摄影机不要停！

大约在八月上旬的时候，《摄影机不要停！

》从日本的推特上刮出一阵旋风，终于延烧至海外。

“一镜到底绝无冷场”、“神作”、“年度票房黑马”、“影史奇迹”成为这部片的头衔，然而，点开一句话也听不懂的日文预告后，粗糙的特效、浮夸的演技，以及乱七八糟的镜头都让人打从心底怀疑口碑的真实性，似乎只剩开头那些掌声如雷的观众勉强可以证明这部片的价值了……“既然是神作就得观摩是吧？

”于是抱着一颗如果不好看就当作被骗的心情踏进电影院。

令人意外的是，发行商打着“只要撑过前三十七分钟，你将见证今年最skr的电影”这个标语是对的。

三十七分钟的丧尸片看完之后，最先感受到的是“头晕”、“想吐”。

当散场字幕缓缓升起时，前方携着男伴来看片的女友忍不住大声抱怨：“真是的，浪费我的钱！

”——相信现场可以表决的话，在场的观众多半也是这样认为的。

然而，电影却淬不及防地开启了新的篇章。

它带领观众回到一个月前，回到这部让你看得怀疑人生的电影诞生的历程。

你才发现……原来如此！

所有不合理的地方，所有让你看得一头雾水、莫名其妙的的部分，都源自于不能停止的摄影机。

你也是在这时候才发现，这部片的重点从来都不是僵尸，而是电影幕后的故事。

《摄影机不要停！

》可以让你有三个感慨——第一，表面上看起来再烂的片，它的背后仍旧需要那群，或是那一个对它充满热忱的人来完成。

第二，票房大片从来就没有剧本潜规则，只有无止境的再发现，以及演员偶尔的即兴演出。

最后——拍电影真的是最热血的事了！！！！！

《摄影机不要停！

》的幕前如此，幕后更是如此。

主角秋山Yuzuki曾在记者会上表示在一镜到底的拍摄过程中，虽然现场充满紧张和肃穆感，但最令她感动的是，当天即便没有出现在镜头里的演员和工作人员全都团结一致地到现场帮忙。

尽管片中的演员很多都不是专业的，有的甚至在戏外只是平凡的大学生，或从事记者等八杆子打不着的行业，但正是因为这群单纯有爱的人，才能创造出成本三百万日币，票房二十一亿的奇迹。

而带领大家实现这些不可能的导演，本身也是怀着对电影的热爱，抱着想做出不让自己后悔的东西的决心，才成就出这部令人出乎意料，却又愿者上钩的电影。

所以我们才会在电影结束之后恍然大悟，然后将我们唯一能作为回报的掌声，毫不保留地献给这些让我们看到何谓“电影初心”的贡献者。

但除了幕后工作人员的努力之外，这部片之所以神，是因为连观众也和制作团队站在同一阵线，一起守护这部电影。

所有看过的人都非常有默契的不剧透，不论是在网上，或是想要推荐给朋友，也只是说“就当作被我骗了，你去看看也好”，如此可爱又真诚的心意，相信每个热爱电影的狂热者都能感同身受，然后为之感动。

说真的，作为一位对影视产业怀抱憧憬与热情的菜鸟，我是非常羡慕能够参与这部电影的工作人员的，因为他们追逐的从来就不是票房或数字，而是好好完成一部作品的坚定与决心，但这却恰恰是最珍贵也最容易被遗忘的初衷……愿有朝一日，我能拥有这样的团队，然后创造出属于自己的，属于所有人共有的作品，那绝对死而无憾了！

以此相片记录当天第一个进入放映厅的我。

全文By 《跟着角色学人生》编剧如菓

《カメラを止めるな！

》内地翻译为《摄像机不要停！

》，香港上映时翻译为《屍殺片場》。

我原本是抱着看惊悚恐怖丧尸片的预期在德福广场买的票，加之WMOOV上，该片评分高达9/10，所以对于一个神经麻木，对什么都不太感兴趣的人来说，肾上腺素的刺激或许可以引起一点生活的存在感。

不得不说，带着预期看电影，意味着你的预想可能会被打破。

当剧情不会朝着预想的方向发展，随之而来的是无数个黑人问号。

不管前面的情节有多么陈词滥调，制作多么粗糙，镜头晃动得多让人头晕，用女子擒拿术来当作兴趣爱好有多么的突兀，一镜到底的技术有多么让人生疑——到底是否有必要，“摄影师”丧尸张牙舞爪得多么夸张，总之，前30分钟，就是怀疑！

怀疑！

怀疑！

即使影院中发生零星的笑声，我的警惕感也没有办法让我放松——眼前的这一幕，是虚构中的真实，还是虚构中的虚构——换言之，这是镜头前的真实，还是镜头前的镜头？

由于我没有办法预期到后来的元叙述喜剧效果，所以可以说，前30分钟，我一直是在批判和眩晕中度过的——如果一镜到底再继续下去，我将会像影院中其他几个观众一样，提前离场。

是的，最大的质疑就是从一镜到底的技术开始的。

当steadicam让摄影师的镜头路线更加灵活之后，越来越多的影片开始崇尚一镜到底技术——《鸟人》、《芳华》、《今晚玩救你》都是成功利用该技术的典范。

同时，不得不说，一镜到底对于大部分电影来说，完全没有必要，毕竟长镜头的背后是叙述时间和时钟时间的重合，缓慢的节奏很容易让观众感到厌倦和疲惫，同时，还会让观众明显地感受到镜头前的视角是另一个人的视角——也就是说，摄像机的存在不能被忽视，而它的存在则意味着，观众无法悬置自己的质疑，而让自己相信这眼前就是真实。

但正是这奇怪的不适感，成为了欣赏这部喜剧的突破口。

晃动的镜头似乎在提醒观众镜头本身的存在（“哈喽，这是一个摄影师的视角，这个摄影师还不是很专业，修炼还不是很到家，请多包涵！

”），根据巴特的摄影理论，观众被刻意地提醒着，镜头的存在意味着镜头背后那个摄影师的存在。

而更夸张的是，前30分钟电影从未用稳定的镜头来弱化这第三者的存在感，甚至有一幕追逐戏，血溅在了镜头上，忽然，镜头面前还出现了拿着布不定抹血迹的摄影师的手。

这明显的bug已经是在提醒观众，这遇上的并不是真的丧尸啊（不然，怎么能还不忘给丧尸特写呢！

）。

但是，女猪脚的演技提升，似乎又在暗示，可能女主并不知道那不是真的丧尸哦。

外加女主躲藏到废弃仓库时，在她面前出现的正在蜕皮的大白腿，好像拍戏突然撞上真丧尸的感觉，让人并不能彻底摒弃真实感。

而时不时跳出来喊action的导演，也让人怀疑他到底是痴迷真实感演技的妄人，还是喜剧效果的演员。

最后天台男女主面对面的重温电影开头的一幕，由于完整的映射结构，更似乎在强调这是演戏。

其实，在这种真实和虚构的模糊边界之下，观众始终处在矛盾的猜测之中。

我们都知道，观众/读者要与虚构作品产生成功的共情，往往需要suspend suspicion。

但此刻，由于观众无法定位自己眼前这一幕到底是“虚构中的真实”还是“虚构中的另一层虚构”，所以，眼前的这一幕的类型（是惊悚还是喜剧）也无法确定。

可以说，如果没有后面的元叙述——关于拍电影的电影，关于虚构艺术的虚构艺术——这前30分钟简直就是大大的bug。

但由于有了后面1小时的揭秘，将每一个bug都解释得圆圆满满，这才体现出前30分钟的趣味，也体现出了前30分钟制造的不适感的独特之处——这真是难得又难得的体验。

而回过头来，前30分钟的一镜到底真是不仅必要，而且惊为天人，同时，还把“真实与虚构”的模糊界限进一步往前推进。

这30分钟的一镜到底，到底有多少是按照原本剧本进行的？

机位和现场有多少次出现状况？

奔跑中的跌倒是真的失误，还是有意为之？

这一镜到底到底试了几镜头？

这一镜到底可能是一次完美的不完美的炫技。

它的不确定性正是它最让人着迷的地方。

设想一下，这套电影的剧本，是完美剧本下套着的导演救急场景下拍摄的一部关于男女主角在拍摄丧尸片时遇到丧尸的故事。

用括号来表示：{ [ ( < > ) ] }{1.电影院中的电影《摄像机不要停！

》[2.拍一镜到底丧尸片《摄像机不要停！

》（3.片场遇到丧尸<4.剧组几人在拍丧尸片> ）] }用摄像机表示：{ 曽根剛的摄影机 [ 腰不好的男摄像师和新手女摄像师的摄影机 ( “导演”日暮大喜手中的摄影机 ) ] }是的，很要命的是，这电影的名字和片中“导演”拍的一镜到底的片名还是一样的（都叫 One Cut of the Dead）！

深怕你突然某一刻醒悟这到底是真实还是虚构。

后现代的元叙述用来拍博君一笑的喜剧真是太适合了。

反正都是play嘛！

还很高级呢！

一部小众电影如果分很高那一定要警惕了，大概率是豆瓣里的一些学究派硬捧出来的，他们就喜欢无脑尬吹这种看似有“内涵”的电影，就一个一镜到底加双重反转就被吹成神作了，我看他们就跟看公园里打鸟的老法师一样，沉迷于技术的自嗨而忽略了实际产出，评论起手里的相机镜头参数头头是道，结果还是就拍个鸟的大头照

1999年，盛夏。

一部不起眼的低成本恐怖片在美国的27家影院上映，由于反响十分激烈，影院数在第二周直接上涨到1100家，这让制作方与拷贝冲印公司忙到焦头烂额。

该片成本仅6万美元，却在全球创造了2亿5000万的票房。

将近4000倍的投资收入打破了所有的影史记录，那些传统的电影工作和好莱坞制片人为此大跌眼镜。

它就是震惊影坛，撼动好莱坞传统理念的《女巫布莱尔》。

同年8月，该片的两位导演双双登上了《时代周刊》封面。

只是他们没有想到，在19年后的日本，一位叫上田慎一郎的年轻人带着一群人，同样复制了他们的神话。

1正片VS花絮2018年，初夏。

日本东京的两家艺术影院放映着一部关于丧尸的恐怖片，不料上映几周，口碑迅速发酵，放映规模扩大到全国的150家商业影院，堪称年度现象级爆款。

要知道，它的成本仅是18万人民币，比《路边野餐》还少了2万元，却有着惊人的1:1000的收益回报率。

它就是《摄影机不要停》 。

电影开场就是一镜到底的丧尸片，甚至最后还像模像样的出现了片尾字幕。

不明真相的观众定会以为电影放完了，可让我们看下手表才发现只是过了37分钟而已，到底是怎么回事呢？

原来该片分为两部分：前半部分是“丧尸正片”，后半部分是“幕后拍摄过程”。

而幕后花絮则是不断的在解构正片，为我们揭晓前面正片出现的拍摄事故和拍摄技巧。

看到后面你会发现，前戏根本没有按着剧本走，完全是脱节的状态，原本是一出无比正常简单的丧尸剧，却在后面的直播过程中状况迭出，彻底失控。

比如“导演”突然愤怒的咒骂男演员，“导演”老婆莫名其妙地做出带有“彭”声的防身术动作，光头小哥一再地想出去却不说原因。

这种捧腹大笑的幽默感，不仅得益于创作者超强的逻辑思维和编排能力，更来源于本片无视传统常规的拍摄手法。

2摄影机VS观众它完全采用头悬目眩式的手持摄影和急推急拉的复古拍摄手法来表现丧尸的紧迫感，再配上演员浮夸到极致的表演，简直就是对好莱坞B级恐怖片的完美戏谑。

电影还出现演员冲着镜头说话的场景。

甚至上演抹布擦镜头的好戏，简直令人瞠目结舌。

电影从1895年诞生至今，就是在不停地弱化摄影机的存在，以便让观众有一种身临其境的感觉。

可《摄影机不要停》却反其道而行之，无时无刻不向观众灌输“摄影机始终存在”的理念，这种“间离”的手法在法国新浪潮时期用的最为纯熟。

新浪潮运动的领头羊——戈达尔在《筋疲力尽》、《法外之徒》、《女人就是女人》等作品中，一再疏离观众和电影的关系，他认为观众应有自己的选择，这一理念同样也在《摄影机不要停》中体现。

它有别于其他传统叙事片一贯牵着观众鼻子走的习惯，而是将主动权完全交于观众手中，让观众去回味电影里的每一个“点”，就像是探宝游戏一样，不停地发掘正片和花絮之间的连接点。

这种不断发掘的过程，也是趣味性不断积累的过程。

比起特效堆砌，容易引起审美疲劳的超级大片，《摄影机不要停》显得更为生动富有灵气，正是因为它在剧本结构上的无限探讨，从而产生一种余音绕梁的效果。

3齐心协力vs状况迭出不难猜出，该片灵感来源很有可能是三谷幸喜的《广播时间》和博格丹诺维奇的《大人别出声》，两者讲述的都是原本好端端的节目，因为现场状况不断，而被改得面目全非的故事。

《摄影机不要停》正是借鉴了前者的剧作形式，用戏中戏的外壳来包裹电影故事的内核：电影制作者的艰辛路程。

在《摄影机不要停》的后半部分，我们会看到剧中“导演”不断的在妥协，男演员一直在摆臭脸质疑导演。

女演员则为了自己的偶像包袱拒绝拍摄恶心戏份，拍摄哭戏也只想用眼药水。

这也侧面揭示了演艺圈的怪相，一些演员只是混混日子，毫无职业操守，甚至还在片场频频耍大牌。

这不禁让人联想起前段日子，老艺术家们纷纷斥责小鲜肉不敬业的事件。

但在最终的拍摄过程中，为了保证节目直播的顺畅，这一群凑来的剧组成员开始齐心协力，一起达成这项“不可能完成的任务”。

尽管现场状况百出：比如在现场烂醉如泥的大叔吐了别人一脸，入戏太深的家庭主妇拿着斧头追杀女演员，摄影师受伤只能由一个毫无经验的实习生顶上。

直到最后在摇臂被摔坏的情况下，众人搭起一个“人肉摇臂”，从而达到了电影的高潮。

这不仅是一次向电影的热血致敬，也让影迷重新找回那份爱上电影的激情和感动。

它有的只是随手皆拾的迷影精神，洋溢着对电影的热爱之情。

就像剧中“导演女儿”所穿的T恤，从《疤面煞星》到《出租车司机》再到《闪灵》，无一都是在表达对电影的由衷敬意。

导演上田慎一郎在采访中也说到：20多岁的时候要去经历失败，30岁的时候这些失败会成为你的武器。

他曾经背负百万债务，拍摄此片时也请不起大牌明星，成本能省则省，服装是大家用剪子剪一剪弄脏做出来的，剧中“导演”一角的住所也是上田慎一郎自己的房子，而那个哇哇大哭的婴儿正是导演自己的儿子。

所以，我们从电影中看到的不是刻意取悦观众的戏剧性，而是一种弥漫其中的迷影情结。

而《摄影机不要停》也旨在说明一件事：如果你想拍电影，只要足够喜欢，大胆地拍就好了！

正如苏珊·桑塔格所说：如果迷影死了，那么电影也就死了。

是的，迷影万岁！

电影万岁！

一尸到底，满镜是爱，豆瓣9分的日影神作看到停不下来《摄影机不要停》又名《一尸到底》绝对是2018年整个电影界最大的惊喜。

18万人民币成本，上映后靠口碑红透半边天，换回了1.8亿元人民币票房，这还仅仅是在日本一国的票房。

从导演到演员，都因为该片从默默无闻到爆红。

现在，整个日本都在讨论这部奇迹之作。

90分钟的影片，胖哥看到停不下来，又笑又哭，看完后亢奋得有点失眠。

《摄影机不要停》是电影人对电影最深情的告白，一封情绪复杂的情书。

它解构了电影，故意露出了谜底，让大家看到电影魔术之后的操控手法，这种“露底”的拍摄方式反而引发了强烈的叙事冲突，为影片带来了“揭秘”般的快感，让人看到了电影人背后的心酸和苦痛。

影片颇有心机的分为3幕，幕幕诛心，分分有料，类型神切换，氛围猛调转。

开片37分钟的一镜到底，讲述一群在废旧水厂拍摄僵尸片的电影工作者。

不断的NG，让导演狂怒，让演员低落，让制作组灰心。

一段无厘头的对话后，真正的丧尸突然袭来，演员们慌张尖叫，四处奔逃，只有导演醉心“真实”，

看着丧尸一边咬人，一边大喊“摄影机不要停”，因为这就是他要的，最真实的恐惧反应。

整个过程，由一个镜头，不靠剪辑，全凭事先安排好的演员走位加镜头布位实现，如果稍有差距就会导致整个叙事的穿帮和失真。

但《摄影机不要停》玩儿的就是穿帮，凸显的就是意外。

这段37分钟的一镜到底并不是纯粹的炫技，而是为后面的故事以及笑料埋下伏笔。

有一定观影阅历的观众，很容易看出这一段在剧情和镜头上的“瑕疵”，为部分场景的设置，演员的表演感到困惑，觉得无厘头到有点尴尬，甚至出现看不下去的动摇。

比如演员们的尬聊，夸张的表情反应；

剧情走势的毫无逻辑；镜头神秘的走位和毫无意义的取景，这些“失误”即是槽点，又是爆点。

这就是导演要的效果，这股“酸爽”在后面的第三幕，将以伏笔的形式逐渐揭晓、连环引爆，让你笑到捧腹难忍，同时又哭得泪盈于睫。

37分钟，怪异又激情的第一幕毫无预料的来了个急刹车，字幕缓缓升起，影片看似结束，实则才刚刚开始！

“戏中戏”以倒叙的方式加了“平方”，人物和故事从第二幕开始丰富，升维。

第二幕，来到一个月前，讲述了从导演，到演员，再到摄影师等制作人员如何参与到这部直播“僵尸片”的项目当中。

你会惊喜的发现所有角色的另一面，比如导演其实很内敛，男主角其实很爱耍大牌，录音师的肠胃问题，酗酒的男配角，有腰伤的首席摄影师，想当首席的副摄影师……

第二幕从各个角度与第一幕形成反差，矛盾和冲突开始逐渐发力，故事越看越有趣。

在极短的时间内，影片导演充分利用了“少即是多”的潜文本运用，居然还完成了导演一家三口的人物性格塑造和人物关系，为后面的角色弧光打下了基础，为他们电影梦想的起飞清空了障碍，建好了跑道。

整部影片，第二幕非常关键，承上启下，叙事直接有力，脉络清晰，这才让最后“天神下凡”的神奇第三幕能够蓄力高飞。

第三幕，观众将难得地看到，整个第一幕拍摄时的“场后”真相，那些镜头背后的拍摄经历，将串连起第一幕中的“瑕疵”，为不合理的剧情，非正常的镜头，无厘头的表演提供令人爆笑的解释。

你能看到无法NG时的强行加戏；你能看到“三头六臂”，疲于奔命的导演；你能看到因为压力而发挥失常，走火入魔的演员；你能看到各种因意外而起的“神来之笔”，戏中戏中戏，加倍了笑料，翻倍了剧情，扩张了冲突，把电影人和角色会遇到的“两难”境遇推向了极致。

在人物极力掩盖一个又一个突发状况时，你会从大笑转为泪目。

那些狼狈是电影人为完成一部作品而“用尽全力”的真诚，那些尴尬是拼尽全力的电影人的可爱与可贵，全片高潮，为了一个“必须”要的镜头，我们看到了一群电影人为电影付出的血汗。

通过这个镜头的完成，

电影的主题闭合了，人物的孤光完成了，剧情的高潮到来了，从戏里到戏外，僵尸戏，拍摄戏，中间的叙事戏，都得到了有力的落幕。

用三幕戏，影片完成了多个戏中戏中戏，多层次叙事的成功塑造，这是《摄影机不要停》最令人兴奋的地方。

《摄影机不要停》是一部对电影叙事法则进行颠覆性重塑的佳作，如何将废笔变成伏笔，把失误化为转折，把意外转为笑料，把不可为到必须为的尴尬变成感人的情绪渲染，《摄影机不要停》以解构的方式，给全世界的电影人带来了教科书般的经典演绎。

可以预料一大波电影制作者，将对这一形式进行复刻和借鉴。

不到20万的制作成本，更是让一大批苦于融资的电影人看到希望。

想象力不一定与投资成本成正比，有太多虚胖的大制作让电影本身黯然失色，让观众一次又一次的失望，他们改变了电影叙事灵魂的基因，让电影陷入失去“本我”的无奈境地。

《摄影机不要停》重塑了电影叙事的灵魂，以电影的技巧战胜了所谓的市场。

在看似轻浮的地方庄重，看似涣散的地方严谨。

这是电影的胜利，这是电影人的坚持，只要摄影机不停，电影就会永恒。

摄制组在深山的一家废弃工厂拍摄一部丧尸片时，却意外唤醒了真的丧尸...这是[摄影机不要停！

]一个俗套到有些想让人翻白眼的开头，但它后续的展开却完全惊人地偏离了人的预想。

5个多月前，当[摄影机不要停！

]初次只在日本的几家艺术影院点映时，很难会有人想到它如今的火爆程度。

300万日元(约合18万人民币)的成本，没有一个明星，前期几乎无宣发，上映后却口碑迅速发酵，几个月突破了百万观众数，揽下超30亿日元(约合1.839亿人民币)的高票房。

不仅如果你是丧尸片、恐怖片爱好者，你不能错过它；但凡你热爱电影、热爱喜剧，你都一定不能错过它。

因为，这是一部写给电影爱好者的情书——前37分钟丧尸短片展现出来的粗糙、怪异、令人困惑不解的地方，都在电影后半段的拍摄过程一一解开。

难怪有人说，这部片的观感大概就是[房间]和[灾难艺术家]的连映，恰当如是。

当觉得前路漫漫、为梦想很难坚持的时候，看这样一部为电影人写的笑中带泪的情书，会觉得没有人容易，尤其那些预算有限、时间可怜的B级片导演。

B级片，B-movie，并不是通常意义上的一种电影分级，而是从制作投入上划分出来的，低预算影片。

上世纪30年代，有声片开始出现，从默片到有声片的转变扩大了观众群体，让更多人开始走进影院；再加上当时的经济萧条期，大萧条中的美国人呐，才不管你电影院里放的是什么内容，只要能让人们暂时忘掉那困顿的现实，救济金里掏个几分钱还是很乐意的。

所以，人们也常常用“黄金时代”来形容30年代的美国电影业。

早在20世纪后半期，米高梅、派拉蒙、华纳、福克斯等大制片厂已经形成了一种相对明晰的产业结构图，高投资的A级片也能为他们取得不错的收益。

比如，华纳的有声片[爵士歌手]就以40几万的成本为他们收回了超过350万美元的票房。

©[爵士歌手]剧照但是，另一面，随着高投入和增多雇员而来的是，很高的投资风险。

那些出身于早期5分钱镍币影院的老板们自然很明白，怎么样节省资金、物尽其用——在拍摄A级片较长的制作周期间隙，充分利用人员和设备，顺道拍一些低廉的小片。

这样，B级片顺势而生了。

那时的影院，学的是早期歌剧院的模式，几部不同的作品接连上演，先放卡通短片、风光短片等等，差不多了才是正片。

而B级片，往往在正片结束之后放映，几十分钟但不超过一个小时。

©比如1938年的[萨德的朋友们]只有55分钟比起那些有着大明星、大导演加身，高成本、制作精良的正片，随机附送的B级片根本无所谓题材和质感。

没有明星出演、演员演技感人，场景少，布景、特效低廉简陋，剧情俗套平庸、甚至常出现连贯错误，趣味低级等等特征，就成了B级片的标签。

要说，[摄影机不要停！

]里那前37分钟的丧尸短片，就完全可以称作是B级片水准。

B级片这个词，也似乎成了一个暗示着质量低廉、俗套差劲的负面词汇。

美国60年代后，虽然捆绑上映的“双片制”早已取消，但汽车影院、午夜影院的出现，开始让B级片更加兴盛起来。

©60年代的汽车影院推动了B级片的发展它常常和暴力、恐怖、血腥和情色等剥削题材合流，吸引了当时新成长起来的青年一代观众群。

那时，甚至又出现了比B级片质量更为廉价的Z级片概念，它们也常常被毫不客气地叫做“Trash Film”。

剧本更差、剪辑和灯光更差、演员更差，常常是在电影产业边缘甚至外部制作的Z级片，跟B级片一起，虽然边缘，但也成为电影本身的一部分。

虽然被绝大多数观众瞧不上，但每个时代它也有着属于自己的那一小撮忠实拥蹙在。

吉田大八的[听说桐岛要退部]里，有一个手拿摄影机疯狂执着于拍丧尸片的普通少年前田。

在一次观影冢本晋也那狂暴凌厉的[铁男]之后，他和偶遇的同学激动地聊起自己如数家珍的B级片，对方却连连摇头表示不认识，然后很快走开了。

©B级片[铁男]直接出现在[听说桐岛要退部]里这种有些伤感的孤独和落寞，大概很真实地代表了很多B级片死忠的感受，可能也是那些一生不被理解、伴随嘲笑而生的失败者导演的心声。

比如，艾德·伍德。

艾德·伍德一生写了至少47个剧本，执导了18个影视作品，监制了12部影片，但他生前，无人识得。

他去世后，被后来的影评人冠之以“历史最差导演”头衔，他的[外太空计划9]也被评为“历史最差电影”。

这才激起了人们对这位从没拍过一部好片的B级片导演的兴趣。

©德普演绎的[艾德·伍德]剧照蒂姆·波顿为他拍传记片[艾德·伍德]，在电影结束前，让饱尝了无数心酸和挫折的艾德·伍德收获了人们的掌声。

但这是明显虚构的。

他拍第一部电影[忽男忽女]，是在好莱坞寂寂无名混迹良久之后自己争取来的机会——3天时间写剧本、10天拍摄，3万美元左右的预算。

到了[外太空计划9]时，他更夸张，只花了5天时间就拍摄完成。

当然，当时是无人问津，后来是声名狼藉，缘于这些片子低成本、短时间带来的“粗制滥造”感。

[外太空计划9]里，他用洗得发亮的盘子当飞碟，用纸板来做墓室。

©[外太空计划9]里的飞碟能看到线仔细看还能看到飞碟飞过时吊的长线，而演员们偶尔还会撞到甚至撞倒那些用硬纸板做的粗糙布景。

同样一个场景，他白天时拍一次，晚上再拍一次，同样的素材在电影前后反复多次出现。

更别提那些业余演员们的尴尬演技了，像是在经常望着提词卡一样的说台词方式，对白写得也无聊又尬。

表现战争时，他更直接把以前的纪录片场景搬出来放进去，这些都让[外太空计划9]成为无可争议的烂片“神作”。

而在传记片[艾德·伍德]里，还有一段他拍[大话原子人之怪兽娶亲]时的悲催场景。

©[大话原子人之怪兽娶亲]里的章鱼怪他电影的主角大型章鱼怪的道具是全体工作人员半夜去别的片场偷过来的，结果偷得太急还忘了拿章鱼怪的发动机。

没有音响、一晚上要拍25场戏、几乎晚上只睡一小时就接着起来拍、演员们还要泡在水里自己动假装被章鱼怪袭击。

历经这些艰辛过后的电影首映礼，迎接他们的却是观众们冲着演员、导演扔鸡蛋，甚至还差点因为愤怒砸了艾德·伍德的车。

比起令人心疼的艾德·伍德，似乎就连[摄影机不要停！

]里剧组为拍摄丧尸短片所付出的一切都不算什么了。

毕竟，被自己的观众用臭鸡蛋丢这种经历，也不是每一个B级片导演都能有的。

艾德·伍德只是其中之一，历史上那些无数个为着“摄影机不要停！

”梦想努力向前奔跑的人中的一个。

《纽约时报》曾经这么说过：[大白鲨]不就是一部高成本的罗杰·科曼电影吗？

罗杰·科曼，另一位B级片之王，一生导过50多部B级片，他曾经用5天时间拍摄了[血流成河]，也曾用两天一夜的恐怖效率拍出过B级片经典[恐怖小店]。

©[恐怖小店]海报他甚至有一句流传甚广的名言：电影只有一种拍法：飞快地拍。

为了省钱省时间，他经常让摄影师平常就去追着消防车、救护车拍，甚至拍生活中任何正在发生的动作。

因为，他会直接把素材放进电影里；为此，他甚至自己跑到火灾现场、不顾危险地拍摄大火场景。

放心，这样的大场面拍完之后，他的下部片、下下部片可能都会反复使用这同一素材，绝对不会浪费。

[马诺斯：命运之手]，另一部名垂影史的神级大烂片，常年在最烂top10的榜单，导演阿罗德·沃伦却是一个心怀电影梦的化肥商人。

©[马诺斯：命运之手]海报包括新世纪以来，烂成史诗级名作的[房间]和[群鸟：震惊和恐怖]，导演托米·韦素和詹姆斯·阮也都是异常“严肃而真挚”的“电影人”。

在詹姆斯·弗兰科为托米·韦素作传拍的[灾难艺术家]里，你可以看到他是多么认真、多么真诚地想拍出一部杰作。

但也是这么用心地拍出了这部哪哪都不对、哪哪都是错的“烂片界公民凯恩”[房间]。

詹姆斯·阮这位越南籍希区柯克铁粉就更有意思，把自己上班以来攒下的1万美金全部用来拍摄[群鸟：震惊和恐怖]，更花了4年时间仔细打磨。

©[群鸟：震惊和恐怖]里的特效做后期时没钱了，就找刚毕业的特效师来做，这片的特效其实就是把鸟儿复制粘贴了一下而已。

所以啊，别看不起烂片，它们真的也有尊严！

就像[摄影机不要停！

]结尾，摇臂摄影机摔坏了，剧组所有人哪怕叠罗汉也要拍出来想要的那一幕。

粗糙是可以的，糟糕也是可以的，但拍片的摄影机不能停！

参考资料：【1】「カメラを止めるな！

」上田慎一郎監督、当初の目標は動員5000人，映画.com【2】Roger Corman，Wikipedia【3】B-movie，Wikipedia【4】Birdemic: Shock and Terror，Trivia，IMDB【5】B级片历史，电影推荐网，2016.4.6【6】Funniest B Movies of All Time，PaulDeMerritt，CheatSheet，2017.1.28【7】他是史上最烂的导演！

可他自己却不这么认为，黎小墨，公众号奇遇电影，2016.6.4【8】Ed Wood：Tim Burton’s Beautiful Ode to a Fascinating Filmmaker, From One Outsider to Another，CINEPHL 作者/卷卷毛文章首发于微信公众号「破词儿」

终于，在2018年，我们等来了这部神作——《摄影机不要停》（One Cut of the Dead）。

有多神呢？

一开始，日本只有两家电影院愿意播放这部电影，播放后却因为口碑爆棚，不断被加映、再加映，最后加映到观众自愿成立后援队为这部电影摇旗呐喊。

此外，这部电影的所有成本总共才18万，赢得的票房却有1.8亿元。

另外，某个经常出没于各种电影节的装逼影评人，这次也毫不犹豫地送出了“五星好评”，而在此之前，他已经连续两年没有给过任何电影五星了。

遗憾的是，这部岛国小成本神作，还没有被引进国内（不过网上已有资源流出）。

1、苦逼的导演这部电影的导演——上田慎一郎，是个80后，今年34岁。

作为电影爱好者，他之前只拍过8部短片。

不像其他导演动不动就得个奖、走个红毯，生活中的上田慎一郎非常苦逼：他没钱了就睡在公园里；好不容易打工挣来一些钱却被骗子骗走了.....就这样，上田慎一郎凭实力活成了“苦逼慎一郎”。

唧唧复唧唧、苦逼又苦逼。

为了节省拍摄费用，上田慎一郎只能请他的狐朋狗友出演电影里的主要角色，因为请知名演员实在太贵了。

上田慎一郎在公开场合曾说：“我也想请广濑丝丝来演，但是人家的出场费太高了，一天就要好多钱。

”

《海街日记》中的广濑丝丝为了节省制作费用，上田慎一郎把自己的房子让出来供剧组拍摄使用；就连演员们的服装，也是大家自己用剪刀漫不经心地剪出来的。

另外，上田慎一郎自己还身兼导演、编剧、剪辑多职，因为请人做要花很多钱。

但是，这么多的苦逼，拼凑出的却是一部创意满满、口碑爆棚的神作。

2、18万元能拍出啥？

《摄影机不要停》的剧情很简单，它既不烧脑、烧心，也没啥视觉上的观感，用一句话概括就是：一段37分钟的长镜头视频+这段视频的拍摄过程。

这段长镜头拍的到底是啥子？

一个穷逼剧组在一个废弃的工厂拍摄一部丧尸片，拍摄过程并不顺利，因为女主角演技实在太挫，导演要求她表现出恐怖的表情，她却怎么都不能让导演满意，导演一边骂着，她一边忍着。

拍着拍着，工厂里出现了真的丧尸，于是演员和导演开始了暴走之旅，他们上蹿下跳：一会跑到车里，一会跑到房顶，与真丧尸大作战。

这他妈什么玩意儿？

是啊，看过这段视频的人都这样评价，有的人气不过，还在这句“这他妈什么玩意儿”前面加了一句“我操！

”。

真的，我特别能设身处地、感同身受地理解这些观众，因为我也忍不住骂了一句“这他妈什么玩意儿”，这段视频别说是拍过8部短片的导演能拍，我觉得只要把身患偏瘫的吴老二扶起来，他也拍的不差。

坚持看不下去的人，转身去看《喜羊羊与灰太狼》，我能理解。

但是能够坚持看完这部作品的人，我真心为你感到高兴，因为精彩的确实还在后面。

后半段是前面一段视频的拍摄过程，精彩之处就在这段。

为了拍摄前面那段长镜头，这个穷逼剧组出尽了洋相：马上到丧尸大叔出场了，他却偷偷喝了酒并且喝得不省人事，“导演”用铁砂掌都打不醒他；

等到光头丧尸要化妆上场了，他却非要去拉屎，没办法，他只能一边拉屎，女化妆师一边给他化妆；

为了拖住太过入戏的大妈，不让她自由发挥，只能把她打晕，然后制造她被砍死的场景；

最后，摄影杆又被摔坏了，为了拍摄那个俯视镜头，全剧组只能叠罗汉，“导演”站到最上面手持摄影机来拍....

整个拍摄过程既艰苦、荒唐，又充满创意和笑点。

3、到底是不是神作？

毫无疑问，《摄影机不要停》是一部优秀的娱乐片，它的亮点有很多，首先是它37分钟的长镜头，其次是它让揭秘变得有趣好笑。

长镜头：很多导演都拍过长镜头，卡拉托佐夫在《我是古巴》里拍过3分22秒屋顶酒会；艾方索‧柯朗在《人类之子》中拍过将近4分钟的飞车追逐；我国内地导演毕赣在《路边野餐》中拍过42分钟内含隐喻色彩的长镜头。

《路边野餐》中的长镜头无疑长镜头是让人着迷的，因为它“真实”且“控制完美”。

但是拍摄长镜头并不容易，它要求演员无时无刻保持投入状态，并且在表演、台词和调度上不出纰漏。

说实话，我们大部分人，连续背诵10分钟的台词都已经不容易，更何况又要保持好表演状态，把它完美地表演（而不是说）出来。

另外，观众也需要进入导演的镜头，并欣赏这个不断发生事件的当下。

为了呈现《摄影机不要停》37分钟长镜头的最佳效果，上田慎一郎把所有调度上出现的问题进行了一一呈现，也因为这样，它才笑料十足（比如给演员题词板），它在打破长镜头严肃感（真实）的同时，又保护了长镜头的完整感（控制完美）。

揭秘过程：后半段揭秘过程是整部电影的点睛之笔。

因为那段长视频是直播，所以就要求不能中断，即便导演、演员、道具出现了问题，也要保持所有桥段、剧情和台词的完整。

正是为了守护它的“完整”，这部电影才笑料不断。

在多数人的观念里，拍电影这项工作总有些“高端”，也正因为它的“高端”，才越引发大众的好奇：这么牛逼的特效到底是怎么做的？

这么屌的枪战到底是怎么拍的？

人们的窥探欲就是这么强，当我们看到《摄影机不要停》前面的那段长镜头是如此辛苦地“糊弄出来”的时候，不禁大笑：为了拍电影，原来剧组这么能凑合，这么能苦中作乐啊！

就是这种与“高端”之间的反差，能够带给观众极大的娱乐性。

至于《摄影机不要停》是不是神作，等待时间来评定吧！

本文首发于公众号 架空（ID：jiakong2017），这里是科幻、奇幻、惊悚的世界，欢迎关注。

这不是关于丧尸，也不是关于电影。

只是关于“努力去做“。

最近空姐被好多人安利《摄像机不要停！

》，知道这是个喜剧，讲的是一个导演用纪实手法拍丧尸片，知道它在日本热映半年，用相当于18万RMB的成本换来了1.8亿票房……blah blah blah。

然后基于两个误会，兴趣没提起来。

误会1：纪实风格的丧尸喜剧？

……还……好……吧，题材感觉也不是特新鲜。

误会2：又拿拍摄内幕说事？

就是电影人看了才最有感咯？

这简直是我最无感的一种片子了。

就你们电影人有酸甜苦辣，别人没有？

导演拍个电影来宣泄从业感受，那就相当于外科医生通过做手术来宣泄咯？

司机通过开车来宣泄咯？

后来出于不可描述的原因，终于看了这个片子。

空姐发现自己错了（这种时候并不多）……它的前半个小时迷惑性极强，完美吻合了“误会1”：一个拍摄小组去废弃净水厂拍“丧尸片”，结果真的出现了丧尸，导演为了追求真实感坚持拍摄，最后只剩女主一人活了下来，接着《ONE CUT OF THE DEAD》（一尸到底）的字幕就出来了……

说的事情确实不新鲜啊。

虽然有“一镜到底”的噱头，但是烂俗的剧本、浮夸的表演、粗糙的布景、摇晃的镜头、简陋的制作充斥全程，要多low有多low,要不是有很多人说“一定要看完”，我一定会坚持不下去。

结果这个粗制滥造的短片只是抛出了问题，37分钟后正片才算开始。

=======剧透预警=======日暮隆之，一个三流小导演，平时就拍些综艺VTR和MV，因为“性价比不错”被电视台看上，请他拍一部“大制作”。

要求是：丧尸片、现场直播、一镜到底，作为一个专门播丧尸片的新电视台的开播重头戏（这个电视台空姐比较感兴趣）。

导演说WTF？

我虽然是个小人物，但这种条件严苛、没人愿意拍的胡闹企划可骗不了我，不接不接！

妻子晴美对此也表示并不意外。

隆之的女儿真央也梦想成为大导演，对自己经手的作品要求很高，在摄制组四处得罪人，还得做爹的不停替她道歉，她却责怪父亲没原则没追求。

这时隆之恰好发现，女儿最近很迷的“老公”神谷准备出演《一尸到底》。

为了哄女儿开心，他接下了这个胡闹企划。

随后主要角色们纷纷亮相。

出演女主角的松本逢花是娇气又造作的少女偶像。

这种戏不行那种戏也不行，理由超正经的。

演男主的小鲜肉神谷和明架子最大、想法最多。

别人干的事都太次，只有他说的话才是真理。

演摄影师的细田学是个无可救药的酒鬼。

演助导的山之内洋是个存在感极低的小透明。

出演录音师的山岳俊助则是肠胃有问题。

扮演戏内导演的黑冈和扮演化妆师的相田一看就是来玩票的。

剧组摄影师谷口智和也不太让人放心，半小时一镜到底是体力活，偏偏他有腰疼的毛病。

助手松浦早纪倒是很想替他掌镜……

企划本来就先天不足，再配上一群“牛鬼蛇神”，绝望的隆之都在怀疑电视台是不是一开始就放弃了……

然而直播当天的实际情况比想象的更山寨，黑冈和相田玩出了婚外情，还一起出了车祸，没法到现场。

导演隆之和妻子晴美只能临危受命，出演“导演”和“化妆师”。

有追求的男主不乐意了，导演好说歹说才打消了他撂挑子的念头。

接着，《摄像机不要停！

》的精彩部分才正式开始：镜头内：导演痛斥女主演戏太差、人生虚伪，回头又打了男主一巴掌，直言他拍戏时多么不配合——唔，隆之演技不错啊，情绪挺到位的。

镜头外：这部戏是我的作品！

老子忍你们很久了！

镜头内：在休息时，隆之老婆扮演的“暴走化妆师”向男女主讲述了传闻，说净水厂曾是日军进行人体实验秘密基地，然后就没台词了，在一阵迷の沉默后，三人开始尬聊，“暴走化妆师”展示了自己正在学习的防身术……什么鬼？！

镜头外：本该以丧尸形象出场的“酒鬼摄影师”又双叒叕喝醉了，直接倒地不起！

剧组一边处理，一边提示那三人“想办法撑时间”。

眼看着尬聊快要把整部戏给带偏了。

导演摆弄着烂泥般的“酒鬼摄影师”回到了位置上。

镜头内：“酒鬼摄影师”以丧尸之身再次出现，还突然吐了“弱鸡助导”一脸。

镜头外：“酒鬼摄影师”四肢无力是因为他真的四肢无力，全靠隆之在身后摆弄，呕吐也是真吐，“弱鸡助导”被恶心坏了……

演员们正式走上即兴演出的不归路。

镜头内：“录音师”一直状况不对，最终不顾“导演”的阻拦执意冲出门去。

镜头外：原来他不慎误喝了硬水，要拉肚子……

导演的阻拦是真的，“拉稀录音师”被其他工作人员抓着不让去厕所……他发出的惨叫自然也是真的。

镜头内：“导演”要去追“拉稀录音师”，还对着镜头打破了“次元墙”。

镜头外：“拉稀录音师”是衔接下一段剧情的关键人物，没了他，剩下几个只能继续尬聊。

正当台领导准备下令停拍时，一旁观摩的导演女儿真央突然开挂，改了剧本硬把戏接了回来。

真央为了偶像通读了剧本，没想到派上用场，顺便帮父亲解了围（侧面说明这部戏有多“随便”）。

镜头内：逃出室外的女主和“弱鸡丧尸”展开了追逐，镜头忽然以贴地倾斜的角度进行拍摄，并持续到他们消失……

唔……这种有卖弄成分的镜头也不是不行，可人都跑了，镜头咋还没动呢？

镜头外：“腰疼摄影师”被腰疼“套牢”了，直挺挺瘫在了地上。

“眼镜小助理”得偿所愿，美滋滋接过摄影机。

镜头内：女主疑似被咬伤，“暴走化妆师”决定铲除隐患，突破男主、“酒鬼丧尸”、“弱鸡丧尸”的阻拦，一路追杀到了天台，挡我者死。

嗯！

“暴走化妆师”的表现还是很到位的，如果男主能演得别那么怂就更好了。

镜头外：“暴走化妆师”做过演员，之所以退役（准确来说是被驱逐封杀），是因为她容易忘我，分不清戏里戏外。

这一连串追逃看似流畅，实际上也脱离了剧本，“暴走化妆师”抱着真要杀人的念头去追女主，在镜头内外击退了所有想阻止自己的人……镜头内：在男主阻拦“暴走化妆师”的时候，镜头长时间聚焦在尖叫的女主身上……长到让每个人都觉得不耐烦。

镜头外：所有人正全力阻止假戏真做的“暴走化妆师”呢……

导演好不容易勒晕了“暴走化妆师”（他的亲老婆），还得布置好她被男主反杀的场景，简直神速。

镜头内：落荒而逃的女主躲进了小屋，并在一只不见面目的丧尸面前躲过一劫。

镜头外：由于剧情必需的道具斧子插在晴美头上了，剧组只能出“下策”，让工作人员“带腿妆”去提醒女主，在门前捡斧子。

我*！

这梗太感人了吧！

镜头内：到了最终的高潮戏，女主不得不亲手杀掉变成丧尸的男主……男主在女主的啜泣央求下暂停了……三次？

镜头外：之前为阻止“暴走化妆师”，剧组将拍摄片尾高空镜头的摇臂摔坏了。

隆之非常在意这个片尾镜头。

真央便想出了叠罗汉“架人梯”的主意，前提是男女主得拖时间。

镜头内：女主走到了用血画成的五角星图案中——正是画在天台上的血咒让丧尸苏醒。

随着她回身仰望，片头出现，直播也就该结束了。

呼……这拍的是啥玩意儿，最后一个俯拍还晃得那么厉害，差评。

镜头外：剧组能来的人都来了，组成“人肉摇臂”完成了四公尺高空俯拍。

“成片”是在电影前半小时呈现的，后面一小时说的是幕后故事。

看到镜头外状况百出，再看镜头内糟糕的剧情和表演，感觉完全不同。

各种细节“反转”形成对应，观影就像挖宝似的妙趣横生。

空姐也推翻了第二个误会。

这部片子讲述的状况很极端，没有什么映射和讽刺影视圈现实的气息，也并不想让观众感受到这是电影创作人在诉苦。

观众把片子看完，只会收获一份纯粹正向的、平凡而又珍贵的感动。

磕磕绊绊完成大半拍摄，原定片尾镜头却不能拍了，台领导的想法很“实际”也很“合理”：改变镜位试试，不行的话删掉好了”。

虽然台领导们跟导演出发点不同，在乎的事情不同，有时还会走神和玩手机，但片子并没有刻意丑化他们。

唯一重点在于导演的在意：那个镜头点出了丧尸的由来，如果有人注意到了呢？

退一万步讲，即便真的没有观众注意到，自己就可以随便糊弄过去吗？

数次面临停拍危机，导演父女用认真与坚持换来了“一镜到底”，也感染了原来不当回事儿的人——在最后关头，娇气的女主真的哭出了眼泪，而畏缩的“弱鸡助导”、掉链子的“酒鬼摄影师”和“拉稀录音师”、耍大牌的男主、一度认为“差不多行了“的台领导，齐心协力架起了人梯。

当导演喊出“CUT”，大家瘫倒在地松了一口气，露出的笑容是最真诚、最满足、也最畅快的。

到这里，还完成了另一条故事支线——日暮父女的和解。

女儿真央原本嫌恶父亲拍的东西，觉得虚伪、空洞，充满了对现实的妥协和对效益的追捧，毫无艺术追求，甚至是起码的尊严。

最终导演让一部原本会“流产”的作品“诞生”了，尽管是个畸形儿，但他向女儿证明了自己还保有珍贵的初心。

女儿则把一张老照片递给父亲，两人都露出了久违的笑容。

影片结尾出字幕的花絮镜头中，有一个很有意思的细节：摄影师在拍摄丧尸女主追逃镜头时摔倒了，拍花絮的摄影师也摔倒了……这不仅说明了《摄影机不要停！

》是一部匠心独具的“戏中戏拍戏中戏”，也反映出戏外剧组有着和戏内剧组一样的热忱。

本片导演上田慎一郎没有受过电影相关专业的教育，还曾经欠了很多债并无家可归，但这些都没改变他“就是想做自己喜欢的东西”。

剧组大部分演员都是导演的朋友，饰演日暮隆之的滨津隆之靠做兼职维生，女主秋山柚稀在演艺圈一直不温不火，属于“友情出演”，服装是大家自己剪出来的，特效化妆也没有投入太多，戏里导演隆之的房子就是戏外导演上田的房子……

不过这些都不重要了。

看完《摄影机不要停！

》，空姐不仅推翻了那两个先入为主的误会，忘记了这并不算是自己爱好的恐怖片、丧尸片，甚至没有想要“客观评价“它的念头。

这时只有完全真实、主观的情绪。

“正如罗素说过，人类唯一的救赎是合作……”“这是印在酒杯垫上的吗？

”—— 《僵尸肖恩》*选题 / opllx· —— End —— ·

早就被别人安利好几个月了，这部电影在日本简直了，可以作为日本影史最受欢迎十大电影之一，甚至能载入日本电影史册。

目前内容在网上已经有了，此片必火，虽不能说逆袭我的三观，但看的时候依然能让我惊喜连连，给了我这种焕然一新的感觉，半夜让我笑出猪叫。

它就是——《摄影机不要停》！

《摄影机不要停》成本说出来吓死人，只有300万日元，差不多就18万人民币，估计有些人樱花季去一趟日本血拼，差不多就这个价格吧。

但就是这样极极极小成本的电影，光在日本本土，就逆袭了将近2亿人民币票房，在日本如此小的国土，这么小的成本，这样的票房回报率，足以看出影片的黑马效应。

到目前为止，各国发行商力求引进，在各种电影节上《摄影机不要停》提名拿奖到手软，各种小规模放映点映也都到了一票难求的地步，光在北京的日本新片展里，《摄影机不要停》秒光，重现前段时间《小偷家族》点映抢票盛况。

那么这部仅18万的丧尸片，到底有什么魔力呢？！

答案是不断给你制造惊喜！

不断给你制造意想不到的笑果！

到最后还能被他们的毅力感动！

这让我想起来看电影的一个标准，就是好的电影，能把你的某一种情绪掏空，比如好的文艺片会掏空你对人生意义的思考，好的动作片会掏空你的肾上腺素，好的惊悚恐怖片会把你吓到不能自已，好的喜剧片那必须让你笑到知足。

虽然这是比较大众式对电影的评判，但也足以证明每种类型电影的功能性。

《摄影机不要停》就有掏空你惊喜感，刺激感，欢乐感的功能。

丧尸片类型在今天已经非常成熟了，大热美剧有《行尸走肉》，经典但是最后拍得烂尾的有《生化危机》系列，电影大制作有《活死人黎明》，《僵尸世界大战》，《釜山行》等等。

现在的丧尸片如果要做到观众感兴趣，必须要十分有创意。

《摄影机不要停》变成爆款，影片的创意就在于有种指鹿为马的感觉。

先说下开头，不会影响观影效果。

影片前面基本是一个传统丧尸片，讲述一群小成本电影制作团队，来到一个连手机信号都没有的废弃工厂，要拍一个极低成本只有男女主角的丧尸片。

片中导演因为女主不了解什么是真正的恐惧，于是在天台画出血咒，找来了真正的丧尸，导致整个剧组的人接连变成丧尸。

最后整个“影片”只剩下女主一人。

整个戏中戏的丧尸片一镜到底，当时我在看的时候，心里就在嘀咕，难道这片子成为爆款就是因为一镜到底？！

现在一镜到底对于电影技术来说简直是小菜一碟呀，哪有什么难度。

看到这里的我，就想给这部片子一个中庸的标签，结果...真香！

当片子放到三十七分钟时，这部戏中戏的丧尸短片出字幕了！

这就很奇怪了，难道还来个戏中戏中戏？！

——深度剧透——果然，一镜到底的镜头没有了，回归了传统电影语言视角，讲述了一个月以前导演为了筹拍这部丧尸片的前后。

也就是说，整部《摄影机不要停》后面的三分之二，还原的是前面丧尸短片的幕后，但是这个幕后可要把人笑出腹肌了。

在看前面丧尸短片的时候，我就纳闷有一些桥段为何如此奇怪，但又在脑子里琢磨，这可能是这部影片的特色之处吧。

比如，男女主角和化妆师坐在那聊防身术，这一段尬聊似乎在消磨时间，但防身术在后面的戏份中，我们只要从画外音听到“碰”！

就知道是化妆师出大招。

这时候装逼的我就觉得，嗯，这段尬戏的功能就是解释后面防身术的画外音。

此外防身术貌似对后面被丧尸抓到，也有一技防身之术，这一段尬戏安插其实还很有用的说。

正好，他们说到这地方被诅咒时，门外有一声巨响（影片幕后片段有解释），这也太应景了！

谁知道，幕后另有玄机...又比如，配音师逃跑的桥段，看短片的时候总以为是害怕而出逃，谁知道...知道真相的我笑喷了。

还有导演对着摄像机大喊：“摄影机不要停！

”

看短片时，装逼的我还在脑子里想，这不就是戏剧语言中的：“打破第四面墙”吗，也没太大惊喜呀，《纸牌屋》系列都用烂了好么，而且这也是几千年前莎士比亚开创的。

谁知道...我被深深讽刺了一把。

在“短片”中还出现了，当时逃跑时女主撞了摄像机，镜头倒在草地上，一直静止不动，画面内只有不到一半的有效取景。

这个时候装逼的我又在想，这是伪纪录片拍摄的一个重要指标，就是故意要让镜头掉在地上，不经意间拍到重要信息，以增加真实感。

这样的拍法在《科洛弗档案》中已经用过了，最后摄像机掉在草地上，拍到的就是怪兽的特写。

谁知道...是我想太多...再来就是女主角天台长时间呐喊，装逼的我又在想，这不就是致敬《惊魂记》中女主在浴室的恐惧特写吗，希区柯克曾经提到过，未知的才是最恐惧的，当观众看不到凶手真面目时，脑子里就会胡思乱想镜头外的事情，从而产生未知的恐惧。

而且女主恐惧的特写，对比了一开始假装演恐惧的脸，让人觉得好恐怖。

谁知道...事情并不是我想的那么丰富。

其实《摄影机不要停》中短片镜头的构思，确实是运用到了这些镜头语言，只是说，导演把这些经典的镜头语言，变成了后面所有包袱的巧思，从而造出十分惊喜的笑点。

特别是化妆师的越来越无厘头的演技，虽然后面有解释，但是如果只看那部短片，其实也不违和，cult片不就是这样的夸张表演方式吗，而且日本演员有时候漫画式的夸张演技，也是一种特色。

更让人惊奇的是，在这些惊喜之中，还包裹着一层暖暖的父女情。

导演原本是不接这部一镜到底的丧尸片的，但因为片中男主是女儿爱豆，才决定接下。

而且导演为了女儿的不妥协，在拍摄这部短片中，也渐渐变得不妥协，即使这部短片是二半夜的深夜电视节目，导演也选择尽心尽力做到完美。

这样的匠心精神，由女儿感染了父亲，父亲又回馈到女儿，父女从开始的互相误会到后来的和解，让人不禁鼻子一酸。

此外片中的每一个角色，都有相应的心路历程，每一个角色彼此的作用相互绑定，彼此依存和成长，看似各种轻松偶然的拍摄的创意，其实都是精心设计的剧情和动作。

当然，如果你要从这部类型框架很强的电影中，去感知一些深度和意义，那肯定是不存在的，就如导演自己在访谈说的，他只是想创作有意思的东西，电影只是一种娱乐，观众体验非常重要。

导演照着自己内心的独白，果然拍出了一部十分有意思的《摄影机不要停》。

我想不到什么理由不推荐这部作品，因为影片的体验，真的太赞了！！

最后用影片刚火起来时，大家常说的一句话做结尾吧：总之快去看吧！

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原来电影还可以这样拍啊。

这部电影一开始给我的印象，是《听说桐岛要退部》那样的。

毕竟都有cult片情意结、都有讲拍电影，以及某种程度上的“戏中戏”设定，还都表达了对电影的热爱。

但其实两者的区别还是蛮大的。

《桐岛》中，拍电影只是故事的其中一条线，而《摄影机不要停》则是将“拍拍电影的电影”这一主题贯彻了全片，它没有像前者那样探讨年轻人无处安放的心结，而是纯粹地表现对电影的热爱。

电影最为人称赞的地方在于开头那一段堪称片场灾难的37分钟长镜头，不过在讨论这条长镜头之前，我比较想讨论电影的其它部分。

除长镜头之外，电影对人物的塑造也是相当深刻的。

其中最具代表性的是父女的故事线，这一条故事性的设置其实也涵盖了全片的主题，即对电影的热爱。

父亲是一个不算成功的电影人，拍过电影、访谈、MV，可以看得出来在繁琐的工作中，他对妥协是习以为常的，不强求演员真哭，不介意用眼药水，在对待剧组时也是尽可能的和颜悦色——就跟普通的中年上班族一样，被生活与工作磨去了棱角。

得不到女儿的认可，包括妻子也不认为他会接下“现场直播长镜头戏中戏”这样的工作。

从父亲在接到工作时的反应来看，他确实是不太愿意接受这份工作的（想必也是因为他知道要拍好有多难），但是为了让刚刚被赶出剧组的女儿开心起来，他最终还是接下了这份工作。

在筹备的过程中，父亲一直周旋在不靠谱的演员、诸多要求的录音师、棱角分明的男一号还有不能被颜“哔——”的偶像女演员之间，这个时候的他依然是如履薄冰，焦头烂额于满足各方需求的。

虽然此时的女儿并不会觉得他有多伟大，即便到了片场也还是会嫌他挡住了自己看男一号的视角。

女儿对父亲的认知是在直播过程中逐渐改观的，她发现原来父亲也并非总是那样的窝囊，他其实也不认可那些得过且过的技俩，也很烦自视甚高的艺人，只是为了生活和工作，他必须要将自己的愤怒掩盖在和颜悦色之下，只有到了镜头前，才得以毫无顾忌地将自己所承受的压抑宣泄出来。

（虽然还未到中年，但我仿佛也能够理解这种不得不舍弃自己坚持的心态）。

因此，可以说，父女线是作为与片场线这条明线相对应的暗线所存在的，在明线遇到冲突时补充解决方法（从一开始的妈妈代替演员，到中间女儿直接补完中断的剧情，都是起到一个化解冲突的作用），明线提供笑点，暗线推动剧情发展。

而最终，两条线在电影最大的冲突点，即直播将要结束之时汇到一起。

已经上头的父亲面对要求随意解决机位的制作人爆发了，女儿明白父亲也是真切想拍好电影的心意，也凭借着她幼时与父亲的经历找到了解决方案，在让电影完成拍摄的同时，也完成了与父亲的和解。

这是电影在剧作上的亮点。

另一方面，还有一个值得关注的细节：在电影拍摄的过程中，剧组各方是纠葛不断的，不管是诸多意见的男一号，还是向父亲施压的制作人。

但到了最后一个镜头，所有人合力搭起了人肉机架，坚持到直播结束——然后他们都疲惫不堪地，在笑。

这个过程中，遇到了太多的突发状况与麻烦，有太多的争吵与矛盾，但到了电影杀青的那一刻，大家都在笑。

我想起自己在一次端午假期的时候有去过学姐的剧组（天台戏）帮忙做录音，五月的深圳日光毒辣，两天下来我被晒成了红色。

但是我的心情还是比较愉快的——因为拍电影是一件会让人热爱且沉醉其中的事。

讨论完剧情，我们回到最开始的长镜头。

我很喜欢长镜头。

原因大抵是因为，拍摄一条优秀的长镜头意味着剧组全体人员的高度配合，过硬的运镜水平以及周密的机位及构图设计，很多时候还需要加上一些运气的成分。

（这里是否要cue一下毕赣？

）不过在《摄影机不要停》中，它并没有给我们展现一条优秀的长镜头：能把人晃吐的手持、莫名其妙的尬演、还有将镜头对准上楼梯的女主角的屁股（这样真的没关系吗导演！

）……电影开头呈现的这段37分钟的长镜头就观感而言实在称不上好，甚至可以说是“长镜头劝退教科书”级别的糟糕。

但当导演告诉我们，这是一个戏中戏的设定时，一切就变了：这条长镜头的全部纰漏都被补上了，它的一切不足都可以被归咎到状况百出的拍摄现场，也就可以理解成刻意而为的设计——换言之，它是一条完美的长镜头。

这是取巧，没错，但除了取巧，我看到的是对电影的热爱。

没有成本（不到18万人民币）、没有卡司（演员几乎都是十八线）、甚至没有技术——我们只是普通人，没有杨索或是卢贝兹基那样的惊世之才，但我们还是可以用自己的方式，拍下影史留名的长镜头，告诉观众，即便是普通人，也能够拍出伟大的电影。