕迅来客串那天，她还是以编剧的身份来到现场。

“Eason老师有专门找我聊下他戏应该往哪个方向演？

Eason老师有两个方向，一个是比较夸张的，一个是比较稳重的。

”鲍鲸鲸跟他说：“从剧本来说可能更适合稳重一点的。

”于是最终呈现出了现在这样一本正经搞笑的效果。

最近看的两部好看的青春电影都是与音乐有关的。

除了这部《闪光少女》，还有就是《哀乐女子天团》。

在那部电影里，也是出现了音乐“歧视链”的对抗、争斗与交融。

三个正儿八经学音乐组乐队的少女，为了挣钱，加入了一个丧葬公司，要和公司原本两个民间野路子歌手合作在丧礼上唱歌。

一开始当然是没有办法合作的，甚至在人家葬礼上大打出手。

年轻人火气大，但年轻人也没什么是过不去的，易被感动，且重情义。

后来开始合作，将一首《朋友别哭》改编得还挺感人。

电影中最动人的一幕就是在一个长得帅气的男生的葬礼上，有另一个男人被挡在灵堂外，帅男的妈妈让那个男人走。

然而一个年轻女孩走出来说：“阿姨，是我让他来的。

”当女孩们在葬礼上的歌声响起：“朋友别哭／虽然我这次走得很仓促／朋友别哭／你的痛我无法弥补／来生我们还要一起为梦去追逐／牵着我的手／一起走过漫长路……”灵堂外的男生哭得泣不成声。

《闪光少女》和《哀乐女子天团》也都有自身的瑕疵，只能算是同类型电影中相对比较认真和真诚的作品。

但青春可贵的不就是这一份赤诚吗？

因为，当有一天开始变得圆滑，当你不会再在权威面前勇敢站起来，不会再无视利益而唱出自己真实的声音……当你开始屈服，开始庸常，开始沉默，开始下跪……你的青春也就消失了。

最后，分享一下《闪光少女》导演王冉喜欢的青春片，他甚至记得他喜欢的每部青春片的年代和国家。

1980年美国《名扬四海》

1985年美国《早餐俱乐部》

1986年美国《伴我同行》

2004年法国《放牛班的春天》

2006年意大利《听见天堂》

（我们的小小花园，你要不要来转转？

）