潜水钟与蝴蝶

“我还有两样东西保留着，我的想象、我的记忆...我可以想象到很多的东西，任何人任何地方，我想到马尔蒂尼的海浪，见到我喜欢的女人，我们躺在夕阳下的沙滩上拥吻，风和海浪的声音此起彼伏。

我可以想象到一切的东西，孩提时的梦、成人的野心...现在我知道我是怎样的人了，对于我来说，爱情是那样的美丽，是致命的诱惑...”这是让·多米尼克·鲍比在《潜水钟与蝴蝶》中的自述。

“潜水钟与蝴蝶”，多么浪漫的名字，在了解这个故事之前，我因这个名字产生过许多美好的遐想。

然而在这个真实的故事面前，在鲍比翩飞蝶舞的灵魂面前，我们普通人的想象再貌似绚丽多彩也只是显得稚嫩苍白。

1995年，让·多米尼克·鲍比还是法国时尚杂志《Elle》的总编辑，才情俊逸、开朗健谈、热爱人生。

然而，到了年底，44岁的他突然脑干中风，全身瘫痪，只剩左眼还有作用。

他能听、能理解、能记忆，却无法言语。

潜水钟即中世纪时将囚犯困锁于巨钟内沉入深海溺毙的刑罚，宛如病榻上禁锢着生命的躯体；蝴蝶则象征着始终振翅高飞、向往自由的灵魂。

鲍比在亲友的帮助下，借助语言治疗师发展出的一套系统，一个字母一个字母地写出了这本不朽的回忆录。

困在轮椅上的他，依然乐观地想象自己可以吃生蚝大餐，和美女亲吻，思绪像蝴蝶一样自在飞翔...在出书后的第10天，鲍比就离开了人世，然而他以梦与思想的力量超越了他的形体，也超越了自己的生命。

因为我们每个人都会有面对疾病和死亡的一天，鲍比的故事告诉我们，只要细细体会，都会发现生命中的真谛和美好之处。

电影对原著进行了很大的改编，由于原著笔述人称的单一性，传统的直接改编方式是很难实现拍摄的。

幸好，影片的导筒落在了画家出身的朱利安·施纳贝尔手中。

作为与安迪·沃霍为伍的“新表现主义”运动的代表人物、国际艺术界的中坚力量，朱利安·施纳贝尔对剪辑的痴迷与从画家观点出发的美学角度使得影片的拍摄具备了强烈的美感认知，他掌镜下的电影，就像有声音的图画。

最终，朱利安·施纳贝尔几乎完美地发挥了他的艺术才华，以极具艺术美感的声画再现了主人公鲍比精神世界的绚丽多彩。

朱利安·施纳贝尔也因本片获得了去年嘎纳电影节和今年金球奖的两个“最佳导演奖”，从著名画家成功跨界为知名导演。

博客图文：http://ilm.blogcn.com/diary,14071553.shtml

如果我不能高傲的活，我宁愿卑微的死去。

当鲍比突发脑血栓倒在车上他就明白自己的生命至此已结束。

一切都不能自主，他说不出话而别人也听不到他内心的声音。

别人可以轻易的把足球比赛关掉，可以随便的挂掉他所爱的女人电话，而他即便可以用眼皮表示自己的意愿却始终活在别人之下。

自己的生活靠别人来控制，自己以沦为被摆布的娃娃，自己只是一个装饰品，装饰空洞的房间。

他是ELLE杂志的主编，充满荣耀的光环。

可以轻易的指挥别人干这干那，只因为他是主编一个杂志的运营靠他决定。

他不需要靠别人来生活，他自己就是别人的上帝。

他可曾想到突发的一切把他从权利的高塔打到万劫不复的地域？

当灵魂被躯体所囚禁，当自己再也抚摸不到身体的温度，当意愿被躯体几次驳回。

那么躯体就是一种障碍，一种阻止自由的障碍。

所以鲍比说他想死，他不想过这种没有自由的生活，他想和孩子们玩，他不能。

他想和自己所爱的女人做爱，他不能。

他想死，他没这功能。

鲍比对他的治疗师说你是蝴蝶，带给他生命动力的蝴蝶，可是在海底带着潜水镜哪能有看见蝴蝶的可能，即便通过光看见蝴蝶斑斓的翅膀你又怎能确信就是它？

当光明褪去，在一望无际的海底世界你也只能看见冰冷到黑暗的孤独，无人拯救。

他用眼皮书写一本书，他感谢所有帮助他的人。

两天后他死去，完成他的梦想后开心的离去。

他想告诉每个爱他的人他的生病后的思想而后了无遗憾离去。

躯体以不是束缚，他得到了灵魂的自由。

　　我们总是在追逐自由，为此我们愤世嫉俗、紧张兮兮且从不停下脚步。

为此我们付出了巨大的代价，尽管我们也许还浑然不知。

　　所幸，我们的生命中出现了这样四个人，一个叫让·多米尼克·鲍比，一个叫爱美丽，一个叫丹尼·鲍得曼·Ｔ·Ｄ·莱蒙·1900，还有一个不知名的男人。

好吧，那些只是名字，尽管有长有短还有个人干脆没有名字，可故事却有着这样那样的关联。

　　鲍比是《潜水钟与蝴蝶》的主人公，他原本是法国一家著名时尚杂志的主编，拥有财富、名誉、家庭、孩子与情人，风光又自在，直到他患上“闭锁综合症”的那天为止。

这种病通俗点来说就是严重中风，从此鲍比的整个身体如同被困在潜水钟中一样，无法动弹，甚至无法自主呼吸。

而当他决定接受这个命运后，他的想象力开始如蝴蝶般恣情翱翔，并开始感受到以往无法感受与来不及静下来思考的一切。

于是他决定与人分享这一切，用他那仅剩的与外界沟通的工具——他的左眼，选择字母牌上的字母，眨一下眼代表“是”，两下代表“否”，如此艰难却充满激情地记录下了这一切。

　　爱美丽是《天使爱美丽》的女主人公，从小便被父亲误认为有心脏病，因此她被剥夺了与同龄人沟通、玩耍以及上学的权力，她总是孤单一人，生活在一个气氛压抑且神经质的家庭里。

可是，或者应该说因此，她对别人很难注意到的一切细节都充满了好奇，她聪明却单纯，像个天使般感染与帮助别人，她的善良与包容力令围绕在她身边的一切都显得那么轻松与快乐。

她的想象力更是令人叹为观止——暗恋对象的一次简单的失约，都可能被她想像成为一系列天灾人祸、事故、绑架（且是国际性绑架）的结果。

　　别担心，我并不是要板起脸来歌颂他们的坚毅，而是忍不住去想，为什么越是在我们看来被剥夺了自由与快乐的人，他们的灵魂反而越是透明和自由？

　　1900可以为我们解释这一切。

　　1900是《海上钢琴师》的主人公，他在船上出生，在船上被收养，在船上成长，在船上成为不世出的天才钢琴师，在船上死亡。

他一生都未曾踏上陆地，只要他愿意下船，就可以避免与那条可怜的船同归于尽的下场，可是他始终没有。

他说，我可以弹出各种美妙的音乐，是因为钢琴有88个键，它是有限的，而我是无限的，有限的88个琴键可以让我找到无穷无尽的灵感，陆地却不能，因为它没有尽头，就像一架拥有无数个琴键的钢琴，如果琴键是无穷的，我又该怎么演奏？

那不是我的钢琴，那是上帝才能演奏的钢琴。

　　无所适从，这就叫无所适从吧。

我们总是不能满足于我们所拥有的一切，当我们拥有了一样东西，便迫不急待地去追求下一样，我们经历得越来越多，却不知道尽头在哪里。

久而久之，渐渐地忘记了我们到底想要什么，渐渐地失去想象力，失去感知美好的能力，失去灵魂。

可鲍比与爱美丽却因为失去我们得到的，而得到更多我们所失去的，真正珍贵的东西。

　　最后一个故事，是《巴黎，我爱你》中许许多多小故事中的一个，那个男人想要与相伴多年的妻子离婚，与情人结合，他厌倦了她各种各样令人难以忍受的习惯，尽管那些习惯正是当初吸引他的理由。

可是非常不巧，在他说出分手之前，妻子告诉他自己得了绝症。

于是他与情人分手，继续与妻子生活，他们所做的一切仍然是以往的一切，他早就厌烦了的一切，可是当他想到这将是人生最后一次这样做时，便也不再觉得厌烦，慢慢地，那一切居然变得异常地温馨与珍贵，而当他发现平淡的生活原来是如此的美好时，他的妻子离开了人世。

　　“我们走得太快，以至于丢了灵魂。

”这是《云上的日子》中最为人所津津乐道的一句台词，当学生时的我因为喜欢它的样貌而将它抄写在墙上的时候，并没有像现在这样感受它的含义。

我相信自由是世上最美好的东西，可我们却往往为追求肉体的自由而将灵魂禁锢。

我总算明白自己为什么这么爱1900，因为他与其他人不同，他在失去自由之前便看穿了这一切，于是他丢掉了肉体，抓住了灵魂。

－－－－－－－比上文更加像评论的分割线－－－－－－－－选择看《潜水钟与蝴蝶》是在一个失眠的夜晚，原本的目的是借一部也许平淡精致的文艺小品唤起睡意，却没想到反而被吸引。

若是单从影片简介看来颇像一部励志电影——讲述一个严重中风，整个人只有大脑与左眼可以活动的男人如何与病魔抗争的故事。

多好的题材，若是交给亚洲某导演来拍或许还能拍成一部颇具争议的文艺片——一个人被困在一个完全无法活动的身体里，如何在这种可怕的封闭空间里一步步走向绝望、崩溃与灭亡——说不定主演演完之后还因无法抽离角色而自杀。

　　可惜，或者说所幸，这个主人公落在了美国导演朱立安的手里——当然，关键不在于他是个美国导演，而在于他是个画家，艺术家独有的视角与思维方式决定了他的与众不同。

于是我们的主人公自始至终都显得那么可爱，即使在表述自己的痛苦时也仍在调侃。

调侃痛苦，需要的绝不仅仅是幽默感。

于是，我很喜欢将它与《天使爱美丽》扯在一起，因为它们都在淡化苦难而放大美好。

http://hi.baidu.com/rei1900/blog/item/8fc3d2083bd241c43ac7639e.html

又一个死亡前题材。

话说曾经生活要有多得意就有多得意地原法国版Elle主编Jean Do Bauby中年突然中风，身体失去知觉，浑身上下只有左眼可以眨巴。

于是就靠着只眼睛，写成了一部书 “The diving bell and the butterfly" 一开始在豆瓣上看到这个小说， 然后得知拍成电影。

永不让我失望的Laemmle Theatre如期上映。

原来不理解标题中的两个名词是什么意思。

看了电影就理解了，身躯无力完全失控压抑沉闷就像一个潜水钟，思维却仍然流淌飞跃彩色自由像一只蝴蝶。

电影拍得很意识流，故事发展到哪里就拍到哪里，好像没有特意安排， 完全let it be. 虚实交错，而且往往是转换的残酷生硬，多次在回忆或者想象美好生活或者想象的时候音乐嘎然而止，镜头拉回现实的病体身躯，睁大的清楚血丝的眼睛特写。

真实的伤人。

没有跌宕的故事情节，没有好人坏人手枪特技，只有深深浅浅的感情，生命和死亡。

竟也颇有浪漫的色彩。

特别要说，爸爸的老演员出场两次，表演实在完美。

让，能够写完这本书和在病后生存了那么久，我认为是靠他的想象力和记忆力。

是想象力让他可以憧憬，是记忆力让他可以怀念。

为了自己能够在以后遇到什么困难都可以面对，我看，从现在起，我应该好好培养自己的想象力和记忆力。

初看的时候，只是觉得视角独特，能够把这样一个故事讲完，不容易。

我是觉得有些闷的，纯粹当作锻炼法语发音来看了，还想推荐给法语班的朋友们呢。

过了好些天，才发现，我真的喜欢这部电影，喜欢它展现给我的感觉，潜移默化的，让我时不时想学习主人公眨一眨眼，看一下世界有何不同，让我想起我忽略掉的我的视觉、听觉还有触觉，还有我笨拙的表达。

也许我就是那样一种状态，偶尔潜水钟一样呆滞，偶尔蝴蝶般轻灵，对这个世界的理解处在肤浅的状态，流于表面。

总能想起那只眼睛，一开一合，还有主人公的样子。

做了足够的铺垫，才给他的全景。

还有医护人员和他的家庭，还有那个情人，看到的都是人性的光辉，所谓临终关怀，如若真能做到这一步，也就不会有人会带着怨气离开这个世界了。

主人公是个名人，有身份，有地位，有那么多人的尊重，如果换做普通人呢？

生命本质应该是平等的，但是我们的教育、社会风气将人引向的是怎样一种境地呢？

[收录于《字与光：文学改编电影谈》，香港：三联书店，2016]先看原著，再看电影，也不一定是较为明智的欣赏策略，至少对于《潜水钟与蝴蝶》并不奏效，我宁愿将时序倒转，看过电影，再看书可能更佳。

众所周知，《潜水钟与蝴蝶》原著作者Jean Dominique Bauby(1952—1997)本为法国时尚杂志ELLE总编辑，后来发生意外，全身瘫痪，唯有左眼皮能够活动。

唯一的沟通方法是，人们读出字母，一直到Bauby眨眼示意，一字一字，一词一词，组合成一句，句子再组合成段落，然后是一篇文章，最终成书——《潜水钟与蝴蝶》。

电影导演Julian Schnabel花了大概四十五分钟，用POV的主观角度，让观众进入Bauby的视角，之后才以蝴蝶这个集记忆力与想象力于一身的象征开展情节。

在时间运用上，导演未免过于奢侈了吧。

原著《潜水钟与蝴蝶》开展了记忆和想象的天地，我最喜欢〈皇后〉的最后一段，文中的艾珍妮皇后是拿破仑三世的妻子，也是医院的赞助人。

Bauby恬适惬意的背后是命运播弄的悲凉，两种极端的感受在幽默的自嘲和想象之中浑然成为动人的叙述，这一种悲喜交杂的情绪带动着自传的书写：「这时候，一股无以名之的恬适感涌上心头。

我不但是遭受流放、不但是瘫痪了、哑巴了、成了半个聋子，不但是所有的欢乐都被剥夺了，一切的存在都被减缩了，所剩下的仅仅是蛇发魔女美杜莎般的惊悚骇人，甚至，光看我的外表就够恐怖的了。

这一连串接踵而至的灾难，使我不可遏抑地笑了起来，很神经质地笑了起来；被命运之锤重重击打之后，我决定把我的遭遇当成一个笑话。

我呼呼喘着气的开怀笑声，刚开始时让艾珍妮皇后怔了一下，但是后来她也感染到了我的好情绪。

我们笑得眼泪都流出来。

这时候，市政厅所属的铜管军乐队开始演奏华尔兹。

如果这不会冒犯艾珍妮皇后，我实在很乐于站起来邀请她跳舞。

我们要在绵延数公里的方砖地板上舞动、飞旋。

从这一次以后，我每到大厅廊，一看到皇后的脸，就对她那似有若无的微笑了然于心。

」(邱瑞銮译，大块，1997，页25)电影《潜水钟与蝴蝶》没有着力处理以上幻想化的段落，导演的强项似乎是刻划人际感情。

电影的亮点是父子戏，由当年英玛褒曼(Ingmar Bergman)《第七封印》(The Seventh Seal，1957)中与死神对奕的骑士Max von Sydow饰演老父，当然是绝佳选择，一场剃须，另一场通电话，已足以叫人动容。

可惜的是，电影时有佳句，整体而言却略为拖沓，也不够豪放自如，总体来说并不太圆满。

另一个佳句已是尾段，杜鲁福(Francois Truffaut)《四百击》(The 400 Blows，1959)的音乐响起，Bauby驾车穿越巴黎的城市和乡郊，接儿子去吃生蚝，可惜事与愿违。

至此，关于电影，已不必多说了，喜欢的人一定会翻阅原著补充电影的不足。

似乎，文字的想象空间比电影还要大，而且读者有更大的自由。

还有一点是电影不及原著的，但这不能责怪Julian Schnabel，而是Bauby的感受太深刻了。

你看看，书的结尾是这样的：「在宇宙中，是否有一把钥匙可以解开我的潜水钟？

有没有一列没有终点的地下铁？

哪一种强势货币可以让我买回自由？

应该要去其它的地方找。

我去了，去找找。

」(同上，页127)

想叫喊却发不出声音，看着挣扎的痛苦化为一个个气泡浮上水面，融化在空气里，有谁知道这里还有个能思考的灵魂？

一小时前的我和Bob一起，被射入水面的阳光击得粉碎。

有一天晚上回家，踏上楼梯的那一瞬，外面的世界和光线一起消失在楼道里，黑暗像一只大手猛得抓住我，被揉捏得喘不过气。

长久以来那种抽离的哀伤和痛苦从胃部和胸腔，从四肢和躯干，从每一个细胞，每一个神经元，每一个松果体，一起被挤压到泪腺，四散逃逸，蔓延了整个黑夜。

我们，是活在潜水钟里，还是活在蝴蝶的梦里？

生活就是这样，日夜颠倒的多了，也就变得昼夜不分。

算了，活着就好。

这是一部很耐看的片子，他没有很曲折的情节，没有留下任何悬念，或者是埋下伏笔，而是单纯的写实，写一个治疗，到探望，到死亡的过程。

男主人公让多某一天身患重病，四肢瘫痪，只是思维仍旧活跃。

他靠着唯一可以活动的左眼皮，通过眨眼的方式示意他要写的字母，不断重复，组成词句。

通过这种特殊的方式，他艰难的写下了自己在生命最后时光的丝丝感受。

我不仅想到了电影的名字潜水钟与蝴蝶，让多的身体被束缚，仿佛潜水钟一般，在一百米深的水下，戴上厚重的头盔，身穿象宇航员般的老式潜水服，在强大的水压之下无法动弹。

他被自己的身体所绑架，可是他的思想却是轻盈的蝴蝶，翩翩飞舞，越来越远，驰骋在广阔的蓝天之下。

画面这是一部画面感很强的电影，涂鸦般的表达方式充满了灵性，让多完全的沉浸在了自己的精神世界里，天马行空的幻想，蝴蝶般的思维不再需要逻辑，梦境与现实也不再有清晰的界限。

而讲到画面，首先我想介绍一下新表现主义绘画以及本片的导演朱利安.施纳贝尔（Julian Schnabel）。

表现主义绘画表现主义是指艺术中强调表现艺术家的主观感情和自我感受，而导致对客观形态的夸张、变形乃至怪诞处理的一种思潮，用以发泄内心的苦闷，认为主观是唯一真实，否定现实世界的客观性，反对艺术的目的性，它是20世纪初期绘画领域中特别流行于北欧诸国的艺术潮流，是社会文化危机和精神混乱的反映，在社会动荡的时代表现尤为突出和强烈。

　　在北欧各国的传统艺术中早就存在着表现主义的因素：在早期日耳曼人的蛮族艺术、中世纪的哥特艺术、文艺复兴中的鲍茨、勃鲁盖尔等画家的作品中都可以看到变形夸张的形象、荒诞的画面艺术效果，这些都表露出强烈的表现主义倾向。

　　19世纪末，出现了象征主义的影响和现代风格混在一起的第一个表现主义运动，先驱代表画家是荷兰人凡•高、法国人劳特累克、奥地利人克里姆特、瑞士人霍德勒和挪威人蒙克，他们通过一些情爱的和悲剧性的题材表现出自己的主观主义。

　　20世纪表现主义的主要基地是德国，这决定于德国的社会现实，同时受到尼采的主观唯心主义哲学、弗洛伊德的精神分析学说和斯泰纳的神秘主义的影响。

新表现主义〔New-Expressionism〕所谓新表现主义，是70年代末80年代初从德国开始的一个新流派，顾名思义，它是以本世纪初的表现主义为楷模的。

当然，它不是简单的重复，更不是机械的摹仿。

作为波普艺术和极少主义的反动，新表现主义以表现自我为主旨，在画面、笔法、情调等方面显示了对本世纪初的表现主义的回归倾向，但由于两者发生的时代不同，故在艺术思想、题材选择、表现手法上并不同。

新表现主义是德国政治危机和恐怖主义混合构成历史环境的产儿，它在理论上接受存在主义的哲学观念，在实践中学习抽象表现主义的艺术传统，讲究绘画过程的情感突发和即兴处理，追求一种粗狂的、原始主义的简单踊跃的美学风格，竭力主张还绘画以本来面目，注重绘画性、探索内容、色彩、形式的自我语言。

他们的作品主要表现缅怀民族传统的抑郁情境和反思战败历史的悲怆心态，有的作品鞭挞社会的丑恶现象，有的作品则嘲笑自己的无能。

20世纪80年代在美国和西欧兴起的美术思潮，它的苗头最初出现在联邦德国。

1980年联邦德国在威尼斯双年展中陈列的作品被人们称作新野兽主义或暴力绘画，它们的特点是运用绘画语言表达强烈的感情。

1981年秋，5位联邦德国画家在纽约举行展览，对美国艺术界震动很大，在美国出现了学习这些德国画家表现语言的思潮，被称为新表现主义。

新表现主义之所以对美国画家有吸引力，是因为在60年代后期，现代派思潮开始进入沉寂阶段，70年代已经没有原先前卫派的锋芒，新表现主义的画家们在原来表现主义的基础上，参照了未来主义﹑形而上画派的表现语言，吸收了50年代以来一些流派的手法，使现代艺术具有新的反叛精神。

新表现主义的表现手法是抽象表现主义的，它采用了色面绘画的色面层次组织，也采用了最少派艺术的直接表现法和波普艺术的形象。

他们的作品没有具体的题材内容，追求自由表现﹑自由联想，强调感情的率直﹑天真。

从某种意义上说，新表现主义的出现是对美国60～70年代中缺乏感情的冷漠表现的反驳。

在美国的新表现主义画家群中，D.萨勒和J.施纳贝尔最负盛名。

“新表现主义”的代表朱利安.施纳贝尔（Julian Schnabel）作为美国20世纪美国“新表现主义”的代表人物以及当代的著名画家，本片的导演施纳贝尔是一位成功的艺术家，年纪轻轻就确立了自己在艺术界的地位。

1979年，28岁的他在著名的玛丽•布恩画廊举办了个展，并迅速获得艺术界的认可，被捧为纽约艺术界的神童。

而他的作品也成为私人以及公共收藏的宠儿，纽约现代艺术博物馆、惠特尼艺术博物馆、大都会艺术博物馆、古根海姆博物馆、洛杉矶当代艺术博物馆、巴黎蓬皮杜中心以及英国泰特画廊等都收藏有他的作品。

施纳贝尔的作品表现的是一些纠缠在一起或是经过改头换面的东西。

他用各种各样的材料来构成自己的作品，他在丝绸、兽皮、粗麻布以及陶瓷碎片作底子的画布上作画，而且也把一些现成的材料，像破盘子、鹿角、汽车的外壳部件、棉絮、钟的零件以及旧木片等组合到自己的作品中；同时，他作品中的形象既有来自欧洲的神话、宗教、艺术传统中的形象，也有与抽象表现主义类似的感情宣泄，还有与新表现主义所关注的政治、历史等问题相类似的主题以及像波普艺术家一样对大众文化的挪用，所有的这些都在他的作品中交替出现。

《抱着塞浦路斯的奥拉兹肖像》是朱利安•施纳贝尔众多作品中最吸引眼球的一幅，也是艺术家众多作品中最能代表画家个性与风格的代表作。

整幅画面由众多破碎的瓷片构成，打碎的碟盘、缺口的瓷杯被粘贴在木板之上，粗砺奔放。

施纳贝尔在这些凹凸不平的表面上涂抹油彩，描绘出人物肖像，厚重、浓烈而粗野。

使用碎瓷片是施纳贝尔在绘画媒材上的一次突破，而树脂、石膏、招贴画、棉花、照片等媒材也都为他所用。

施纳贝尔使用碎瓷片作画的灵感来自于西班牙高迪的建筑。

年轻的施纳贝尔游历欧洲，因为护照丢失而滞留巴塞罗那多日，西班牙旅馆中镶嵌瓷砖的装饰风格以及高迪建筑中同样被广为运用的镶嵌手法让他顿生灵感。

回美国后，他开始在绘画中使用碎瓷片。

这种前所未有的做法，立刻让他一夜成名。

更重要的是，人们从他的绘画中再次体会到了久违的感动。

施纳贝尔的绘画通常被归为“新表现主义”，但他自己则说重要的不是表现主义。

“对我来说，艺术和自我表现无关。

描绘脱离人体的精神就永远不会导致任何有趣的观念和有趣的图像。

重要的不是表现主义，而是感情，虽然不一定是我的感情。

”电影中的画面“画面是电影语言的基本元素。

”—— [法]阿尔诺•马尔丹组成画面的四个主要元素是主体，陪体，前景和背景。

主体即所拍画面的主要表现对象。

是拍摄者思想的最主要的传递中介。

陪体是陪同主体一起出现在画面中的形象元素，起到了对主体的陪衬作用。

它与主体可以构成一定的关系，营造一定的情节和氛围，表现出纯主体无法呈现的内容。

前景是靠近镜头最近的景物，是突破影视空间二维限制的一个利器。

合理应用前景，可以产生隐喻和对比等效果。

背景即主体存在的环境。

它对于主题的烘托，气氛的呈现是十分重要的。

但也不是所有的画面都需要四元素齐全的，除非他们对于表现主题深化有意义。

而真正让人赏心悦目的画面对于色彩的和谐要求更高了。

所谓色彩的和谐，她包括了色彩的统一，调和和照应。

色彩的统一即要根据主题思想的需求来确定色彩的基调，基调对于烘托主题思想、表现环境气氛、传达作者的情绪和意境，起着很重要的作用。

一切色彩的安排都要与基调相统一。

但色彩的统一并不意味着色彩表现的单调，而是让色彩丰富且有变化，是有章可循的统一体。

色彩的调和是指在安排色彩时，要根据画面上色彩的饱和度，亮度，明暗关系以及色彩的面积来适当配置。

要考虑到色彩的关系和色彩的布局，使之达到均衡的效果。

色彩的照应是说要照顾色彩之间的关系。

色彩的性质是不稳定和相互依靠的，亮色与暗色，暖色与冷色应结合在一起来考虑，使之形成不同的和谐效果。

画面中镜头的效果，增加幽默感，以及善用活泼明亮的颜色，都能提高画面的观赏性。

而在本片中，很多地方都体现出了画面的美感。

在影片中，让多想象着和自己喜欢的护士在巴黎的一家高级餐厅享用美食。

整个画面的基调是暖色。

画面的整体感觉和谐，是因为整个背景，包括墙面，男女主人公衣服的颜色都是很柔和的暗色，但白色的桌面，橘黄色的灯光，米黄色的窗帘为整体颜色添加一丝活泼与生动，因而整幅画面并不单调。

画面的主体是让多和护士在亲密的互相喂食物，男女主人公很近的对坐着，眼神对视，场面很温馨。

男女主人公的动作相当对称，让人觉得有些幽默而又温暖。

前景是最位于前方的银器托盘，端放着牡蛎等等海鲜。

背景则是这家餐厅的一间房。

橘黄色的灯光，墙上的图画，折叠的窗帘，让人觉得舒适而又有一丝暧昧。

孔子有言：“饮食男女，人之大欲存焉”。

《孟子;告子上》“告子曰：食色，性也”。

摄影师将男女表达暧昧的方式设在一家舒适的餐厅，通过享用美食来传情也自有他的道理。

这幅画面我个人是非常喜欢的，背景，前景和主体的动作都在向我们传达着感情。

这幅画面是让多回忆以前的时光，自己尚未瘫痪的时候去探望行动不便的父亲，给父亲刮胡须的情景。

画面的主体是让多在给父亲刮胡须，陪体则是老式的剃须刀，背景是父亲的房间。

背后贴满老照片的镶着金边的大镜子相当的耐人寻味，充满了怀旧的气息，而镜子的边上最醒目的一张照片则是让多，可见父亲对儿子的思念，这些都不是用言语来表达的。

主体中，父亲穿着深蓝色的睡衣端坐在椅子上，让多穿着红色的格子衬衣。

父亲已经是垂暮之年，而让多则是年轻力壮，前程一片大好。

父亲嘴巴周围满是白色的泡沫，看起来有些滑稽，他仰着头，静静的让儿子帮忙，这时候的父亲仿佛孩子一样满是依赖。

让多微微弯着背一丝不苟的给父亲刮胡须，他仿佛在扮演着家长的角色。

父子之间的感情通过着刮胡须这个动作传递了出来。

父爱不似母爱那般浓厚深沉，可是那种温情是天生流在血液中的，无法用言语形容。

画面的基调仍旧是暖色。

父亲的房间有些昏暗，但窗外有一缕缕阳光照射进来，洒在父子二人身上，让人觉得温暖。

接下来的这幅图很美，给人一种宁静，安详的感觉。

让多的护士推他来郊外散心，正在给他涂按摩油的情景。

为什么这幅画面会带给人美的享受呢？

前两幅画中人物的感情都是通过主体的动作来传达的，这幅画面也同样如此。

主体是躺在轮椅上的让多，他穿着条纹的针织衫和咖啡色的长裤，虽然不能动弹，可是穿着依旧十分讲究，可见护士的悉心照顾和自己对生活的热爱。

美丽的护士在小心的给她涂按摩油，她穿着浅绿色的长裙，裙摆随风飞扬，仿佛和自然融为一体。

这幅画最出彩的地方在于背景，它坐落在郊外的平原，视野非常开阔，让人心旷神怡。

天地一线间，无边无际。

这时你不禁会想到大自然宽广的胸怀和壮观，与人的存在相比，人是如此的渺小。

尤其是主人公让多深陷轮椅，被自己的身躯所绑架。

可是，这些并不妨碍他对生活的热爱和思考。

他任由思想的蝴蝶在广阔的蓝天下驰骋，来摆脱身躯的束缚。

我想这些就是这幅画面带给我们的震撼和反思。

每当在大自然中，人会产生肃然起敬的感觉，反思自己对生活的态度。

我们是否太过匆忙而缺少了发现生活中的美的眼睛？

而当我们健康的时候不懂得去珍惜爱的机会，现在为时已晚，是否会后悔？

施纳贝尔说重要的不是表现主义，而是感情。

在这些画面中，我们不仅感受到了他善用绘画的色彩，整体的基调统一却不单调，会有活泼的亮色加以点缀，而且也通过画面传达出了男女主人公的感情。

在他的电影中，绘画中的新表现主义在电影中的画面里体现的淋漓尽致，新表现主义与电影达到了完美的结合。

镜头影视语言是依托镜头、以声音和图象的综合形态进行思想情感交流的视听语言。

电影语言的基本元素是镜头。

是摄影机开始转动到停机这一过程中的一组画面。

[美]梭罗门画面的形成取决于镜头的运用，而电影语言则是如何运用镜头来组织拍摄画面的问题。

其中镜头的变化包括了镜头的距离，镜头的运动，镜头的角度，视点以及镜头的焦距。

其中，镜头的距离分为 远景：远距离，大视野。

介绍环境背景、渲染气氛。

全景：表现人物动作及其与环境的关系。

中景：注意力引向人物，环境空间小。

近景：主体局部，面目表情及情感变化。

特写：特定局部占整个画面，视觉冲击，强迫注意。

突出与强化作用。

镜头的运动包括了推，拉，摇，移 ，跟等动作，镜头的角度则有平拍俯拍仰拍等，镜头的视点是指主观镜头与客观镜头，镜头的焦距则分为标准镜头，短焦距镜头，长焦距镜头，变焦镜头。

在影片的最开头，摄影机就充当第一视觉，观众是站在让多的主观位置，从他唯一可以感知的视觉，来接触时而模糊和萎缩，时而又清晰的外部世界。

整部电影有百分之九十是让多的主观镜头，摄影机固定不动，只是上下左右摆动来模仿眼球。

在影片开始的二十分钟里，基本上没有远景以及全景的拍摄，而是集中在特写上。

特定局部占整个画面，视觉冲击，强迫注意。

伴随着低沉的呼吸声，画面时而昏暗，时而模糊，渐渐的明亮，却又让人看起来困难而吃力。

出现在观众眼前的是医生的脸庞的特写，随后转移到黑眼圈，到胡须，关注的眼神，仿佛在漂移的手指，嘴唇一张一动的询问......随后，拉动的窗帘，调换频道的电视机，窗台上的鲜花，墙上的旧照片，刺眼的阳光照射进来--我们看到的只有病人的视觉。

在画面中，医生的脸庞，甚至胡须会占满整个画面，对人的视觉形成压迫，使我们感受了病人恢复知觉整个过程的真实写照。

关于本片的视点，则是大量的主观镜头的运用。

让多的右眼因为已腐烂而被缝合，他只有靠着左眼来观察身边的一切。

左眼眨一下代表是，眨两下代表否，这种方式成为了与观众沟通的协议。

眨眼一下，画面会黑一下，用力眨眼，画面会黑掉很长时间。

其中，我还想介绍一下本片中出现的空镜拍摄，它是指没有具体的人物，只是拍摄没有人物的风景或者建筑物，是拍摄的手法之一。

象电影中经常出现的天台，海面，冰山等等，都是本片主人公心理的反应，起到了隐喻的作用。

同时，也使观众体会到了瘫痪的苦楚，使得我们与主人公的思想同步，感受到每一个小细节。

最让人感动的是让多与父亲的对话，而这些也是通过摄影来表现出来的。

让多与父亲的通话而泪眼模糊，画面也变的越来越模糊，是因为伤心流泪，父亲因为老年痴呆终日只能困在家里，什么也做不了，还是骨起勇气打电话来安慰儿子，而让多也被困在自己的躯体里面动弹不得。

TU ME MANQUE，“上帝啊，我真不习惯用这种方式通话，所有的一切都从我脑海溜走，不，我又记起来了，”父亲无法抑制的悲伤，让多无声的梗咽，电话两边亲情喷涌而出。

对于一个父亲来说，明知儿子永不能回电却还要和他交谈是很难的事。

对白简单直接，而又那么的无奈。

关于镜头的焦距，摄影也没有改变焦距去做特写远景，只是靠演员自身走进镜头。

亲人和朋友对让多的探望，只能通过走进让多左眼的范围，才能引起他的注意。

这一过程看起来是如此艰难却又真实。

从电影的拍摄手法来看，有人定义施纳贝尔拍摄的都是超现实主义作品，对此，施纳贝尔否认道：“我不曾说这些电影是超现实主义的。

比如在《潜水钟和蝴蝶》这部电影中，在某种程度上被提出，是因为观众通过鲍比自己的眼睛体验电影，这并非超现实主义，而是展现了我通过非常个人化的方式表达事物的创造力和才能。

启迪如果说本片中摄影的主观视觉就像潜水钟一般被固定的话，画面的表现则充当着蝴蝶的作用。

与主人公的外在感觉相平行的是他内心想法的清晰梳理。

影片越到后面，让多回忆的画面更加丰富和立体，他与情人之间的爱情游戏，与前妻和孩子的温馨时刻，与父亲的坦城倾诉，一次次的打动了观众。

他的想象也更加广阔：“我能想象在马蹄里克海岛任海水洗刷我，探望我爱的女子，在万王之王OZYM ANDIAS面前鞠躬，童年时期我梦想有成年人的能耐，而现在我要让自己记住我是谁，英俊，温文尔雅，有魅力，那不是我，那是马龙白兰度，这才是我。

”“宇宙众神都列席来帮助我，在尼泊尔，人们告诉我他们为我唱颂祈祷文，在喀麦隆，胜任从非洲众神那为我获取好运，我把右眼分给了他，我不否认这莫大的精神力量将支撑着我活下去。

”“透过磨损的窗帘，一缕微弱光线宣告着新一天的到来。

我的脑袋重的象铁，我全身被困在一套潜水衣里面，我现今的任务就是写出静止的旅行记录，来源于荒岛漂流的孤独感。

”“大厅里有个白色大理石半身像，是拿破仑三世的妻子欧任尼皇后。

这里曾经还有块空地，让伟大的达基列夫门排练俄罗斯芭蕾，据说泥金斯基曾在那个地方凌空跳跃12英尺，现在这里不会再有人凌空跳跃了，现在这里只有年老而衰弱，僵硬且沉默的人，就象我一样—残废之队。

”医院的走廊漫步着中世纪的贵族少妇，深海里被禁锢在潜水钟里的男子，骆驼在沙漠古道上行走，每一个画面都象是一幅绮丽的抽象画。

让多被自己的身体所绑架，可是他的思想却是轻盈的蝴蝶，翩翩飞舞，越来越远，驰骋在广阔的蓝天之下。

他选择了放飞思想这双蝴蝶的翅膀，任意驰骋；他选择了在回忆中和自己爱的人相守；他告诉自己命运和生命的长度其实是由自己掌控的；他的这首安魂曲带给我们对生命的敬畏和对人生的思考，我们到底应该选择怎样活，我们是否能够轻易的说放弃而不后悔？

我想这就是一部好的电影所带给我们的。

　　昨晚，四周异常的静谧，以至于有在ＳＴＵＤＩＯ的感觉，不知是不是这样，鬼使神差地有了自己被困，被封锁，被隔绝的错觉．．．或者说，这是电影拍摄的精到之处，让你很容易实施＂角色扮演＂，就这样，静静地，脆弱地，完全被牵着鼻子走地看完了它　＂闭锁症＂使这个本来在＜ＥＬＬＥ＞宣泄自己对时尚，女人，艺术无穷想法的中年男子只有控制自己右眼的能力，绝望，挣扎，窒息感每时每刻，无所遁形，在无数次地在重复＂Ｅ，Ｒ，Ｓ，Ｈ．．．＂中靠眨眼睛挑出字母，拼凑词语，句子，思想．　　第一次拼凑出的句子是＂Je veux mourir＂（我要死）　　第二次＂ＭＥＲＣＹ＂（谢谢）　　第三次＂N'ayez pas peur＂（不要惊慌）　　第Ｎ次（在前妻的翻译下对情人）＂I miss you quotidienne＂（我每天都在想你）　　也许你在庆幸，可是，我们头上都套着潜水钟：　　有些大点，有些小点；有些是致命的，有些是慢性的；有些是我们自欺欺人以为它不在的，有些是我们束手无策的：譬如把让不谙德语的人丢在德国，让赘肉横生的小姐呆在夜店，或者就在一堂不喜欢的课／会议上听讲台上的混蛋ＢＬＵＨ，ＢＬＵＨ，ＢＬＵＨ．．．　　我们甚至可以想象自己年迈，行动不便的那一天　　另外，片子里的法语作为语言治疗师和病人的媒介实在无可厚非，这种近乎亲吻甚至做爱的浪漫语音，＂Ｃ＇ＥＳＴ　ＭＯＩ＂＂＂ＯＵＩ．．．