犬之岛

这大概是猫奴被黑的最惨的一次。

美国人对外国的认知通常都很肤浅，英国“名媛”Quentine Crisp曾经说过（大意）：“美国人很有意思很善良，他们对我们英国人的认知比较片面，是好的那种”。

如果把这句话套在美国人对亚洲人的认知上，那么则是美国人眼中的东亚，基本处于混沌的状态，而这种混沌的状态在艺术品或者影视作品上可以用Orientalism，东方主义来概括。

西方艺术对Orientalism的认知有多糟糕看看前几年大都会Met Gala镜花水月那一次红毯就够了。

至于好莱坞拍的亚洲题材电影，我几乎没一部看得顺眼的，包括很多人喜欢的《末代皇帝》、《艺伎回忆录》。

我非常不喜欢亚洲人、尤其是中国人的故事被西方人那种“殖民主义色彩”的滤镜所改编，更不喜欢中国人的性格被好莱坞那一套带有商业体系所诠释，这不是我们中国人讲故事的方法（这并不意味着我赞成用“成王败寇”这一套来诠释所有中国历史）。

如果我们把片中的“狗”不当做动物，而当作一种有和人平等生存权利的物种来看。

说得直白一点就是片中“狗”作为一种叙事载体，是有“人格”的。

那么《犬之岛》到底想讲什么？

我们先来思考一个问题，什么样的狗可以被称为是“一条好狗”？

对于阿塔里而言，听话的狗就是好狗。

对于狗而言，这一条依然成立，听话的狗才是好狗。

像“国王”“公爵”，都是听话的狗，每天被主人养着吃好喝好；像“领袖”这样，不听话的狗，原先只能是流浪狗，每天捡垃圾吃，没有女朋友。

那我们再来思考一个问题，阿塔里需要的是怎样的狗？

他需要的是当护卫的狗，需要的是“仆之犬”，他需要的不是宠物狗，也不是当“狗领袖”的狗。

那对于“领袖”这样不听话的狗，阿塔里的对策是什么呢？

驯化之。

想通了这几个问题，《犬之岛》的主题就昭然若揭了，阿塔里不是狗的救世主，他对狗的呵护是建立在狗“被驯化”的基础上的。

阿塔里是新一任的独裁者，领袖是新一任被驯化的狗（人），狗的世世代代，就是应当被驯化的，人所要做的，就是驯化世世代代的狗——这就是电影对日本乃至亚洲文化的认知，这讲的故事还不如看韩国大选刺激。

片中对日本社会的隐喻则是，在野党是鸡肋（最初被干掉的科学党党人），日本女人没有战斗力（科学家助手），普通民众都是随波逐流的选民（今天恨狗，明天爱狗），政治家都是外强中干（小林市长还搞不过他家管家……）。

真正有战斗力的是政治家二代、美国乡下来的小姑娘（局外人）、还有那个片头传说中砍了小林家首领头的少年。

至于砍了头的少年，在正片中的映射我觉得不是阿塔里，而是潜伏在男厕所里面当黑客的那个人，要不是他垃圾岛上的狗狗才真的会挂…… 确实，二战时候日本确实是军国主义，可现在还是么？

现在你和宽松世代平成废柴的日本青年说他们是军国主义他们发个软萌表情包否认的可能性比较大…… 《犬之岛》就是一部这样的电影，一部拍给美国人看的虚有其表内核无法自圆其说的东方主义电影。

他的美术很出色，处处可见的日本美术元素，与动画片的风格融合得非常好（当然比镜花水月好多了，说实话要比那个更烂也只有关晓彤的设计师出手了）。

但这部电影确实是我讨厌的好莱坞电影类型，我反正实在是不喜欢看到电影里面好好地流浪狗为什么非得被驯化当保安狗？？

日本社会为什么一定要来个俄亥俄州话都不会好好讲的白人妹子来救？？

总之不要带小孩去看这种主题绝望的电影就对了……还不如看《冰雪奇缘》呢，至少里面还有出柜指南这种实用技能可以学习一下……

安德森习惯用他脑海中的色彩和细节来填充他电影的角落，在他这部《犬之岛》中，安德森基本把日本文化吃透了。

文 | Lorenzo 编辑 | 奎因 首发于《南都周刊》公众号《犬之岛》在狗年放映的意义非凡，因为这部电影是一部纯粹的以狗的视角展开、完全关于狗狗的电影。

在狗年看这样的一部高分好片，对爱狗人士来说实在是一种莫名的享受。

如果你恰好也是一个韦斯·安德森迷，那就更不应该错过这部电影。

安德森的电影一般来说都有强烈的个人风格，他特别喜欢构筑自己脑海中的虚幻世界。

这一次在《犬之岛》中，他就在日本虚构了一个叫Megasaki未来城市（这个城市的名字是根据长崎Nagasaki变化而来），且让故事围绕在一个叫Atari的日本男孩以及他的狗之间展开。

因犬流感爆发，Megasaki市市长——Atari的父亲决定将所有病狗投放隔离于孤立海中的垃圾岛，其中就包括了Atari的爱狗。

为寻找爱狗，Atari只身前往垃圾岛，且与五只性格各异的狗成为伙伴，开启了一场充满冒险和颠覆的旅程。

因为寻狗牵动了市长的禁狗令，一场试图颠覆政权的学生运动也悄然酝酿，伴随着犬之岛上惊心动魄的旅程，最终合二为一，揭开了这场禁狗运动背后的真相。

《犬之岛》这部电影精彩的最大体现，在于安德森独特的视觉风格呈现。

自《狐狸爸爸》起，几近对还原细节抱着偏执的安德森就试图用眼花缭乱的艺术细节轰炸观众的眼球，这在他后期一点的作品《月升王国》有极多体现，而在最近的《布达佩斯大饭店》里则达到顶峰。

大家一定不会忘记《布达佩斯大饭店》里那些粉色的蛋糕盒子以及雪山上奇谲的瞭望台，还有酒店浴室里那精雕细琢的中欧雕饰。

安德森习惯用他脑海中的色彩和细节来填充他电影的角落，在他这部《犬之岛》中，安德森基本把日本文化吃透了。

电影里时而出现的日本画多数参考了19世纪浮世绘雕版印刷画家葛饰北斋和歌川广重的作品，而电影开场和结束的日本太鼓，《七武士》和《迷醉天使》的原声引用，不断将观众带入日本氛围。

至于在片尾为Spots立的雕像，则让人不禁联想到东京涩谷的忠犬八公像。

在安德森的雕琢后，观众眼中的Megasaki市已可乱真。

除了美学上的造诣独特，《犬之岛》还有一个出奇制胜的法宝，就是开启了独特的狗之视角。

电影一开始就先给观众普及了狗乃神也的神话，之后则大笔一挥，直接告知狗语已经被翻译成人语，将以英语形式播报，而日语则字幕都没给一个。

于是狗们之间的对话被我们熟知的大牌影星们寄情，例如爱德华·诺顿，《绝命毒师》里的老白，女神斯嘉丽·约翰逊和蒂尔达·斯温顿，妙语连珠赋予了狗狗们不同的性格和特点：Chief勇敢忠诚，Rex温良正义，Nutmeg性感美丽，Oracle智慧过人，狗狗们的性格恰好和演员的形象形成互文，这一点真是妙不可言。

而当观众不自觉带入了狗子视角，狗狗们做的一切疯狂举动都变得理所当然起来。

安德森给了我们这一架万花筒，去洞悉了狗狗们的心理世界，然而又抛给我们一个悲凉的现实，原来在狗狗的眼里，人类因贪婪而生的权力斗争，是这样的失心疯狂，徒劳无功。

许多人都试图从《犬之岛》里去找政治隐喻，希望找到安德森的创作意图。

有人说可能是对战争的反思，毕竟长崎就是一个被二战毁过的城市。

有人说可能是对党同伐异的鞭笞，Megasaki市长因为自己是猫奴就对狗狗们痛下毒手，类似于曾经纳粹对犹太的赶尽杀绝。

还有人说可能是对黑白颠倒的无常政治的讽刺，最终狗狗们当家作主而猫奴和猫咪们都又沦为了阶下囚，新的政权轮替似乎并未给世界带来任何改变。

笔者认为以上三点可能都对，也可能都不对。

诚然这部电影是安德森最政治化的电影之一，相比于《狐狸爸爸》的小人物对抗强权，《布达佩斯大饭店》里在战争里保护艺术品，《犬之岛》走得更远，直指政权更迭和种族主义。

熟悉安德森电影的观众应该都知道，他的电影大部分还是成人童话，故事的结尾永远是真善美的。

安德森讲求的是以虚代实，他醉心于描摹他脑海中的幻想世界，希望观众能够进入他的童话王国，和他一起走过一段奇幻旅程。

政治元素的引入，可能只是他的叙事需要，也可能只是他基于经验和感悟的抒发，却绝不是他电影的主旨。

有意思的是，安德森本人就是个有点强迫症和处女座及其在乎对称美学的宅男，在关于《犬之岛》的多个采访中，讲了半天也没讲清楚电影里头的政治含义，估计他自己本人根本也没打算搞明白，只是希望讲好一个故事，让观众自己去体会。

而这也是为什么，看安德森的电影永远这么轻松，永远不用担心现实世界是否已经风雨飘摇。

政治诉求在安德森的电影里可能不多，爱和友谊在他的电影里可是比比皆是，这部《犬之岛》当然也在其列。

2016年安德森之妻诞下一女，69年生却有着不老童颜的安德森中年得子，这部《犬之岛》在这个时候诞生，想必是饱含着他作为父亲的喜悦和爱意。

于是我们可以在电影里看到Atari想念爱犬时眼冒泪花，也能看到Chief被喂了饼干洗澡后泪流满面。

影迷们对安德森的评价都很高，都喜欢他独特自成一派的电影风格。

然而有风格的导演不少，如此成功且如此吸粉的却很少。

影迷如我，活在安德森的时代是幸福的。

【超超超严重剧透警示！

请在看完电影后浏览此影评】看过《犬之岛》的都知道，片中的日本政权分为了犬猫两派时间线设置为20年后的日本由猫派当道的小林市长执政那么问题来了为什么自古猫犬不合的猫派市长小林定人会送养子阿塔里一只护卫狗呢？

（此处闪回）电影开头给我们铺垫了背景故事，值得注意的是，故事中提到猫派出现了一个叛徒──少年武士，帮助犬派获救小林市长就代表着现任猫派中的一个“武士”（细节:电视采访一结束，就立马和抱着的猫分道扬镳，说明其根本就不爱猫，只是逢场作戏）可惜猫派私底下其实被管家所操纵（细节:管家对阿塔里触碰市长送的点点的行为感到怒气冲冲肆意呵斥，以及后面敢于和市长叫板可见其身份的不一般），小林定人只是作为有着小林家的正统血脉的傀儡市长而存在，心有余而力不足只好暗中培养自己的养子阿塔里成为新的“少年武士”，安排了一只狗在他身边美名其曰护卫狗，避过管家的耳目。

那么问题又来了为什么市长后面要将犬类赶尽杀绝呢？

（进度条拉到最后）阿塔里率垃圾岛众狗来到大礼堂演讲完毕后，画面聚焦在市长的脸上刚开始眼睛是像猫眼一样，后来逐渐恢复正常众狗、人厮打在一起之后市长周围莫名地出现了五只猫（细节:没有猫中途加入群架的画面，市长这种不爱猫的人也不可能随身携带猫）在日本传说中，猫经常有着蛊惑人心的功能可以预想得到，市长过去也曾“反抗”过，最后失败为了便于操纵，管家以猫蛊惑之霍乱的猫经过一阵乱打被逼走，市长就完全恢复了正常如果你还有些许印象的话，肯定会记得市长受到阿塔里演讲的触动，眼睛恢复正常之后，闪现了不少画面出来其中就包括少年武士戏剧的画面这可以作为一个小林定人是猫派“武士”的暗示紧接着就是各种虐待狗狗、人与狗和谐相处的画面出来小林市长身在猫营心在犬蛊惑暂时解除之后，一想到自己做了那么多伤害犬派的事情，就流下了后悔的眼泪毅然决然地解除了垃圾岛的禁令

管家露出獠牙后被有所准备的犬派所击败小林定人将自己的肾移植给奄奄一息的阿塔里是一种传承，意味着阿塔里要完成小林定人未竟的犬业电影的最后，小林市长、管家锒铛入狱，阿塔里作为唯一的继承人，顺理成章地成为了新市长一切看上去都很美好又成了一个happy ending但其实暗示了另外一个政权的极端阿塔里在管家暗中操纵的市长家里，接受的是一对一的精英教育，但同时被犬猫两派所左右，被两派的思想所影响，扭曲了自身的价值观。

虽然仍有着小孩子的稚嫩，但已展露出些许阴暗面。

独自开飞机登垃圾岛是胆识身高不够，仍登滑梯是独断、激进和野心上岛后边放军歌边嚷嚷“从今往后，你们都是我的狗了。

”（登岛后阿塔里吧啦吧啦一大段日语中的一句话的大意）则是霸权的象征在观影途中，我们能够很明显的感觉到阿塔里对狗的态度以及和狗关系的怪异之处。

唯一不服阿塔里的首领在被阿塔里吹口哨、扔棍子、洗澡、吃狗粮等行为驯化之后变成白毛，意味着自由派被犬派所体制化，并因此拥有了一个新的且有头有脸的身份──前守卫犬的弟弟、现任守卫犬，和阿塔里以上下属关系存在，而不是我们所认为的朋友。

片中多次响起的《七武士》配乐令人联想到《犬之岛》和《七武士》的异曲同工之处七武士帮助农民打山贼，最后损失惨重七武士中的勘兵卫叹息“农夫赢了，我们输了。

”狗狗们帮助犬派打江山，最后仍是人类的附属品而前任护卫犬、代表着犬中觉醒派的点点，因为与犬派首领阿塔里立场对立、理念不同，且无法再次被驯化被囚禁在神社地下，隐藏死因，立碑当作“为犬派的伟大事业而献身的英雄”意像，而苟活着自己的一只幼崽则被阿塔里抱走，亲自抚养，培养心腹，为下一代的护卫犬做准备何尝不是另一种“武士”的悲怆？

《七武士》剧照阿塔里统治数年后的光景可想而知，又会是一场像猫派那样的政治轮回。

《布达佩斯大饭店》上映四年之后，韦斯·安德森又带来了新的作品《犬之岛》。

《犬之岛》不仅延续了韦斯·安德森一贯出色的摄影、构图、色彩、配乐，剧本同样也十分优秀，可以说是画面与故事的双重享受。

《犬之岛》与2009年的《了不起的狐狸爸爸》有异曲同工之妙，都是充满童真与隐喻的“成人动画”。

不同之处在于，以往的动画片即便是人与小动物的故事，绝大多数仍然以人的视角出发，主角仍然是人；而《犬之岛》除了同声传译的部分之外，其它时候都只有狗狗说话有字幕，而人类说日语的时候是没有字幕的。

换言之，狗狗听不懂人类在说什么，观众也听不懂人类在说什么，只能去猜（除非你能听懂日语）。

于是，观众与狗狗扮演了相同的角色，《犬之岛》也从而真正做到了从狗狗的视角出发。

这一次，我们真正意义上的“成为”了狗狗，去感受它们的思想、理解它们的行为、体会它们的内心。

这一次，狗狗也真正意义上的成为了主角，而不是人类，这是非常显著的创新。

以前我们总是说“你看那个人，好像一条狗”，如今我们也可以说“你看那条狗，好像一个人”。

如果我们将《犬之岛》与以往的动画片相对比，那么《犬之岛》的高明之处就显而易见了。

2016年，照明娱乐出品的《爱宠大机密》就是一个典型的例子。

电影通过搞笑、卖萌两种手段在全球顺利席卷8.755亿美元的票房，但剧本却非常差。

电影围绕狗狗麦克、狗狗杜老大争宠而展开，它们为了获得主人的宠爱你争我斗、争得面红耳赤。

更为可笑的是，电影中态度最强硬、性格最凶狠、以打败人类为己任的兔子小白，竟然被一个小女孩驯服。

这部电影中，动物只是人类的宠物和玩物，而人类则是宇宙中心，动物纵然是七十二变、一个跟头十万八千里，也翻不出人类的手掌心。

整部电影都传达着这样的思想：动物是离不开主人的。

这样的电影都能在豆瓣获得7.5分，《犬之岛》得到8.6分绝非过誉。

反观《犬之岛》，号召人类与狗狗平等，提倡“狗权”，才是真正的尊重狗狗，才是真正做到了“狗狗是人类的朋友”。

因此，《爱宠大机密》、以及同类电影是给小孩子看的，而《犬之岛》是给大人看的。

这也是为什么片方发布观影指南，称这不是一部合家欢电影，适合12岁以上观众观看。

《犬之岛》中，君主、公爵、老板、国王四只狗自愿接受阿塔里的驯服，唯有点点和首领例外。

点点曾经发誓永远保护阿塔里，但在拥有了自己的家庭后忍痛与阿塔里分道扬镳。

尽管阿塔里费劲千辛万苦来找它，它非常感谢，也非常感动，但它不愿意将回到阿塔里身边作为施舍，或者报答对方的方式，更没有义务当阿塔里的宠物，它有独自选择自己的生活的权利。

这就像是男生为女生做了再多，女生仍然可以拒绝对方。

这是点点自我意识的觉醒，好比《神秘巨星》中的母亲，曾经觉得自己离不开丈夫，但后来她女性意识逐渐觉醒，明白自己其实是完整的个体，并非低人一等，从此决定自力更生。

首领的情况比点点更为复杂，它曾经被领养过一次，但它逃了出来。

它有点像《爱宠大机密》中的小白，但没有那么极端。

首领有独立思考的能力，也有自己的想法。

它不愿意被驯服，也不愿意做宠物。

它很有骨气，它就是它自己，而不是谁的谁。

每当另外四只狗一致决定做什么，首领都不同意，它并非是为了不同而不同，而是有着比其它狗更清醒的头脑、更进步的思想。

比如大家都说，我们必须要爱12岁的小男孩。

首领却表示怀疑：12岁的小男孩，就一定是好人吗？

再比如阿塔里想玩滑梯，首领并没有迁就他。

阿塔里让首领捡棍棒，首领说它捡棍棒不是服从，只是可怜对方。

首领并非阿塔里的玩物，反而是阿塔里身陷危险的时候，它还号召狗狗们来营救对方。

在这个不公平的时代，首领强行将自己置身于与人类平等的位置。

它想要与人类平等，至于能不能实现那是另一回事。

可惜，最终它失败了，仍然被阿塔里驯服。

这样的结局安排非常现实，同时也很黑暗，毕竟努力不一定会成功，付出也不一定有收获。

这就像是哥白尼坚持信奉真理，却被活活烧死。

（真相究竟如何并不重要，只是表达这个意思）至少它曾经努力过了，坚持过了，它就比其它狗狗更加自强自立。

而首领失败的原因，正是人类的“动物只是人类的宠物”的思想已经根深蒂固，首领靠一己之力无法改变现状。

而电影也通过讲述首领始终坚持自我，最终也避免不了被驯服的故事，唤起人们尊重动物、将动物真正当做朋友的意识。

因为只有这样，动物才可能与人类实现相对的平等。

电影开头有个传说，狗狗遭到驱逐，少年武士推翻了小林家族，从此狗狗成为了人类的宠物；而正片事实上也是这个传说的重演，狗狗从驱逐到成为宠物的转变，反而也从自由变得不自由。

这是一个跳不出去的怪圈，它将无限循环下去。

只有人类尊重动物，不把动物当做宠物，才能打破这样的局面。

其实，电影里的狗狗可以换做任何弱势群体或者边缘人物，可以是女性、同性恋、黑人、残疾人、穷人、犹太人等等。

把狗狗换成女性，就是《盲山》；把狗狗换成同性恋，就是《喜宴》；把狗狗换成犹太人，就是《辛德勒的名单》；把狗狗换成黑人，就是《为奴十二年》；把狗狗换成哑女、鱼人、同性恋和黑人，就是《水形物语》……因此，我们可以把《犬之岛》看做是弱势群体通过勇敢反抗、坚持拼搏来获得更好生活的故事。

值得一提的是，狗狗们取得胜利并非是靠特蕾西帮助，这是狗狗们团结一致、靠自己取得的成果。

狗狗们为了争取自己的权利，敢于与机械狗、无人机、人类战斗，敢于反抗，敢于改变命运、改写结局，不正是现实生活中尽管默默无闻也坚持奋斗的人们的真实写照吗？

你看那条狗，好像一个人。

算上《犬之岛（Isle of Dogs）》，韦斯·安德森（Wes Anderson）已经拍了九部长片。

如果从《瓶装火箭（Bottle Rocket）》一路看下来的话，你很容易会发现他的手法并非那么固定，质量也在某个范围内上下波动。

且直到如今这部“狗年大戏”，韦斯仍在“保守地”摸索着自我风格和题材的边界。

俗话说“九九归一”。

那么就借着《犬之岛》上映之时，我班门弄斧来个关于韦斯·安德森的“阶段性总结”吧。

1 韦斯的新浪潮精神在不断地探寻之余，韦斯·安德森当然也有自己从一而终坚守的东西。

纵观其作品，最大的特点不是设计感极强的色彩、道具、构图和镜头运动，而是源于形式背后深深的“法国新浪潮状态”。

这位1969年出生在休斯顿的美国导演，从来就没有避讳过特吕弗、戈达尔对自己的深刻影响。

他高一开始看宝琳·凯尔的影评（一位名声不亚于罗杰·伊伯特的著名女评论家），并在2012年受标准收藏“你的十佳电影榜单”之邀，一口气选出九部自己强烈热爱的欧洲60年代电影。

他在刚拍完第二部剧情长片《青春年少（Rushmore）》后，就被马丁·西科塞斯捧为接班人——虽然二位的作品看上去风格迥异。

老马丁高度评价韦斯的电影“温柔且优雅、有趣而动人”。

Wes Anderson韦斯常常被视作我们这个时代最重要最独特的电影作者之一。

他的创作经历，可以简括为汲取当代电影——尤其是欧洲艺术电影的过程。

而欧洲电影中对他影响最大的，又是法国新浪潮电影。

我们从美国运通（American Express）和普拉达（Prada）那些鲜亮的广告里，一眼就能认出他对特吕弗的《祖与占》、《日以作夜》以及戈达尔《法外之徒》的明确致敬。

当然，从手法和形式来看，韦斯与新浪潮大师们有很大差别，却在文本主题上有着异曲同工之妙。

法国新浪潮的电影中，镜头总是会聚焦社会边缘的年轻人。

他们带着点颓废不羁的气质，其日常生活是散漫而去中心化的。

他们的行动飘荡不定，又常被卷入某个事件中。

随着一系列事件的发展，我们又能看到这些普通阶层的孩子焕发出类似意见领袖的特征。

这些事件充满随机性，将人物导向某个偶然结局。

因此，法国新浪潮文本的开放及多义性，大多源自飘忽的人物本身。

法外之徒韦斯·安德森的主人公们显然与之有极强的相似性。

他片中的人物多数也都是背景模糊的年轻人、或者年岁已大，却保留着浓烈孩童心理和天真性格的边缘者。

纵览其角色群征，也是各阶层交错融合的图景。

这些根植于现代主义、后现代主义和存在主义谱系中的人物，构成了韦氏电影的“法国新浪潮状态”。

《瓶装火箭》里工人阶级出身的迪格南是团队计划的制定者，《青春年少》中理发师家庭的费舍尔是贵族学校里的社团头目，到了这次的《犬之岛》里，领导四只名门望族（暗喻日本“华族阶级”）组成狗狗冒险队的，是一只叫“酋长（Chief）”的脏兮兮的流浪狗。

从左至右：君主（Rex）、酋长/首领（Chief）、公爵（Duke）、国王（King）、老板（Boss）韦斯·安德森表达过自己浓厚的法国新浪潮情结。

他在《纽约时报》的一篇专访中，就赞叹特吕弗不仅能制作《阿黛尔·雨果的故事》那种工整美妙的影片，居然还能拍就《零用钱》这样兼具自然主义的纪实性作品。

而《月升王国（Moonrise Kingdom）》里私奔结婚的情节，灵感便来源于《零用钱》和瓦里丝·侯赛因的《两小无猜》。

与新浪潮不同的是，韦斯·安德森的作品形式技巧极其纷繁，也没有严肃而晦涩的叙事。

对大众来说，他电影里的噱头要比那些法国前辈们多多了，自然也更容易受人喜爱——虽然票房表现一直不太好。

我在看完《犬之岛》出来后，便听到旁边三个女生直呼“窒息好看”、“爆炸好看”，表示从没看到过这样的电影。

韦斯的片子就是这样，对色彩、构图、道具、运镜、配乐的迷人设计，很容易给人留下极其深刻的第一印象，尤其是没有接触过他的新观众——恭喜你又收获了三个女粉丝。

2 风格背后的独立渊源韦斯的影片在商业上算不得成功，但却能频繁得到大公司的青睐和投资，并且在大众中声望极高，有不少拥趸。

我认为究其原因，是他作为美国人，只保留了“法国新浪潮”的题材和主旨等文本特征，将形式和价值观进行彻底本土化改造的效果。

如此一来，恰恰又迎合了大制片公司的口味，得以在商业领域中开辟出一片自留地。

韦斯长年以独立导演的身份示人，但实际上他从《瓶装火箭》开始，就一直挂靠各种好莱坞大制片厂。

众所周知，最著名的独立电影节——圣丹斯电影节是许多青年导演进入到好莱坞的跳板，韦斯·安德森也是从这里起家的。

他的长片处女作《瓶装火箭》，就是由六大之一的哥伦比亚公司制作并发行，成本700万美元。

从第二部开始，《青春年少》、《天才一族（The Royal Tenenbaums）》、《水中生活（The Life Aquatic with Steve Zissou）》均由迪士尼旗下的试金石影业（Touchstone Pictures）投资制作，《穿越大吉岭（The Darjeeling Limited）》背后则是福克斯探照灯影业（Fox Searchlight Pictures），时隔两年、与《犬之岛》一样以定格动画制作的《了不起的狐狸爸爸（Fantastic Mr.Fox）》则直接由二十世纪福克斯联合制作（老狐狸对老狐狸，真是太适合不过了）。

到了令他大放异彩的《布达佩斯大饭店（The Grand Budapest Hotel）》，制作方和发行方又回到福克斯探照灯。

而今年的《犬之岛》，则是由福克斯旗下的动画部门联合参与制作，并由福克斯和探照灯负责全球发行。

唯一的例外是2012年的《月升王国》。

影片虽然由环球旗下的焦点影业（Focus Features）发行，但并没有大公司参与制作。

主要片方是韦斯自己的公司：美国经验主义影业（American Empirical Pictures）和史蒂芬·瑞尔斯（Steven M. Rales）的印第安之笔影业（Indian Paintbrush）。

二者也是老搭档了。

由此可见，我们不管叫他作者导演也好还是独立导演也罢，他一直都受到好莱坞六大的宠爱。

另一方面来说，“独立”这一概念本来也很笼统。

学者们普遍认为，从历史维度来看，独立电影指的是占统治地位或主流电影的作品，无论是从生产和发行的经济学角度来界定，还是从美学和形式上划分。

在好莱坞，大家把非六大制片的电影当做独立电影。

由此而言，韦斯·安德森出道之日便开始依托好莱坞六大制片公司，其独立气质似乎并非如想象中那般纯粹。

难道韦斯赖以成名的重要标签——独立导演的身份是虚假的吗？

也不能完全这么说。

所谓“时势造英雄”，在韦斯·安德森出道之时，美国本土的独立电影早就不那么独立了。

而他在这样的转变中反而显得熠熠生辉，其作品也得以流露出一种稀有质感。

这些都与美国的独立电影运动发展史息息相关。

美国电影学者道格拉斯·戈梅里将有声电影出现之后的好莱坞电影产业划分为四个时期：第一个是1920年代末开始的寡头联合公司统治时代，一直持续到1948年“派拉蒙法案”；第二个时期是大制片厂的衰退与转型期，持续到1968年废除“海斯法典”；第三是从电视机手中重新夺回观众的时期，体现在彩色宽银幕等技术手段在70年代的广泛运用；第四个时期开始于1980年代中后期，跨国公司形成媒体帝国的阶段。

美国独立电影的发展也大致遵循这四个时期。

水中生活致敬了巴卡路·班仔跨八次元空间大冒险经过1960-1980总共二十多年的铺垫，以昆汀·塔伦蒂诺、史蒂文·索德伯格等人为旗手，美国独立电影运动从上世纪90年代开始步入顶峰。

韦斯·安德森难称得上参与了这场运动，因此学术界并未将他列入相关的研究体系中。

但他显然是其中最大的受益者。

对大制片厂制度极度反感的电影创作者，从制片厂诞生之日起便大有人在。

以戈梅里划分的第二个时期开始，美国逐渐出现了一批游离于主流之外的电影作品。

从上世纪四五十年代梅雅·黛伦（《午后的迷惘》）、斯坦·布拉哈格（《停止影像》）的实验电影，到六十年代安迪·沃霍尔（《帝国大厦》）的先锋地下电影，再到罗杰·科曼的“剥削电影”和约翰·卡萨维茨的“新电影运动”，独立气质愈发彰显。

其中卡萨维茨更被誉为美国独立电影先驱。

John Nicholas Cassavetes就像摇滚乐遭到“英伦入侵”一样，好莱坞受意大利新现实主义、民族电影复兴以及法国新浪潮等冲击，在1960年代末开始了轰轰烈烈的“新好莱坞运动”。

这是美国电影发展史浓墨重彩的一笔，也培养出了一批我们现在耳熟能详的大咖级导演：弗朗西斯·福特·科波拉（《雨族》）、马丁·西科塞斯（《谁再敲我的门》）、乔治·卢卡斯（《美国风情画》）以及史蒂芬·斯皮尔伯格（《决斗》）。

他们在当时被称为“电影小子”，作品也都颇有非主流气质和颠覆意味。

然而很快的，斯皮尔伯格和卢卡斯相继拍出了《大白鲨》和《星球大战》，被认为是好莱坞历史的重要转折点，彻底将整个产业带入到新的纪元，即“大片时代”。

一批又一批的高概念电影不断突破投资纪录，高投入、高回报的大制作成为主流。

这一时期的制片厂开始升级为跨国公司，并最终形成了几个大的娱乐帝国。

好莱坞的全球化制发策略，在各国迅速培养出大面积电影市场。

人们沉浸于这些从洛杉矶生产出来的动作片、科幻片、灾难片和爱情片，享受着充足的好莱坞风味，并大呼过瘾。

大白鲨曾经的电影小子们变成了现在的大咖，从非主流进到主流。

很快的，他们自己又变成了被反对的对象。

80年代开始，大卫·林奇、贾木许等一批导演持续坚守着独立精神，对立好莱坞泛滥的大片。

从市场角度说，大片的繁荣促使银幕数呈几何级增长，但因为高额的投入和较长的制作周期，市面上其实并没有足够多的大片填补这些空间，导致许多影院很快迎来寒冬。

从创作角度看，大片时代打破了一直以来商业与艺术的和谐，高度的类型化、程式化、娱乐化让好莱坞电影彻底沦为商品。

翻拍电影、续集电影大量出现的背后，暗含的是原创和新意的匮乏，不仅消耗着公司的品牌价值，还会引发观众的厌倦。

从产业角度讲，好莱坞这种全球化的发展路线，带来的是日趋增长的制片费用，以及效率低下的庞大机构，企业运作越来越僵化，垄断现象严重，电影的产量和质量均有所下降，新导演也难以出头。

针对这些问题，一些大公司继续在高投资的钢丝上铤而走险的同时，也纷纷成立或收购独立电影公司，广泛参与到独立电影的制作和发行中去，以便另谋出路。

90年代崛起的米拉麦克斯和狮门影业等独立电影公司，就是其中的翘楚。

而索德伯格1990年的《性、谎言，和录像带》，被视为美国独立浪潮的开端。

性，谎言，和录像带这批独立电影填补了那些大片时代涌现出的银幕空间，成为大制作之外对市场的极好补充，也解决了这些电影院的生存困境。

反过来说，这些空荡荡的影院，也提供了90年代独立电影茁壮成长的土壤，优秀的中小成本电影重新获得生存空间。

另一方面，独立电影也有效解决了好莱坞人才断层的问题，许多新导演、编剧、演员、甚至剪辑师、美术设计、调色师和作曲家等，都在独立电影中崭露头角，从而步入主流视野。

独立电影此时不再是主流商业片的对立面，而是与之互为补充，融合发展。

大公司也看到了独立电影的商机和市场价值，没错，说的就是你家昆汀的《低俗小说》。

低俗小说这部投资仅几百万的电影，全球狂揽两亿多票房，并且拿到了当年的戛纳电影节金棕榈奖。

实际上，90年代初的那几年，《性、谎言，和录像带》、《巴顿·芬克》和《低俗小说》接连拿到金棕榈，很给美国电影长脸。

并且《低俗小说》的回报收益如此巨大，其他一些优秀独立作品市场表现也很不错。

当然，这些独立电影也都是奥斯卡的常客。

如此种种，让大公司彻底意识到了独立电影的潜力，毕竟他们不光要赚钱，还要名誉，于是纷纷深度涉足这一领域。

曾经有学者将90年代的美国独立导演群体做了一个定义，认为他们构成了一个庞大的“独立坞”体系。

从名字看就是在针对好莱坞。

然而现在看来，这个说法不免有些预设立场的味道。

正是90年代商业与独立的融合，也就是主流与非主流的融合，大咖与新人的融合，大制作与中小成本的融合，才“挽救”了当时的产业与观众。

所以，美国独立电影的发展壮大，并没有冲击到原有的大制片厂结构，也没有损害高投资特效大片的市场份额。

这些独立电影以大片中缺失的现实主义题材和人文关怀，或者别具一格的形式感为优势，弥补了大片覆盖不到的观众群，也填充了那些被忽略的影院空间。

产业和市场也维持住了一个较为健康的状态。

但是我们不能忽略的是，这种不可逆转的商业化进程，严重损害了作为“独立电影”本身的定义。

“独立”一词现在更多作为一种营销的噱头，而失去了学术上的讨论意义。

不仅是韦斯·安德森，其他美国独立导演也是如此。

传统意义上的美国独立电影已经濒临灭绝了。

（如今中国也面临着类似的境况，不断增长的银幕数量，与趋同化的主流商业片。

而且某种程度来说，中国的大片时代质量更加堪忧。

那么，未来要怎么发展，不知大佬们心理有没有点A数）对于韦斯·安德森来讲，他身上的那种气质承袭自“美国新独立电影”是不言而喻的。

他的独立标签，兼具着自我探索的概括，同时也有发行方营销的噱头，以博得人们的好感度。

他的影片本身在美学和艺术性上，也确实与主流商业大片存在一定距离，但并未脱离商业类型美学系统。

因此，除了享受90年代美国独立电影运动的恩惠以外，韦斯也是独立电影商业化进程的得益者。

如今，票房不再是这些臃肿的娱乐帝国的唯一收入来源，甚至不是主要来源。

因此韦斯能得到动辄几百几千万的投资，一方面是他的作品本身具有足够卖点，这个卖点源自于其独立的美学气质。

片方既可以按商业片的策略去宣发，也可以将之作为艺术品来推销。

哪怕其票房不成功，也可以通过DVD和版权等方面回本。

假使商业表现真的不好，就把这些钱当做口碑营销嘛，谁让韦斯的片子普遍好评呢。

另一方面，大片方也喜欢拿一些另类的东西标榜口味。

在狂轰滥炸的特效大片之外，他们也急于丰富自己的产品序列，让品牌显得更为多元和艺术。

韦氏的这些作品，对品牌名声和好感度的提升是不可估量的。

福克斯探照灯总之一句话，大家都爱韦斯·安德森。

3 韦氏主题与美式价值观前面说到，韦斯并没有完全效仿法国新浪潮的主题与形式，而是进行了大刀阔斧的本土化改造。

突出表现在他对个人自由的描绘和核心家庭观的扬弃。

尤其是后者，我们并不能常在法国新浪潮中看到。

即使看到了，也是以另一种状态存在的。

而在美国，这些则是典型的主流价值观。

首先，由于长年与大公司合作，韦斯不可避免会有一些妥协的成分（片方也会有妥协）。

他在作品中所弘扬的个人与家庭理念，是最为大公司所看重的。

虽然之前讲了很多90年代独立电影运动，使得如今的美国电影产业继续保持良好势头。

但商业领域毕竟会有一股铜臭味，韦斯与大公司在各取所需的同时，也保持着谨慎的姿态。

穿越大吉岭我们甚至能在他的电影中看到对这种谨慎，或者说纠结的比喻。

《水中生活》里比尔·尤贝尔这个角色就似乎暗含着宽容与压力并存的大公司制度。

在《了不起的狐狸爸爸》结尾，狐狸爸爸与家人在超市大快朵颐的段落颇具多义性。

首先，它更明显是在弘扬韦斯一以贯之的核心家庭观。

然而结合前面的一系列历险，尤其在路上用法语与狼对话的情节，似乎他也在用这场戏宣告无拘束坚持自我的立场。

在韦斯·安德森的电影中，我们时常能从荒诞的行为与偶发事件中，体会到它们背后所呈现的家庭至上观念，这与《虎胆龙威》、《回到未来》等片并无二致。

但韦斯的特点在于，他抛弃了家庭的形式，而是以分裂和游离的状态引出实质意义上的亲情，从而去进行弥合与补偿。

这与他的童年经历大有关系。

韦斯的父亲是一家广告公司经理，母亲是考古学家，他的曾祖父则是《人猿泰山》的作者，大名鼎鼎的埃德加·赖斯·巴勒斯。

八岁时韦斯的父母离婚，成为他不可磨灭的童年阴影。

自此之后，韦斯与母亲及两个兄弟一同生活，只能在周末见到父亲。

为了逃避家庭破碎的现实，他逐渐用谎言和幻想填充童年时光。

月升王国中学时，韦斯·安德森爱上了一个比他年长很多的女人，并因青春期强烈的叛逆心理而不得不转学。

1987年，韦斯进入德州大学奥斯丁分校，主修哲学。

正是在这里的一节剧本选修课上，他结识了日后的重要创作伙伴欧文·威尔逊。

两人94年拍摄的短片《瓶装火箭》引发圣丹斯关注，最终拿到了哥伦比亚700万美元的投资。

我们可以看到，韦斯与昆汀一样，是非科班出身的导演。

两人虽然风格迥异，但仍可找到一些共通点。

比如都受法国新浪潮影响极深，电影中充满了个人趣味，以及都启用好莱坞大牌明星等。

如果以美国独立电影运动来说的话，昆汀还算是韦斯·安德森的前辈。

无独有偶，昆汀和韦斯在早期作品中都有大量致敬新浪潮的元素。

而《瓶装火箭》和《落水狗》，甚至在去情节化的手段上都如出一辙。

瓶装火箭韦斯在学生时代大量阅读经典作品，并将它们改编成各种奇怪的舞台剧。

他的剧作功底大概就是这么来的。

韦斯最喜爱的作家有杰罗姆·大卫·塞林格、史蒂芬·茨威格、汉娜·阿伦特等。

除了法国新浪潮，他还深受罗曼·波兰斯基、奥逊·威尔斯、马丁·西科塞斯、迈克·尼科尔斯、萨蒂亚吉特·雷伊等导演影响。

我们能在他几乎所有作品里看到这些个人爱好，比如《天才一族》不仅致敬了威尔斯《伟大的安伯逊家族》，同时片中人物的原型几乎都来自于塞林格的小说。

《布达佩斯大饭店》更是改编自茨威格的背景故事。

韦斯没有拍过严格意义上的个人传记电影，但由于每部影片都自己写剧本，因此他将童年肢解成各种素材，装入缤纷的影像中。

这些无不体现出他对曾经那些幻想的复现，以及将自己糟糕童年经历进行想象性补偿的诉求。

我们在《天才一族》中看到了屋檐下家人的隔阂，在《穿越大吉岭》中看到了被距离拉长的亲情，在《了不起的狐狸爸爸》中看到他所向往的父亲形象。

天才一族然而不同于伯格曼等一些同样家庭离异的导演，韦斯的作品并不灰暗，反而充满着一种古灵精怪的乐观。

一方面是其视觉设计和不断穿插幽默的叙事，另一方面是其建立在传统美式价值观上的家庭理念。

韦斯一直探讨的，是以一种解构传统家庭存在形式的方法，去缝合家庭成员之间的罅隙。

好比《水中生活》，虽然在表达某种血缘之间的离散，但他不做破罐破摔式的贬抑，反而用巧思与艳丽消解内里的怅惘，用荒诞与幽默编排隐含的悲伤。

我们几乎在韦斯的作品中看不到巨大的痛苦与折磨，虽然人物所处的困境足以让他们有所反应，而这些困境又往往是因为家庭问题引发的。

许多时候，韦斯的角色表面上只是机械地遇到问题、解决问题，并用难以想象的方式达成目标，且轻易不会放弃。

《犬之岛》中，所有狗狗都被流放到了垃圾遍地的荒岛，然而影片并未大量渲染阴郁悲哀的氛围，狗狗们的造型和交流方式也不是为了去营造某种绝望和黑暗——当然，这也有定格动画天然的观感作用。

影片所做的，就是简单有趣地展开故事，提供一段冒险，然后进行自我颠覆。

狗狗与配音演员即使在家庭戏很少的《瓶装火箭》里，我们也能通过安东尼领迪格南盗窃自己家的戏份，体现韦斯的核心家庭观念。

安东尼进屋后，摆正了屋里歪斜的物品，而迪格南偷走了安东尼送给母亲的耳环，则让他大为光火，并且找到妹妹让她放回母亲的首饰盒里。

“偷家”是对传统家庭存在形式（房屋、家长与孩子住在一起）的冒犯和摧毁，而摆正物品和归还耳环，则是对情感实质（亲情、家庭秩序）的捍卫。

《犬之岛》在包裹了浓重的政治隐喻外，也并未将家庭主题退居次席。

阿塔里作为养子，似乎对小林市长并无太多感情。

他不惜冒生命危险去垃圾岛寻找自己的护卫狗。

在他眼里，点点更像是自己的家人。

“寻找”一直是韦斯作品中维系亲情的手段，在这部新作中，它成为了故事主线。

然而在找到点点之后，阿塔里发现这条忠诚的护卫犬已经有了新家，并请求主人解除自己的职务。

于是某种程度上，阿塔里变成了被抛弃的孩子。

他把留给点点的饼干分给其他流浪狗，并且将酋长收为新的护卫犬。

而酋长也是一只流浪狗，同样具有“被抛弃”的属性。

自我颠覆之处在于，《犬之岛》在文本上显现出某种不同以往的味道，这不得不让我们抛弃对韦斯·安德森的定见。

这种颠覆主要集中在结尾。

在一段眼花缭乱的平行蒙太奇中，我们看到片中的狗狗和人类又回归到平稳的祥和中，然而诡异的是，镜头的运动和构图所暗示出来的信息又有种细思极恐的味道，政权更迭前后的呼应画面，似乎表明了结局并不如想象中那般美好。

如此的韦氏结局，依然保持了以往的开放性和多义性，却流露出某种诡异的残酷和寒意。

这种感觉似乎并不常见于韦氏影片，却也许是《犬之岛》真正区别于他以往作品的关键。

在我看来，这显然无法局限于家庭范畴去讨论，而是应结合整体的故事格局，尤其是其中所包含的政治意味去解读。

无论如何，《犬之岛》中确实延续了韦斯对核心家庭观的维护，即在背叛传统形式的前提下，降低人物回归亲情的难度，同时创造一个值得追求的目标。

但这次，他淡化了其中所蕴含的情感实质，反而以放弃自由、违背初心、制造矛盾去强调某种无意义的牺牲。

这种牺牲本应是为了一个积极的情感目标而准备，最终却并未从本质上改变什么，揭示了取消深度、告别传统与连续性，使自身与历史处于断裂状态的后现代主义意味。

这次，韦氏作品里的目标变得不纯粹了，体现在结局上，就是罕见地生出一股悲凉意味。

4 韦氏的叙事与美学风格韦斯·安德森的电影充满了视觉上的把戏：广角镜头、剖面移镜、道具俯拍等等。

他有着鲜明的辨识度和作者性，甚至被贴上“强迫症”“偏执狂”的风格标签。

前文写道，韦斯·安德森的气质承袭自90年代美国独立电影，而那个时期的美国独立电影，体现出不同于意大利新现实主义和欧洲新浪潮的非传统美学类型。

从这方面来看，韦斯大概是在这条路上走的最远的。

美国独立电影曾经与欧洲艺术电影在精神和艺术性上有着紧密的传承关系，比如老马的《出租汽车司机》。

然而到了80年代之后，以科恩兄弟为代表的导演开始背离这层关系。

到了韦斯·安德森这儿，已经大变样了。

青春年少显然，他的电影摒弃了欧洲艺术电影的先锋性与实验性，在叙事、剪辑和演员阵容上都有着强烈的商业诉求，甚至自觉呈现出好莱坞类型电影定位。

总体来说，韦斯的作品不仅具备强烈的个人风格，同时在叙事上还有很显著的类型化倾向。

他对传统艺术电影并没有大胆的背叛和反抗，也并没有革新商业电影的企图，只是简单地创作个人特色作品。

他与90年代的美国独立导演一样，首先要讲述一个较为通俗的故事，然后再用各种艺术元素加工。

这种形式感强烈的表现手法，令其作品产生出别样的迷人魅力。

《布达佩斯大饭店》是韦氏风格的巅峰。

不仅文本层次感丰富，同时具有适当和美妙的表意结构。

在这部影片中，其风格算得上彻底成型，无论色彩的搭配，配乐的起止，独特的表演形式，以及被讨论最多的构图法则，包括画幅的变换，均呈现出自洽的美学逻辑关系。

大量复古的物件和饱和的色调使得整部影片的标示性极强。

布达佩斯大饭店《犬之岛》很难说在韦氏风格上做出了哪些突破。

与之前的作品一样，本片也大量使用封闭式构图。

这种构图法从电影诞生之初到20世纪60年代一直被广泛运用，尔后由于现实主义兴起和各种新浪潮运动，开放式构图逐渐成为主流。

简言之，封闭式构图注重画框内被摄对象布局上的完整和均衡，它意在营造一个完整、自足、独立的世界，有意打破画内空间与画外空间的界限。

封闭式构图的完整性，使得观众处于一种“真空”的欣赏状态，完全将注意力集中在画框内，不用考虑其他视觉空间。

在《青春年少》的礼堂戏和《水中生活》的剧院戏，便是封闭式构图的典型体现。

水中生活韦斯·安德森的封闭式构图，经常于画框内部建立起一个小乌托邦。

在《布达佩斯大饭店》中，韦氏的封闭构图有了新的玩法。

他将故事的三个时空：1985，1960与1930年代分别以不同画幅展现。

1985年是常见的2.35:1宽银幕，1960年代是1.85:1遮幅幕，而1930年代则是极具复古气息的1.37:1格式。

三种画幅带来了感官上的区隔和丰富，也让故事呈现出更多不同的质感。

其中占据主要戏份的1930年代，封闭式构图强调画面的纵深感。

而画幅所带来的景深与高度的变化，与影片的嵌套叙事结构相得益彰。

《犬之岛》画幅比例是2.35:1（国内上映为了不让字幕加在画面上，将画幅改成1.85:1，因此银幕左右和下方均有很宽的黑边），也没有丢失韦氏的封闭构图法。

影片中垃圾岛、病房、教室、大会堂等场景，无一不用封闭式构图去表现。

除此之外，韦斯还经常用插件视角去制造画框，比如《月升王国》里的帐篷、《布达佩斯大饭店》里的棺材、《了不起的狐狸爸爸》中的树屋。

在《犬之岛》里，笼子和电视是被频繁使用的插件。

除了封闭式构图，韦氏作品给人留下深刻印象的还有对称式构图。

大量的对称式构图充斥在韦斯·安德森的作品中，形成了他最具辨识度的画面特征。

韦斯电影的画面常常以中线为轴，五五开安排画面两边的元素，可以是左右，也可以是上下。

比如《天才一族》的开场，比如《月升王国》的教堂，还有《布达佩斯大饭店》令人发指的超过95%的画面，都是对称构图。

《犬之岛》说实话稍微收敛了点，但每次对称式构图出现时，还是能让人会心一笑。

无论如何，韦氏电影被誉为“强迫症患者的福音”。

通常来说，对称式构图会让人觉得死板、压抑，但当它被运用在韦斯·安德森的电影中时，却显出某种四格漫画般的趣味。

这源于其与封闭式构图的有机结合，以及与表演、色彩、摄影机以及被摄物的运动都有关系。

除此之外，在韦氏作品中，精雕细琢的细节总是会让人目不暇接。

一些出其不意的小元素或小动作，常常会被加入到对称式构图中，以使画面显得鲜活跳跃。

无论什么构图，在韦斯的电影中都不只是用来哗众取宠的。

首先，韦斯选择此种视觉设计自然是出于个人口味。

其次，这种构图能最有效地形成其干幽默（Dry Humor）的喜剧效果。

另外，在一些重要场景中，对称/封闭式构图体现了不同人物的权重，心理活动和对其命运的暗示。

最后，大量的对称/封闭式构图可以赋予影片年代感和绘画质感。

除此之外，韦斯对色彩和光影的运用也很独到。

其中色彩是韦斯传达情绪的重要手段。

在2015年秋冬季米兰时装周上，连Gucci、BALLY、Lacoste这些国际奢侈品大牌都集体致敬了他的色彩搭配。

在韦斯的前八部影片中，高对比度、高饱和度的暖色调是他的最爱。

而这些大胆的配色却又能在画面中达到某种协调和统一。

布达佩斯大饭店歌德在《色彩论》中说道：“当眼睛看到一种色彩时，便会立即行动起来，它的本性就是必然地和无意识地立即产生另一种色彩，这种色彩同原来看到的那种色彩一起完成色彩的总和。

”在《月升王国》中，绿色的森林点缀着黄色的麦田，画面整体色调又是暗黄色的做旧效果，使得这个关于童年的故事有一种遥远而清新的年代感。

《水中生活》用各种撞色去体现人物的困顿和焦虑。

片中有大面积的蓝色，所承载的表意功能又与《青春年少》中的蓝色不一样。

这里的蓝色带着对往昔的不舍和对未来的淡淡悲观，而非《青春年少》中学生所面临的迷茫与忧郁。

比尔·莫瑞饰演的史蒂夫穿着蓝色制服，又带了一顶红色帽子，暗示着他焦虑的内心。

《天才一族》中的色彩更是繁乱，每位家庭成员的衣服颜色均代表了他们不同的风格。

天才一族这种略显卡通化的表现手法，在《布达佩斯大饭店》中被推到极致。

影片比之前的作品用色都更为大胆，尤其是电梯间的鲜红墙壁与酒店服务员的绛紫色制服，制造出强对比的视觉冲击。

而特意使用黑白画面去展现古斯塔沃的死亡，更是一种视觉结构上的反差。

随着故事进行，越来越多的冷色调开始出现，预示着主人公越来越危机的处境。

包括那些制服与军装，都是复古款式与饱和色彩的结合，精致、俏皮而富有诗意。

无论如何，甜点那象征美好和爱情的粉色却是永恒的。

我这么说可能会有争议，但是这种对色彩超现实式的运用，甚至能从中看出一些坎普趣味（Camp Sensibility）的影子。

虽然坎普流行于同性恋之间，但它也被用来指代那种夸张、戏剧化、风格化、过度渲染的风格。

显然韦斯的作品中包含着一些有趣的（隐晦的）坎普特征。

5 《犬之岛》的沿袭与变化《犬之岛》不仅继承了韦斯·安德森的封闭和对称式构图（我想他一辈子都不会改），同时色彩也跳脱出《布达佩斯大饭店》的大胆与反差，回归到类似于《穿越大吉岭》和《了不起的狐狸爸爸》的暗冷色调。

由于这次主要舞台是在垃圾岛上，因此棕色的土地与灰黑色的垃圾成为主色调，包括主人公酋长也是一身黑的（虽然后面洗白了）。

因此，像点点粉色的鼻头、阿塔里脸上的血渍等亮色点缀就成了非常显眼的细节，同时也不至于让画面看起来太过严肃而压抑。

本片也沿袭了韦斯简约主义的场面调度。

这种看似机械呆滞的调度风格，正暗扣了韦氏作品的整体气质，以及其无处不在的干幽默表演形式。

干幽默就是冷面幽默的意思，演员基本没有夸张的表情和剧烈的动作，同时又快速地进行对话，语气缺乏变化。

只是对话内容往往充斥着打岔、跳跃思维以及怪诞的意外，对话者又都貌似习以为常。

这种类似神经喜剧的幽默风格，能让观众通过关注其他画面元素来了解人物心理或情节主旨。

《犬之岛》中，韦斯那些后现代主义的叙事把戏也仍然在用，比如平面式和零散化的叙事手法。

对于线性叙事来说，时间是纵向延展的，而在《天才一族》和《月升王国》里，我们常常会因回忆片段的插入打断叙事的纵向流畅性，这属于宏观叙事上的平面拼贴。

一些连贯场景中的非连贯剪辑，比如《穿越大吉岭》，则是利用拼贴去压缩时间纵深。

此外，构图以及多场面调度组合镜头的使用，也让叙事的空间显露出平面化的特征，进而产生对历史意义的一种架空和消解。

阿塔里玩滑梯的戏份，就是用了一组小的长镜头去表现，这种处理手法使画面生动而诙谐。

而狗狗冒险队前往五指岛的过程，以多场面调度的方式拼接在一起。

虽然仍奉行简约主义，但是在大的结构上呈现出一种错落有致的设计感。

本片如他的前作相同，用特效字幕点出章节名的手法，去分割叙事时空。

这也是韦斯的老伎俩了。

这种做法会让故事隐隐露出间离效果，当然，故事中的人物频繁面对摄影机，也是这种间离感产生的原因。

不仅如此，它还能让故事更有节奏感，也有调整情绪的作用，甚至呈现出某种通俗文学的特性。

《天才一族》就用序章与后记总共十个章节去讲述故事，每一章节的过渡画面都是书页的特写。

《犬之岛》里，章节名大多出现在空镜头里，并配以日文。

另外在一些人物和时间上，本片也是用字幕去提点的。

特效字幕在这里也是画面运动的一部分。

推轨镜头和升降镜头是韦斯标志性的镜头运动方式。

大多数时候，韦斯的机位固定，镜头和构图也很稳定。

但是只要摄影机一动起来，谁都能马上注意到它的存在。

这就给观众提供了另一种非常生动的观感，从而避免产生视觉上的疲劳，并保持对画面的高度关注。

韦氏电影的推拉摇移往往是非常快速的，就像卡通片一样。

这种“生硬”的镜头运动，仍然是为了契合他影片的幽默与人物状态。

而一些俯拍道具的镜头，则更多是为了在视觉上呈现变换的趣味性。

横移长镜头是他另外中意的选项，《犬之岛》里便有不少横移长镜头，比如狗狗们乘坐废弃流水线的戏份。

与上一部定格动画《了不起的狐狸爸爸》一样，韦斯在本片中用戏剧化的光影去渲染故事氛围和情绪状态。

《了不起的狐狸爸爸》是他创作层面的分野。

自那之后，他对光的运用更有想法和态度。

本片在拍摄狗狗时，多采用正面光，同时加入足够的辅助光，使角色的明暗过渡较为柔和。

而在表现小林市长的时候，光源往往是远距离的，并且有从下往上的光，照映着反派的可怖面容。

演讲时的布光又显得庄重而阴森。

不仅是为了塑造人物，本片里的光影同时还兼具着强化艺术造型与展现特定环境的作用。

对于道具的使用，影片延续了以往的路数。

韦斯的故事里，出现最多的就是地图、行程表、方案书等这些反映角色制定计划的道具了。

《穿越大吉岭》的行程表，《了不起的狐狸爸爸》的动员会议，《水中生活》的作战室讨论，《瓶装火箭》的盗窃计划，以及《犬之岛》中寻找先知的方案。

这些偶然性冒险中的必然性计划，成为韦氏作品的一个哏，揭示了秩序与随机的激烈冲突，并常以角色碰到随机事件，计划失败而告终。

不同于以前的地方在于，这回《犬之岛》在语言的选择上颇有想法。

那座让人类产生语言障碍的巴别塔，成为故事最重要的隐形道具。

影片一开始，便用字幕告知观众，片中的犬吠全部用英语，而人类则说日语，并且没有字幕，除非故事里有同声翻译。

当然，对于精通八国语言（至少是日英双语）的人来说，这种故意制造的叙事障碍不会影响到他们。

但对多数人来讲，简单的“听不懂”就足以让我们站在狗狗的立场上去看待问题。

在这里，种群之间的有效沟通被抹杀。

而人类与动物各成体系的语言系统，又预示着普遍意义上不可调和的对立。

我们通过翻译好的字幕得以了解狗狗的语言，却无法理解反派的说辞。

那么如果反过来又会怎么样呢？

这种对语音的处理，除了试图让人更有代入感和临场感以外，还希望能引出语言学层面的东西。

另外，《犬之岛》的主题比韦斯以往的作品格局更大，也颇感意外地涉及到了许多政治隐喻。

集中营、流放、活体实验、种族灭绝，以及学生运动，无不是日本历史上关于《华族令》、军国主义、侵华战争、生化实验、大屠杀以及日本60年代学运事件的高度浓缩。

当然，韦斯向来不在意现实的连贯性，所以将这些材料嫁接到一起，组成了一个含有多个历史阶段的文本语境，也使得影片展现出暧昧的架空结构。

此次的配乐也不再是韦斯喜爱的英伦摇滚之类了，而是完全采用日本民族音乐。

这次亚历山大·德斯普拉的配乐真的太棒了，大概是我自《幕府将军2》后听过的外国人诠释日本音乐最好的一次。

芴拍子和大太鼓等组成的打击乐基本贯穿全片。

这要是其他电影，可能我会觉得音乐过满，但是放在本片中，却是镜头衔接推进的重要手段，深度参与了叙事又没有喧宾夺主。

而且严格来讲，配乐还并不是非叙境音，片头明明出现了三个小胖子。

当然，《犬之岛》并不是完美的电影，也没有达到《布达佩斯大饭店》的高度。

也许是格局变大了，话题相对变严肃了，使得其在情节转折和人物状态上都有不少的瑕疵。

不过，韦斯·安德森就是能依靠自己敏锐的艺术嗅觉，抓住不同风格之间的平衡，进行杂糅，创作出属于自己的另类奇观视听。

重要的是，他也完全不会背离大众审美，因此轻易便能俘获无数影迷的心。

总之，韦斯在形式主义的道路上已经是一个老手了，我更希望看到他下部作品有何突破。

小彩蛋：片子里科学家的助手小野洋子，形象致敬的就是那个著名的小野洋子，约翰列侬的老婆。

甚至配音都请了本人来配。

而披头士则是韦斯的偶像。

首发于微信公众号：奇遇电影 （cinematik）2018-02-18 烂番茄95%，引爆狗年口碑第一发作者✎胤祥（发自柏林）编辑✎ROOT狗年新年，看这样一部关于狗狗的片，实在是再应景不过了。

2月15日，中国人的大年三十，今年的柏林电影节以韦斯·安德森新作《犬之岛》（Isle of Dogs）拉开帷幕。

一片惨淡的柏林片单里，韦斯·安德森大概算得上是最大牌了，再加上《布达佩斯大饭店》的良好口碑，以及他在记者和影迷那里堪称突破天际的讨喜程度，被选做开幕片也是理所当然的事情。

《犬之岛》整体堪称既诡异又好笑，完成度不错，应当已经锁定2019年奥斯卡的一个动画片提名，另外音乐和艺术指导也都是奥斯卡提名级别的优秀。

不过也真的是因为太过画风清奇 （清奇到都能去参评日本学院奖了……）， 想要重现《月升王国》或《布达佩斯大饭店》在奥斯卡的成绩大概比较困难。

一句话总结：韦斯·安德森拍了一部几乎不用吹替的日本电影。

犬 之 岛Isle of Dogs2018导演: 韦斯·安德森编剧: 韦斯·安德森 / 罗曼·科波拉 / 詹森·舒瓦兹曼 / 野村训市主演（声优）: 爱德华·诺顿 / 布莱恩·科兰斯顿 / 斯嘉丽·约翰逊 /蒂尔达·斯文顿 / 比尔·默瑞…豆 瓣：8.8 / 10IMDb：8.5 /10烂番茄：95%MTC：84视听：对称狂魔+浮世绘，和风劲吹想要治愈强迫症怎么办——去看韦斯·安德森！

《犬之岛》虽说是玩偶模型的停格动画，但因为从浮世绘中受益良多，甚至直接调用葛饰北斋的若干名作，又参考了不少日本演剧的手法，最后呈现出一种颇具间离效果的叙事风格。

（反正人物都是塑料面孔，怎能不面瘫啊……）

片中有一段中学生大战恶狗的演剧全片是极为缓解强迫症的画风——还记得magasa谈《钢的琴》时发明的词儿「超级玛丽调度」么？

《犬之岛》恰如《钢的琴》，或许可以叫「浮世绘调度」，里面的人和动物只有两种运动方式：平行于银幕平面的，和垂直于银幕平面的。

机位（不考虑俯仰的话）也几乎只有两种，正面和90度正侧面。

（狗头都能转90度，然后看到片中那个猫头鹰把脖子转了180度简直要笑死了） 。

构图则是严格地以轴对称作为最高追求。

最终呈现出一种追求平面化和对称的效果， 堪称比二次元还要二次元。

以小男孩的鼻梁为中准线，进行对称影片分为序幕和四个部分，序幕段落的「历史叙述」就是模仿日本古典绘画，从而定下了本片的调子。

影片就在这样一种几乎平面化的空间中展开。

四个段落分别是「少年飞行员」「寻找Spots」「约会」「Atari的俳句」皆有堪称极多主义的字幕卡修饰，第三段中间包含一个用「闪回」-「闪回完」来标识的插入段落。

寻找Spots片中的人物，除了表演狗Nutmeg的主人美国交换生Tracy，都说日语，于是专门设有一个翻译的角色来翻成英语。

有趣的是这些人物都很自觉地说完一句就停下来等翻译。

而片中的狗，通过片头的字幕提示「狗吠已全部翻译成英语」，配音阵容亮瞎眼。

烂番茄刚解禁时一度100%新鲜度，现在实时也维持在95%，口碑炸裂叙事：反乌托邦与中二少年的冒险说起来《犬之岛》也是世上极少的那种完全不怕剧透的片子，因为它的重点显然不在故事上而是在视听上。

简单概括影片的故事就是Megasaki市的小林市长及权贵都是猫奴，因此制造了「犬流感」并进行政治宣传，把全市的狗都放逐到了岛外的垃圾岛上等死。

他的养子/远房外甥，中学生小林Atari（小林中？

）为了救出自己的保镖狗Spots，劫持了一小飞机，只身前往垃圾岛，在五只狗的陪伴下逃脱了市长极其团伙的追捕，并在美国交换生Tracy等人的帮助下解决了犬流感，猫奴市长也幡然悔悟，统治被推翻，Atari当选了新市长（什么鬼……）。

市长还把自己的肾捐给了急需肾移植的Atari（又是什么鬼……）。

狗这边的故事线则是流浪狗Chief在另外四只狗的“教唆”（劝说）下逐渐对人类产生好感，并在洗了个澡之后（哈哈哈哈）发现自己是Spots一窝同胞的兄弟，然后在Spots的请求下（因为它要当爹了，而且有更重要的事情去做）成为了Atari的新任保镖狗。

配角狗也各有萌点，吐槽的，说冷笑话的，以及各种以某种“不知道为什么就是好笑”的方式存在在片中的……这个故事其实……是血统纯正的日系少年漫的路子，包括各种二元对立（猫狗大战 ——这也堪称神来之笔，因为故事里……除了设定上根本没有猫好吗[捂脸] ），少年历险，友情，以及拯救世界这样的设定。

但韦斯·安德森做来，就处处透着些诡异。

这么说吧，这个故事之于日本少年漫，就好比天津饭和左宗棠鸡之于正统中餐，虽说处处差着些意思，但颇为新鲜。

片中富有日式风味的城市景观韦斯·安德森无疑是个日本文化的爱好者甚至迷恋者，借助一个日式的设定乃至中二少年拯救世界的热血漫套路，来讲述一个他熟悉的少年冒险的故事。

当然如果仔细拆分，与《犬之岛》产生文本联系的实际上是《疯狂动物城》—— （垃圾岛其实还有点蒸汽朋克的意思）， 既有反乌托邦的叙事，也有族裔/身份政治的话语，同时也有类似的情节要素，如「设计陷害」「隔离处理」等。

被刻板形象限制的暖男狐狸不过问题也在于此，这个混搭感十足的故事并不纯粹。

剧作上狗线为主，但是事实与逻辑上都是人线为主，在这个过程中导致难于做到平衡和扎实。

人物确实都写得如其视觉呈现那样，充满了模型感，不如狗来得生动；而狗线离开人线又难以成立。

有些地方甚至信息完全过载，节奏稍差。

仔细想想故事有点细思恐极，因为能搞政治谋杀的「暴政」竟然能够允许反对派发声，甚至给与反对派打倒自己的机会，最后更是幡然悔悟，像是一曲左派的无脑狂欢。

最可悲的是，当片子唯一真正自由的流浪狗Chief最终在队友的示范、劝说和兄弟的请求下，被询唤成一只有主人的狗，戴上了呼叫耳机时。

它从而「获得了主体位置」。

这大概就是以「爱」为名来终结了一切另类可能性的所谓出路吧。

那么垃圾岛上围攻过Spots的那些流浪狗呢？

他们只能是道具和背景板，并这个故事里没有他们的位置。

在韦斯·安德森20多年的导演生涯中，4月20日上映的《犬之岛》是其第九部长片。

虽然影片数量不多，他却以独特的美学风格和饶有趣味的主题，孤独怪趣神经质的主角，拥有了大量的粉丝。

甚至很多影迷尚未看片就已经把这部动画电影锁定为自己的年度十佳。

（比如我）

《犬之岛》延续其以往的风格，以日本文化为背景，巧妙的用狗狗的视角叙事，将韦斯·安德森式的天马行空与动画相结合，创造出了另类的成人动画。

这也是韦斯·安德森第一部在中国大陆上映的电影。

在近未来的日本城市Megasaki，“犬流感”肆虐，市长将所有的狗狗隔离流放到了一座远离城市的废弃垃圾岛，其中包括市长养子阿塔里的爱犬。

为了寻回自己的爱犬点点，阿塔里劫持了一架小飞机勇闯犬之岛，和岛上的五只狗狗经历了重重历险。

有趣的是，在片头韦斯就已经提示，片中狗狗们的对话被翻译成了英语，而人类的对话因为是狗狗听不懂的日语，所以没有翻译。

这也是很多观众在观影时奇怪为什么大量字幕都没有加的原因。

阿塔里只是主线人物，而真正的主角，是狗狗们。

《犬之岛》颠覆了人类对宠物失去主人后可怜无助的印象，事实上，片中阿塔里的爱犬正是一只护卫犬，他的职责就是随时保护主人的安全，哪怕献上自己的生命。

其它狗狗也没有任何一只是娇弱的，即使在生活环境最恶劣的犬之岛，他们也积极的生活着。

他们拥有着狗狗完整的自由与尊严。

成长是《犬之岛》的主题。

阿塔里和点点看似是主人和宠物的关系，其实更像是照顾与被照顾的关系，甚至是唯一的朋友。

所以阿塔里去救点点，可以说是他唯一的选择。

从“首领”的身上，我们更能看到完整的人与狗狗的情感关系。

从一只从未感受到过关爱的野狗，到甘愿被驯化，也成为一只引导犬，首领并没有失去他以为高于其他宠物犬的自由，而是获得了一心一意的爱。

这种爱是能够让他不再惊慌失措误伤主人，是第一次看清自己的模样，并且享受的去接住主人抛出去的玩具的。

“感谢你驯服了我。

那么就请让我来照顾你。

”

这种人与宠物之间的朋友关系，和狗狗的独立性，还表现在点点在有了自己的家庭和孩子之后，“辞掉”了照顾阿塔里的引导犬的工作，将其转交给首领。

人类并不是狗狗们唯一的生活主题，他们也有权选择自己的家庭。

与萌宠电影完全不同，韦斯延续了自己以往一贯的冷幽默风格，将治愈与忧伤混杂，用俏皮表现深情，用陪伴诉说感动。

不刻意走治愈系，却依然能够让你感受到温暖。

从《水中生活》到《月升王国》到《布达佩斯大饭店》，韦斯继续着他的搞怪幽默感，狗狗们也一样有自己独特的个性。

哪怕是生活坏境艰难，也没耽误他们打群架、撩妹子、互相吐槽。

韦斯将日本的传统文化与自己的美学风格在片中也完成了完美的统一。

对色彩的大胆运用、严格对称运动镜头、细节控，很多人都笑称他的电影最适合强迫症观看。

这一次韦斯对画面和镜头的掌控依然堪称完美，而且为了这些细节，也值得把电影二刷三刷。

比如影片中大量出现日本江户时代传统浮世绘插图，但把主角都换成了汪星人。

樱花、俳句、鸟居，太鼓、相扑、歌舞伎，还有文化层面的隐喻，这不是日本元素罗列，而是用心的精髓释放。

韦斯曾经说过自己深受黑泽明和宫崎骏的影响，这次索性将二者的元素全部巧妙的加入到片中。

少年武士的海报，未来城市的工业和末日感，都让《犬之岛》增加了厚度。

同时，韦斯也保留了自己的客观间离态度。

在他的上一部定格动画《了不起的狐狸爸爸》的制作中，韦斯坚持使用来自动物的真实毛发，以实现最逼真的观影体验。

《犬之岛》一样由伦敦Legendary3Mills工作室完成，超过500个犬类和500个人类模型的数百种表情全部手工制作，制作周期超过一年半。

即使是以动物为主的动画电影，《犬之岛》也并没有刻意卖萌以讨好观众。

在寻找爱犬的主线之外，是猫奴市长的阴谋诡计，人类社会也陷入到极权统治和学生运动之中。

看似是讲狗狗的故事，其实却是人类的映射。

导演韦斯·安德森本人也是名狗党，片中布莱恩·科兰斯顿配音的狗狗“Chief”，就是因为导演曾经收养过一条同名的黑色拉布拉多。

而“点点”的灵感则来源于影片编剧兼韦斯的好友罗曼·科波拉儿时忠诚的宠物狗“Yojimbo/用心棒”。

《犬之岛》的配音依然启用了韦斯·安德森的御用班底，爱德华·诺顿、蒂尔达·斯文顿、比尔·莫瑞，还有斯嘉丽·约翰逊，以及日本演员小野洋子、山田孝之、松田龙平、松田翔太、渡边谦等等。

如果你是狗党，是日本文化爱好者，是韦斯的粉丝，甚至是轻微的强迫症，都推荐这一次，能在大银幕看《犬之岛》的机会。

最后，来感受一下来自导演的萌萌的爱

这是“不散”的 第608期 文章，不散曾经也有只狗狗，你还记得它叫什么吗？

刚看了我最喜欢的导演韦斯·安德森的新片《犬之岛》，整理了一些想法。

1.男主角（Atari）乘飞机坠落在垃圾岛上时以及后来救援机坠毁时的景象，很容易让人联想到被投落在广岛、长崎的两枚原子弹，尤其第一枚原子弹甚至就叫做“小男孩”。

此外关于活体实验、以及“芥末毒气”和芥子毒的隐喻关系我们也不得而知。

2.在渡边教授被谋杀后一蹶不振的女助手名叫小野洋子（Ono Yoko）。

（让人联想到小野洋子丈夫约翰列侬枪击事件）3.垃圾岛兄弟帮的成员，King、Rex、Duke、Boss、Chief的名字全是《华族令》中的爵位。

相当于公侯伯子男。

4.或许因为最支持民主的Rex同时也是最忠诚的，因而我们看到，民主决策最终被全部用于维护统治阶级。

（此外，我姑且认为被教师收养的Rex其实代表知识分子，而多次代言狗粮广告的King则代表名人、名流。

Rex最喜欢的食物是King代言的狗粮，狗们说“那我们听King说说吧！

作为代言他更有发言权”，King的最爱却是牛排——名人代言产品具有明星效应，但最终消费它们的依然是常人，并且说到底，明星代言的产品最终并不代表明星的选择。

）5.Chief介绍自己的过去时说，“我有很多兄弟姐妹，但他们把姐妹们全都淹死了。

”6.学生起义的首领是各方面看上去都很不成熟的外国交流生。

让人联想到日本许多改良最初都源于“学洋”（这方面中国当然也一样）。

7.因此市长打压他们的理由是“海外势力联合作乱威胁我国政权”，是不是很耳熟？

8.能真正击败机械狗的只有军用改良牙齿炸弹：能对抗武器的也只有武器，没有武装的民众即便集合起来，也只有引颈就戮。

9.开始豆蔻（Nutmeg）明显地表示出对自己表演犬身份的厌恶，厌恶表演，对于关于自己和伴侣的流言表现得满不在乎，坚持拒绝生下幼崽，虽然也说“不过就算我是表演犬，现在又有什么区别？

”但后来局势趋良，她不仅重回到主人身边，而还学习了新的表演，并且乐于展示给Chief，对于生产后代的态度也和缓了许多。

老实说这真的让我想起了许多激进女权主义者对于性、婚姻、后代以及取悦异性的态度，还有关于我喜欢的爱莱娜·西苏提出的女性主义……10.尽管市长最终道歉下台，后继人却也依然是他的表侄，尽管看似被推翻，小林王朝最终却仍然延续。

而他事实上也像前任市长一样任人唯亲，所有要员均由一同参加爱狗派运动的高中生担任。

而且对于Chief咬伤大臣，他也并不在乎，这不是很讽刺吗？

11.或许流民在被招安后会变得最忠诚。

毕竟没谁生来热爱一直流浪。

12.“人民看似热爱自由，其实只是痛恨主子。

”——托克维尔《旧制度与大革命》

片方给出建议，十二岁以上才能观看，可是我觉得，二十岁也不一定看得懂 1-养子小男孩并不是最爱狗的，他对狗就是命令和忠诚的羁绊。

他见到岛上的四只狗，就命令四只狗，军国歌曲，捡棒子。

（四只狗不包括首领，首领另说。

）四只狗的名字也很有趣，叫做老板、公爵、国王、君主，各个都象征着贵族。

2-小男孩炸弹和广岛原子弹名字一样，而五指岛类似广岛地图。

坠机到犬之岛，一朵大大的蘑菇云，还给了完整的镜头，和广岛原子弹一样。

这个图不是坠机那个蘑菇云，蘑菇云我找不到截图。

不过当初就是两个原子弹，所以。。

于是劫后余生的小男孩象征改革，原市长象征极权，美国交换生象征，为了自由和真理而战斗的美国，这很美国。

小男孩在犬之岛嘴上说着要找狗，却每天听广播收音，看报纸，放军国主义的音乐，密切关注政治。

深陷垃圾岛，好不容易回来，只做一次发言时，还不忘记和美丽的美国女记者表白。

最后当权，果不其然和美国勾搭在一起了。

3-大家都觉得小男孩是传说中的少年武士。

其实他不是。

他只是一个从小在市长府邸，接受政治教育和培养的小政客。

市长最终反叛了，和大管家打在一起，因为市长才是传说中的少年武士，背叛了自己的家族。

因为他心里还有爱。

电影最讽刺的一个细节，在于小男孩演讲时的俳句，也就是诗词。

小男孩通过俳句来升华爱，打动了所有人。

所以我屏住呼吸来认真听这俳句，可是没想到不仅非常短，而且非常空洞。

这就讽刺政治家的虚伪，用爱和鸡汤发电，来打动观众。

和头号玩家里的BOSS假装自己是游戏迷一样，都是政治家的惯用伎俩。

整部电影里，都充满了这种政治游戏和手段，但是我觉得这个是最讽刺的。

因为，比起小男孩命令，支配，管理狗，市长只因为“爱”而放弃了所有。

市长被空洞的俳句打动了，不是因为他看不懂小男孩的手段，而是因为市长心里有爱。

4-小男孩改革成功，他从头到尾象征的就是政治派别和制度。

爱无派别，政治却有派别。

小男孩狗党上任，对狗叫骂要社区服务30天并且罚款25万日元。

这是拉拢政治争取人民的策略游戏。

所谓政治家，就是拉拢更多的人。

5-传说狗原本是自由的，无派别的。

不过被攻陷了，由少年武士解救，于是也就有了派别，听从上级指挥，统治，支配，管理。

你看那个狗，好像人啊。

6-最终狗也没有重获自由。

只是扶持、跟随了保障自己权益的领导人。

政治斗争无休无止。

猫党下野，下场很惨，猫就是曾经的狗。

总之永远有人被压迫。

过不了多少年，还可以拍个续集，猫之岛。

7-电影只有狗的语言被翻译成英语。

你听的懂狗语，以狗的视角看电影。

因为你就是那群，被支配、被管理、被政治争夺的狗。

8-狗狗都希望有个主人，无条件服从相信主人，谈论主人给自己吃过最好吃的。

而主角首领一开始是流浪狗。

这象征的是人的社会属性，阶级属性，和奴性。

流浪狗咬人，是害怕被爱，是悲观，不相信爱。

可它最后也有了自己的派别和主人，并且轻描淡写的咬掉一个政治说客的手。

它并不爱打架，可它还是成了打手。

9-一切都没有改变，只是上层阶级换了个当权者，换了套政策。

以爱的名义，以人民的名义，这是极权的更替而已。

小男孩一样是暴政。

市长的位置，根据法律由市长的接班人来继承。

黑客用芥末毒药毒死士兵，新一任的护卫犬，也就是主角首领，牙齿也被改成了炸弹，而且还是升级版。

护卫犬差点咬掉政治说客的手内阁开会的时候，有人提议，只要骂狗就枪毙，小男孩说这太过了，改成罚款和社区服务吧。

一样的暴政。

这些都象征着新一轮的军事和极权。

一切都没变，只是换了个统治者。

狗，还是狗。

小男孩听说自己的狗死了，马上就准备返回了，（注意：命令其他四只狗帮他修飞机，却单独返回）他根本不在乎狗类的命运，充其量对自己的护卫犬点点有感情罢了。

如我一开始所说，狗对他就是忠诚的羁绊多于爱。

现在回过头来看，小男孩真的只是单纯的来找自己的狗吗？

是吗？

不是吗？

谁知道呢。

10-如果有影评人，完全没看懂政治，只感叹爱狗，那真的可以取关了，业务水平太差。

为什么要说这条呢，因为我就取关了一个。。。

但是话又说回来，我个人不喜欢这种拿猫狗来政治隐喻的电影主题，因为我是真的爱狗，狗是唯一可以治愈我的。

而且这部电影对普通观众也不友好，大量的人会有心理落差。

为什么我来看可爱的狗狗，却看到了这样的故事。

电影宣传什么爱狗，不负众汪，之类的，完全宣传错位了。

不过呢，尽管如此，我还是不得不承认，这部电影质量，真的超级高。

无论是卡司，还是制作的精细程度，那么多的布景，做的如此丰富和细致。

而且电影美术和创意极佳，定格动画和色彩真的一流。

无论你爱不爱这个故事，只要你喜欢美术、创意或是设计，那就必须看这部电影。

电影细思恐极，回味无穷，充满了讽刺和人文思想，又具有童话冒险元素，格局很高，故事很复杂。

无论是火山还是废墟，现实就像电影里的垃圾岛和城市，而我们，都是狗。

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犬之岛 (2018)8.22018 / 德国 日本 美国 英国 / 喜剧 动画 冒险 / 韦斯·安德森 / 布莱恩·克兰斯顿 爱德华·诺顿

怀中有狗，枕边有猫，已经成了现代人提升幸福指数的重要指标。

今年是“旺财”年，俗话说，狗年撸狗，才能不负众“汪”。

2018已经过去三分之一，撸狗计划必须提上日程。

什么？

还没有狗子？

没有关系，云吸狗，是网络时代懒人铲屎官们的福利，省钱省力又省心。

今天大象要送上的超值撸狗大套餐，来自鬼才导演韦斯·安德森的新作——《犬之岛》。

一整个小岛的汪星人，整装待发，嗷嗷待吸！

韦斯·安德森，四年前就以一部《布达佩斯大饭店》冲进主流观众的视野，仅仅在豆瓣上，参与评分的人数就超过了34万，排名也挤进了TOP100。

他的影片以极具个人色彩的镜头语言，精致对称的构图，严谨的配色，心照不宣的隐喻和对经典的致敬而闻名。

将于4月20号上映的《犬之岛》，可以说是未播先火。

在奖项上，作为今年柏林电影节的开幕动画电影，已经率先拿下银熊奖（最佳导演）。

在口碑上，《犬之岛》在国内外各大影评网站上，都斩获了不错的成绩。

截至目前，烂番茄指数92%，专业影评人网站Metacritic也打出82的高分，IMDb8.2（超过一万人参评），国内豆瓣上也有超过2000名观众抢评给出8.6。

故事设定在20年后的日本，一场“犬流感”席卷全国，市长发布紧急政令，将所有狗狗流放到远离城市的垃圾岛。

狗，人类最忠诚的伙伴，从此只能以人类生产的垃圾为食为伴。

但在人类世界，有一个男孩，他不顾政令，劫持了一家破烂的小飞机，只身一人前往犬之岛，只为找回自己的爱犬。

确认过眼神的狗，不能放弃 被人类背叛遗弃的狗狗们，在恶劣的条件中勉强生存。

这个来自人类这个世界的小男孩，还能重新赢得他们的信任吗？

他能如愿以偿的找到爱犬吗？

值得一提的是，《犬之岛》是一部定格动画。

所谓定格动画，是一种非常传统的动画制作方式，通过逐帧、逐格地拍摄对象，再按照一定的帧速比来进行播映。

我们熟悉的《阿凡提的故事》就是具有代表性的定格动画。

我有一头小毛驴 其实，国内观众对定格动画并不陌生。

从上世纪50年代开始，上海美术电影制片厂就运用传统手工艺，制作了一批家喻户晓的定格动画：《神笔马良》（木偶）、《小蝌蚪找妈妈》（水墨）、《猪八戒吃西瓜》（剪纸）……这些都是霸占童年回忆的经典啊。

不过，到现在，定格动画基本被主流动画市场所抛弃，因为这样的制作工艺真的太耗时耗钱耗人工了。

一部“定格动画”的制作周期，就是一场电影马拉松。

豆瓣排名前十的动画中，只有一部是定格动画——《玛丽与马克思》。

该片只有92分钟，但制作周期长达400天，50位工作人员参与制作。

每天只能制作4秒钟的动画。

而人物众多的《犬之岛》所涉及的工作量就更为巨大了。

上个月，官方放出了揭秘《犬之岛》制作的短片，据视频介绍，电影制作周期超过一年半，超过670名员工参与制作，使用了约1105个木偶。

片中仅仅是一个制作寿司的场景，就花费了8个月。

其实，这已经韦斯第二次尝试定格动画了，2009年他的定格动画处女座《了不起的狐狸爸爸》就已经获得了极大成功。

无论是真人电影，还是动画，韦斯都保持着鲜明的个人色彩，特别是到了后期，愈加稳定。

题材的变化，甚至是制作方式的变化，也不会让其风格有太大动摇。

从《穿越大吉岭》、《了不起的狐狸爸爸》、《月升之国》到《布达佩斯大酒店》，我们能很容易能在他不同类型的影片中，找到相似的对照。

这里就需要提到比尔·莫伦茨了，韦斯的电影风格深受这位动画大师的影响。

这位幕后大师的名字听起来并不为人所熟知，但他参与制作的经典动画人物，可都是大佬级别——兔八哥、匹诺曹、史努比……

而韦斯的影像风格，哪怕是在真人影片中，也呈现一种特有的动画式构图。

因此他的影片很容易被定义成“成人式童话”或是“真人童话”。

这次，四年磨一剑的动画新片《犬之岛》，可以说，又就是一次形式上回归。

作为重度强迫症的拯救者，韦斯依旧保持着优良的传统，呵护着每一颗对画面比例有着深度执念的玻璃心。

在《犬之岛》，你可以看到对称的花式用法，狗脸对称，人狗对称，群狗对称……

典范的配色，也是他坚守强迫症美学的证明。

多图预警，来自《犬之岛》的配色五连击：

韦斯对画面比例和色彩，的确有着近乎完美主义的执念。

除了刚刚提到的强迫症福利，《犬之岛》里还暗含人类福利。

考虑到人类的狂妄自大，不通狗性，为了照顾广大人类群众，导演不得不把狗语翻译成英文。

这里就要说到，《犬之岛》超强的配音阵容了——除了鲍勃·巴拉班、比尔·莫瑞、蒂尔达·斯文顿、杰夫·高布伦这几个御用班底外，影片还有声音大咖加盟。

神剧《绝命毒师》里的老白（布莱恩·克兰斯顿），为影片中的手捧4个艾美奖最佳男主奖杯，1个金球奖，提名无数。

在极其考验舞台表现力和台词功底的话剧舞台上，也获得了代表美国戏剧最高水平的托尼奖最佳男主角。

他在片中为小黑狗配音。

老白 中国影迷熟悉的爱德华·诺顿，也是韦斯的爱将，也将为本片献声。

他凭借处女座《一级恐惧》拿到了金球奖最佳男配和奥斯卡提名，又在《美国x档案》、《搏击俱乐部》等影片中，塑造了极具个性、冲突的人物形象，成为公认的天才演员。

他将为小黄狗配音。

另外，还有声音缪斯“黑寡妇”斯嘉丽·约翰逊的出演。

还记得她在电影《HER》中仅仅用声音就征服了男主角和一票影迷，证明了跨种族之恋的可行性。

她也凭借着这次声音出演，获得了罗马电影节最佳女演员。

在《犬之岛》中她将为自带光环的犬之岛的女神配音。

犬之岛可以提炼的关键词很多，隔离、驯化、忠诚、救赎……一张海报上，满满的都是狗脸，但他们的神情却与人相似。

他们形态各异，却都被人类粗暴的抛弃放逐。

说到底，这还是一个，人类借用狗，来讲人类本性的故事。

希望每一个人，都像片中的小男孩一样始终记得：你是我的狗子，我驯化了你，所以无论你被放逐到那里，我一定会找到你。

不离不弃，不负众“汪”。