寻色中国

陕北高原的红，是镌刻在黄土地上最浓烈的生命宣言。

深秋的寂寥中，汪勇人用剪刀在红纸上勾勒出 “老鼠嫁女”“抓髻娃娃”，将对生命繁衍的渴望、对美好生活的向往，化作一幅幅炽热的剪纸。

红色不仅装点了乡村婚礼，更成为陕北人对抗贫瘠的精神旗帜 —— 在土地的沉默里，这抹红是不屈的呐喊，是用双手与命运较量的勇气见证。

贵州苗寨的靛蓝，是流淌在民族血脉中的文化密码。

蓝草浸泡、石灰沉淀，苗族人将迁徙的历史、与自然共生的智慧，染进每一块布料。

蜡染图案里，先祖的故事化作具象的图腾，靛蓝色的衣袂间，藏着没有文字的史书。

当寨老举起靛蓝旗幡，那不仅是色彩的集合，更是族群记忆的延续与精神力量的凝聚。

新疆阿勒泰的五彩花毡，是丝路文明碰撞出的鲜活画卷。

草红花的艳丽、地衣的质朴、靛蓝的深邃在此交融，哈萨克人用羊毛编织出夏日草原的繁盛。

阴阳对拼的纹样中，东西方染色技艺共生，骆驼掌、羊角的图案里，写满游牧民族对多元文化的包容与接纳。

这些色彩不仅装扮了冬屋，更成为丝路文明互鉴的生动注脚。

潮汕灯笼的暖黄，是维系家族与故土的情感纽带。

银朱粉调配的朱红，桐油浸润的暖黄，让灯笼褪去单纯的装饰功能，成为流动的 “家族名片”。

正月十五，灯笼上的郡望标识亮起，照亮的不仅是街巷，更是潮汕人对根脉的追溯、对亲情的眷恋。

在现代社会的浪潮中，这抹暖色始终牵引着游子，成为文化认同的永恒坐标。

这些从土地生长出的色彩，超越视觉层面，化作不同地域的精神图腾，它们共同编织出中华民族的文化肌理，让我们在斑斓中触摸文明的温度，找到精神的原乡。

在历史的长河中，男性主导的叙事往往占据着主流，女性的故事常被隐没在岁月的尘埃里。

而《寻色中国》第三集《她的色号》，却独辟蹊径，从女性视角出发，为我们展现了色彩与文化相互交织的奇妙画卷，揭示了女性如何借色彩满足内心的种种诉求。

高原姑娘白玛脸上的赭红色“安达”，这种抵御高原的强紫外线的实用需求，被赋予了更多意义。

食物中的美拉德反应带来的快乐，让“安达”超越了单纯的防晒功能，牧女们用它妆点面容，在有限的生活空间里创造美，展现出对自我独特性的追求。

在唐代，“赭面”从吐蕃传入长安，引发贵妇们的模仿热潮，尽管也遭受士大夫的质疑，但这一现象足以证明色彩在女性群体间跨越阶层传播美的力量。

千年之后，它又成为时尚潮流，历经时光洗礼仍散发着独特魅力，体现了女性对美的执着追求和色彩背后文化传承的坚韧。

翠色从战国时期就用于制作装饰，发展到“点翠花”工艺，成为古代女性高贵身份的象征。

满头珠翠的装扮，是女性对自身地位和美的一种彰显。

随着时代变迁，它虽褪去了身份规制的束缚，却在戏曲舞台上找到了新的生命力。

像李振福师傅这样的手艺人，传承着制作戏曲盔头的技艺，让翠色成为戏曲艺术中灵巧与美的代表。

翠色的转变，体现了女性在不同文化语境下对美的创新诠释，以及文化传承过程中色彩内涵的丰富与演变。

苏杭地区的罗，凭借独特的“绞经”结构，为女性构建了一个朦胧的美学世界。

洪桂贞阿姨传承的杭罗制作工艺，让罗的柔软轻薄、透气孔隙与色彩相互交融。

光在罗的丝线间散射，让色彩变得朦胧而富有诗意。

苏杭织娘用花楼机织出的暗花、妆花，为女性服饰增添了光影层次。

女性穿上罗制服饰，如同隔帘看月、隔水看花，借这种若隐若现的美，实现了对含蓄、诗意之美的追求，也契合了中国传统艺术讲究的虚实、藏露、留白审美。

《寻色中国》是当代人了解中国色彩体系的入门必看，《她的色号》深刻揭示了传统工艺与女性文化传承的紧密联系。

每一种色彩的运用，都是女性在特定历史文化背景下，满足实际需求与精神追求的智慧体现。

色彩不仅装饰了女性的外表，更成为她们表达自我、传承文化的独特语言，在历史的长河中留下了浓墨重彩的一笔，让我们看到了女性在文化传承中的重要作用和独特魅力。

以色彩为笔，绘就了一幅跨越千年的东方美学长卷。

陈晓卿团队继《舌尖上的中国》之后，再次以纪录片为媒介，将镜头对准中国传统色谱，用六大主题色系（如“煌煌国色”“她的色号”“我见青山”）串联起历史、文化与生活的深层对话。

影片不仅是一场视觉盛宴，更是一场文化寻根之旅——帝王之色如何融入民间烟火？

女性如何借色彩打破刻板叙事？

青花瓷的古典韵味如何在暖光中重生？

这些问题被细腻的镜头语言与创新的动画技术一一解答，让古籍中的“玄”“柘黄”等传统色名跃然眼前。

导演陈晓卿将团队定位为“故事的糖衣”，用沉浸式体验与戏剧化表达赋予色彩以温度与灵魂。

从茅台酒瓶的“鞠尘”色到校园建筑的传统色谱，影片更揭示了传统色在现代的焕新可能，让尘封的文化瑰宝“从博物馆走进生活”。

正如片中所言：“眼里有光，心中有色。

”这部纪录片不仅是东方美学的解码器，更是一份对文化传承的深情致意，值得每个渴望触摸传统脉搏的观众细细品味。

插图 | 鉴片工场 ©《寻色中国》作者 | 张力卜陈晓卿的镜头总能在烟火气中掘出史诗感。

从《舌尖上的中国》到《寻色中国》，他始终是位手持显微镜的考古学家——前者剖开食物的肌理寻味文明基因，后者则以色彩为手术刀，直抵文化记忆的骨髓。

当工业化的颜料桶倾倒出千城一面的“标准色”，这位导演用近乎偏执的镜头语言，在褪色的年画、斑驳的砖墙与窑变的釉色中，打捞起中国人骨血里流淌的色谱密码。

当镜头扫过陕北窑洞褪色的门神年画，朱砂红与松烟黑早已在时光里搅成一团混沌的灰。

这个充满诗意的开场，像一把钥匙，打开了陈晓卿导演在《寻色中国》中精心设计的色彩迷宫。

这部纪录片看似在记录中国传统色彩的消逝与重生，实则用镜头作解剖刀，剖开了当代中国的文化焦虑——当工业文明的标准化浪潮席卷而来，那些藏在色彩里的文化密码，该怎样安放？

色彩里的时间胶囊在河西走廊的丹霞地貌前，摄像机像地质学家的工作笔记，一帧帧记录着赭红色岩层的年轮。

这种近乎偏执的显微式记录，突然在甘南唐卡作坊里找到了答案——当画师研磨孔雀石时，飞扬的粉末在阳光里折射的光谱，竟与岩石里的矿物元素完美呼应。

原来人类最早学会的“调色”，不过是在模仿大地的颜色。

闽南沿海那些被海风啃噬的红砖厝，墙面褪成独特的胭脂色。

导演的镜头突然化身成分检测仪，把百年老墙拆解成糯米浆、牡蛎壳粉和红壤土的配方。

这种“土味调色法”在现代化工涂料面前显得笨拙又倔强——流水线上整齐排列的“中国红”色卡，永远调不出海风侵蚀造就的斑驳质感。

最动人的对比出现在皖南宣纸作坊。

青檀树皮经过三年日晒雨淋才漂出的月白色，在化工漂白剂面前像个羞涩的村姑。

老师傅捻动纸浆检验纤维时，布满皱纹的手指与纸浆纹理在镜头里交融，仿佛在说：有些颜色，只能用时间慢慢酿出来。

色彩战争：土味审美VS工业标准湘西苗寨绣娘口中的“鹭鸶白”、“鸡冠红”，在潘通色卡面前成了需要翻译的方言。

当设计师试图用数字色值还原苗绣配色时，那些祖传的“脏色”搭配突然失去了灵魂——就像把山歌转写成五线谱，调子对了，味道却跑了。

北京郊区的油画村上演着更魔幻的现实。

流水线画工批量生产的“梵高黄”被贴上“出口欧洲”的标签，这些颜料堆砌的《星月夜》漂洋过海，成了欧洲古镇咖啡馆的装饰背景墙。

但某个午休时分，工人们用丙烯颜料临摹《千里江山图》的场景，却意外戳破了文化输出的荒诞——荧光色的青绿山水，倒像是传统山水画穿越到赛博朋克世界。

景德镇的窑炉成了东西方较量的战场。

德国化学家架起光谱仪分析宋代天青釉，中国匠人却盯着窑火颜色调整烧制时间。

当监控屏上的光谱曲线与老师傅的“火候口诀”正面碰撞，开窑瞬间的窑变效果，像极了文化翻译中的“美丽误会”。

数字时代的色彩幽灵大航海时代的外销瓷章节，揭开了最早的“全球化审美”伤疤。

欧洲贵族定制的“墨彩描金”餐具上，山水纹样在钴蓝与金粉的冲撞中扭曲变形。

这种文化混血儿，如今却被供在博物馆里，成了“跨文化对话”的活标本。

历史的玩笑总是带着苦涩的余味。

敦煌壁画的数字化工程，则上演着科技与传统的哲学辩论。

当扫描仪将千年氧化的色彩还原成初始RGB数值时，那些因时间沉淀形成的独特色调反而成了“错误”。

技术团队最终妥协的“半真半假”修复方案，像极了我们这个时代的文化困境——用数字代码重建的记忆，还算不算真的记忆？

影片结尾的城市色谱热力图，把北京胡同的灰调与深圳的霓虹装进同一个坐标系。

当卫星遥感将城市色彩变成跳动的数据流，我突然想起开篇那些手染布料的老人——他们颤抖着手调出的颜色，此刻正在云端以另一种形式永生。

在实验室的镜头里，分光光度计扫描故宫琉璃瓦的光谱曲线，逐渐幻化成紫禁城的四季光影。

这个充满科幻感的转场，暗藏着导演的终极隐喻：当色彩被分解成数据、被包装成商品、被争论成政治，那些流淌在我们血液里的色彩记忆，正在完成一场数字时代的基因突变。

《寻色中国》的镜头语言始终保持着克制的诗意，就像老匠人调制传统颜料时的神情——既清醒地知道有些颜色终将逝去，又固执地相信有些东西永远不会消失。

当工业颜料染红整条河流时，总有人在某个角落，用最笨的方法守护着最初的色彩密码。

以色彩作画笔，勾勒出一幅绵延千年的东方美学长卷。

继《舌尖上的中国》后，陈晓卿团队再度以纪录片为载体，聚焦中国传统色谱。

以 “煌煌国色”“她的色号”“我见青山” 等六大主题色系为线，串联起历史、文化与生活的深度对话。

这部影片不只是视觉上的盛宴，更是一趟文化寻根之旅。

帝王之色怎样融入民间日常？

女性如何借色彩打破固有印象？

青花瓷的古典韵味如何在光影中重焕生机？

细腻的镜头语言与新颖的动画技术，为这些问题逐一作答，让古籍里 “玄”“柘黄” 等传统色名鲜活呈现。

导演陈晓卿把团队比作 “故事的糖衣”，借沉浸式体验与戏剧化表达，赋予色彩温度与灵魂。

从茅台酒瓶的 “鞠尘” 色，到校园建筑的传统色调，影片揭示了传统色彩在现代社会的焕新可能，让尘封的文化瑰宝 “从博物馆走向生活”。

正如影片中所说：“眼里有光，心中有色。

” 这部纪录片既是东方美学的解读密钥，更是对文化传承的深情献礼，值得每一位渴望探寻传统脉搏的观众细细品味。

《寻色中国》的第二集以“神颜莫测”为主题，犹如一把精妙的钥匙，开启了探寻中国传统文化与神灵崇拜间隐秘关联的大门。

这部纪录片以独到的视角、精湛的叙事和细腻的影像表达，将不同地域色彩背后的文化密码与神灵信仰巧妙交织，让观众在色彩的海洋中，领略到华夏文明多元而深邃的魅力。

在云南大理，黑色不再是单纯的视觉符号，而是被赋予了与神灵对话的神秘使命。

李红莺和张瑞龙一家，以世代相传的手艺为墨，以虔诚的信仰为笔，书写着对生活的美好祈愿。

这种色彩的转变，是文化融合的生动注脚，更是人们对未知世界敬畏与探索精神的深刻体现。

甘南高原的青金石色，宛如天际最纯净的蓝，被赋予了“佛头青”的尊贵之名。

在唐卡画师桑杰的笔下，这种颜色不仅是艺术的表达，更是精神力量的象征。

它代表着对理想世界的无限向往，对至高精神的虔诚追求。

降真香色则是大自然与人文智慧的完美结合。

黎族织娘们用降真香染就的黎锦，色彩独特且散发着迷人的香气。

在黎锦的经纬之间，流淌着黎族人对自然的敬畏、对生活的热爱，以及对信仰的执着坚守。

而福建德化的白色瓷器，则以一种极致的纯净与宁静，诠释着另一种精神境界。

许成全大师的白瓷作品，不仅是色彩的极致表达，更是内心纯净与宁静的象征。

其实真正的美，有时并不代表着色彩的繁复堆砌，而在于心灵的澄澈与超脱。

《寻色中国》以色彩为线索，串联起不同地域的神灵崇拜与文化传承。

从火焰中诞生的神秘黑色，到天空般纯净的青金石色；从棉线上沉淀的降真香色，到瓷器中流淌的纯净白色，每一种色彩都承载着丰富的文化内涵，讲述着华夏文明多元而精彩的故事。

真正的文化传承，不仅是对传统的守护与铭记，更是将传统融入现代生活，让它们在新的时代中焕发出更加璀璨的光芒。

在色彩与神灵崇拜的交响中，我们仿佛能听见华夏文明的心跳，感受到源源不断的生命力与创造力。

《寻色中国》第三集以女性与颜色的对话为核心，通过赭红、红花红、翠色这三种色彩展开叙事。

在念青唐古拉山脚下，赭红色妆容的啫面勾勒出高原女性独特的生命美学；寒冬中绽放的红花，其强光下产生的荧光物质诉说着红花颜色掩千色的视觉震撼；保定戏曲盔头匠人手中流转到翠色延续着传统工艺的魂魄；而杭罗织造技艺则让千年绞经工艺重获当代呼吸。

以创新的拍摄语言将色彩抽象化、立体化，这些色号既是文化符号，更是女性自我表达的宣言，在时空经纬中织就了一幅流动的视觉史诗。

#寻色中国

一直都很喜欢看陈晓卿导演的纪录片，很平凡很真实的记录，看《寻色中国》让我感受到了平静和充实，并且总是会被纪录片中的人物及其所做的事情而感动，受到激励：每个人的生活都是一曲最美的赞歌！

里面的色彩真的很美，很治愈，陈晓卿的声音也很好听，沉稳沧桑；看完纪录片后总是会受到启发：有时候是纪录片中的一句台词，有时是人物的经历和对生活的态度，记录就是一种力量！

把文字之外的文明穿戴在身上。

用色彩实现对美的理解和表达。

成为自己是一场有些孤独的远行，幸好还有色彩，做她最亲密的旅伴。

色彩和诗歌一样是无法准确翻译的。

色彩留下了中国人的精神山水。

色彩是是心理活动，是情绪，是记忆。

故土、地域、家族，在乡土中国是脐带般的存在，他让每一个呱呱坠地的个体，找到命运相连的家人。

现代性将人打散成孤立的原子。

陈晓卿导演的又一部中国人文题材的大型纪录片。

片子聚焦中国传统色彩，并透过色彩探寻中国社会宗族、城市、历史、美食、记忆、传统、传承、文化遗产等方方面面中蕴含的珍贵底色。

片子兼具了陈晓卿导演《舌尖上的中国》系列，《风味人间》系列的优良特质，讲色彩不局限于色彩本身，而是透过色彩去追寻见证和记录色彩背后的人文故事及人性温暖。

温馨而不枯燥。

同时这部纪录片的制作规格相当高，每一帧都堪称大片。

很多现代性的拍摄技巧，比如慢动作、三维制作、潮流海报等等叫不上名字的技术和特效加持，让这部片子既梦幻又现代，既传统又开放。

这类大而泛的片子本不好拍摄，但这部纪录片通过每一集一个主题共六集，展示了中国色彩的恢宏大气、惊艳绝伦和传承有序。

片子由陈晓卿导演亲自配音，既有亲和力又有感染力。

解说词娓娓道来，金句频出，让人忍不住想回看琢磨和摘录。

唯一觉得缺憾的是，是否因为传承的原因，纪录片的大部分篇幅聚焦在南方以及藏族地域，北方的篇幅相对较少。

跟随《寻色中国》的镜头穿越祖国的大江南北，在一抹抹独特的色彩中，窥见中华文化的深厚底蕴与无限创造力。

紫胶虫染色、琉璃的北魏蓝、青铜器的铜绿色，还有朱仙镇年画里的紫色，这些文化传承的生动注脚，共同拼凑出了一幅丰富多彩的文化拼图。

紫胶虫染色，这一源自云南佤族的传统技艺，不仅展示了佤族人民对自然的敬畏与利用，更成为了他们文化传承中不可或缺的一部分。

紫胶虫这一小小生物，在佤族人的手中化作了绚烂的红色，承载着他们对太阳的崇拜与向往。

这种色彩背后的文化基因，如同一条隐形的纽带，将过去与现在紧密相连，我们在现代社会中依然能够感受到那份来自远古的温暖与力量。

而琉璃的北魏蓝，则是魏晋时期东西方文化碰撞融合的见证。

在那个风起云涌的时代，北魏蓝以其独特的色泽与质感，成为了时代创造力的缩影。

它不仅仅是一种颜色的呈现，更是东西方文化相互借鉴、共同发展的结果。

这种色彩，让我们感受到那个时代的开放与包容，以及人们对美好生活的向往与追求。

青铜器的铜绿色，则承载着人们对时间与器物关系的独特审美。

当这些古老的器物从地下重见天日时，它们身上的铜绿色仿佛在诉说着岁月的沧桑与变迁。

这种色彩不仅仅是自然侵蚀的结果，更是人与器物相互摩挲、携手走进苍老的见证，让我们在欣赏青铜器之美的同时，也能深刻体会到时间的价值与意义，以及人们对历史的尊重与传承。

而朱仙镇年画里的紫色，更是突破了传统五色的秩序，反映出民间审美对色彩运用的创新。

紫色，在戏台上属于身份华贵、性格沉稳的角色，但在年画中，它却以一种跳脱的姿态出现，成为了民间审美中的一抹亮色。

这种色彩的运用，将民间工匠们的智慧与创造力展现得淋漓尽致。

我们在欣赏传统之美的同时，也能感受到民间文化的活力与魅力。

《奇色何寻》通过一抹抹独特的色彩，为我们展示了一个丰富多彩的文化世界，让我们在欣赏美的同时，也能深刻感受到中华文化的博大精深与源远流长。

《寻色中国》是一场跨越时空的视觉盛宴，更是一次心灵的洗礼与升华。